BLOG DO JJ

A Árvore da Vida (1957)

2012-01-20T16:40:00.003-02:00

Sinopse: Neste melodrama sobre a guerra civil norte-americana, um professor se apaixona por uma mulher do sul, mas a Guerra Civil coloca obstáculos aos dois. Ao estilo ...E O Vento Levou, Elizabeth Taylor interpreta uma garota mimada que se apaixona por Montgomery Clift, que está noivo de outra. Mas ela o conquistará, mesmo que tenha que usar truques sujos. Quando a Guerra estoura, ele parte para as batalhas, enquanto ela entra em depressão e enlouquece. Com o fim dos conflitos, Clift retorna para casa e tem um novo desafio: ajudar a esposa a sair da insanidade e manter a família unida. (Fonte: Cine Click)

Motivo para assistir: Saber porque esse filme não sobreviveu ao tempo

Estreia – 20/12/1957 (nos EUA) – Uma história da vida pessoal do blogueiro: ele sempre quis assistir a esse filme por conta de uma fotografia enorme do Rio de Janeiro de antigamente que ele adorava ver quando, ainda criança, ia lanchar com seus pais no Palheta, uma lanchonete tradicional que ficava na Praça Saens Peña, Tijuca. Hoje o Palheta virou uma farmácia, a fotografia se perdeu e, anos depois, ele consegue ver A Árvore da Vida, não o elogiado (e ainda não visto pelo Blog) filme de Terrence Malick, mas essa produção de 1957 do já experiente diretor Edward Dmytryk. A realização desse longa parece ter sido um erro e serve de balde de água fria para aqueles que acham que basta ser dos anos 1950 e made in Hollywood para ser um clássico. Mesmo assim, ele deu a primeira das cinco indicações de Elizabeth Taylor ao Oscar (ela perdeu para Joanne Woodward por As Três Faces de Eva), além das nomeações por Música, Figurino e Direção de Arte. Pouco, para aquele que foi considera na época, um da (ou uma das) produções mais caras da História – que construiu inteiramente a cidade de Freehaven e foi pioneira no processo conhecido como Câmera 65 na MGM (o segundo filme a ser feito dessa maneira, que substituiu o Cinerama, foi Ben-Hur).

Realizado no auge da criatividade dos cineastas norte-americanos, os primeiros quarenta minutos do longa de duas horas e cinqüenta minutos de duração são quase impecáveis. A canção de abertura Raintree Country (título original de A Árvore da Vida) interpretada por Nat “King” Cole, é linda. A introdução ambientando o espectador em uma formatura no norte dos Estados Unidos no ano de 1859 é notável. O primeiro conflito fica por conta do relacionamento de John (Montgomery Clift) e Nell (Eva Marie Saint). Clift, de poucos e bons filmes, sofreu um grave acidente de carro durante as filmagens e teve seus movimentos comprometidos para sempre e seu rosto totalmente desfigurado, sendo a primeira metade de A Árvore da Vida o único registro em cores da “aparência original” do ator. No longa, John sonha em ser escritor e o pai, muito religioso, não deixa de incentivá-lo (ao contrário da mãe). Ao mesmo tempo ele se mostra contra o amor entre os jovens, por conta da origem humilde da moça. Tudo muito bem apresentado. A lenda da árvore da vida parece dar um toque de fantasia a um drama familiar – que no começo lembra muito A Caldeira do Diabo (lançado no mesmo ano) e outros do gênero. Todavia, esse ótimo panorama feito pelo roteiro se perde.

O segundo conflito, que tomará a maior parte do filme, começa quando John conhece a sulista Susanna e Elizabeth Taylor entra em cena. Ela é filha de um falecido Senador e parece ter a dignidade que o pai de John quer. A aproximação dos dois não é freada pelos ciúmes de Nell e o casamento com Susanna dá uma lição àqueles que em um impulso se casam sem conhecer o futuro companheiro.

O roteiro de Millard Kaufman se perde de vez quando entra em cena a Guerra Civil Americana. Não há uma definição da trama, um indicativo se John assumirá a posição de ianque em um ambiente sulista ou se seu foco será o mistério no trauma do passado de Susanna. Taylor entrega uma interpretação que lembra a Blanche de Vivien Leigh (Uma Rua Chamada Pecado, que marcou época ao ser lançado seis anos antes), a mesma de E O Vento Levou – que trata de maneira tão mais eficiente a Guerra de Secessão que chega a dar pena.

Um lampejo de graça é o que consegue o texto na passagem em que John, eleitor de Lincoln, se nega a ter escravos. Porém, tudo descamba para uma discussão política batida em um roteiro que atira para todos os lados com tramas que não combinam. Não soube inserir o contexto histórico no melodrama e vice-versa. Na hora final, então, A Árvore da Vida está perdido em sua indefinição: sem drama, romance, guerra ou história que o sustente minimamente. Nota 5

Filmes comentados em 2012: 23
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 160

Backbeat - Os Cinco Rapazes de Liverpool

2012-01-20T13:42:00.002-02:00

Sinopse: Liverpool, 1960. John Lennon (Ian Hart) e Stuart Sutcliffe (Stephen Dorff) organizam uma viagem a Hamburgo para tocar com Paul McCartney (Gary Bakewell), George Harrison (Chris O'Neill) e Ringo Starr (Paul Duckworth) em bares. Após o músico e artista plástico Klaus Voormann (Kai Wiesinger) assistir uma de suas apresentações ele fica entusiasmado com a banda, já batizada de The Beatles, e convence sua namorada, Astrid (Sheryl Lee), a apresentá-los para o circuito alternativo da cidade. Aos poucos Sutcliffe se aproxima de Astrid e se afasta cada vez mais da banda, que acaba recebendo um convite para gravar seu primeiro disco. (Fonte: Inter Filmes)

Motivo para assistir: Saber que os Beatles quase foram cinco.

Estreia – 01/04/1994 (no Reino Unido) – Backbeat peca pela indefinição de seu roteiro. A idéia era retratar a juventude de Stuart Sutcliffe (Stephen Dorff, que após dezenas de filmes de ação, foi peça importante em Inimigos Públicos e elevado a protagonista por Sofia Coppola no modorrento Um Lugar Qualquer), primeiro baixista da banda que viria a se tornar os Beatles, bem como seu dilema entre ser músico ou pintor até sua morte precoce, aos 21 anos. Porém, a produção não consegue deixar de utilizar o interesse pelo grupo britânico e cai na biografia fácil, permeada de clássicos do rock dos anos 1950, além de insistir em retratar mais a tentativa frustrada de Paul, John, George e Ringo fazerem sucesso em Hamburgo, Alemanha.

Não há preocupação em ambientar o espectador, nem em reconstituir com fidelidade a época em que se passa a história. A escalação do elenco não foi das melhores e há momentos em que Ian Hart, intérprete de John Lennon parece mais o Billie Joe do Green Day. Hart, aliás, interpretou Lennon em seus dois primeiros longas (em 1991 ele protagonizou The Hours and the Times). Houve a opção de criar um estilo punk-rock anos 1990 na trilha sonora de forma proposital, para que os espectadores da época pudessem “entender” como a chegada dos Beatles foi captada, ao passo em que nenhuma composição de Lennon e McCartney foi aproveitada – o que se mostra um grande equívoco.

O cerne da questão que desgastou a relação entre Stu e os companheiros de banda é mostrada de forma superficial na segunda metade. O envolvimento daquele com Astrid, que leva o baixista a faltar uma importante gravação e faz com que os ingleses deixem de partilhar do mesmo sonho, perde espaço para cenas de sexo e números musicais nada informativos – presentes em uma produção qualquer. Nesse ponto, Backbeat lembra muito algumas biografias brasileiras como Garrincha – Estrela Solitária. O diretor e roteirista Iain Softley não fez muitos trabalhos depois de sua estréia em Backbeat. Voltará a ser creditado como roteirista esse ano em Trap for Cinderella, atualmente em pós-produção. Como diretor, além do já citado, outros cinco trabalhos apenas: Hackers, Asas do Amor, K-Pax – O Caminho da Luz, A Chave Mestra e Coração de Tinta. Ou seja, um diretor de filmes medianos.

Da mesma forma que Madonna – A Inocência Perdida, Os Cinco Rapazes de Liverpool não abrange os anos de sucesso dos Beatles, parando sua narrativa no começo da Beatlemania no Cavern Club – época da expulsão deles da Alemanha, local que voltariam como astros do rock logo depois. Serve apenas para quem é curioso em saber de um tempo em que os astros não eram fabricados. Nota 4

Filmes comentados em 2012: 22
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 159

As Horas

2012-01-20T10:39:00.002-02:00

Sinopse: Em três períodos diferentes vivem três mulheres ligadas ao livro "Mrs. Dalloway". Em 1923 vive Virginia Woolf (Nicole Kidman), autora do livro, que enfrenta uma crise de depressão e idéias de suicídio. Em 1949 vive Laura Brown (Julianne Moore), uma dona de casa grávida que mora em Los Angeles, planeja uma festa de aniversário para o marido e não consegue parar de ler o livro. Nos dias atuais vive Clarissa Vaughn (Meryl Streep), uma editora de livros que vive em Nova York e dá uma festa para Richard (Ed Harris), escritor que fora seu amante no passado e hoje está com Aids e morrendo. (Fonte: Adoro Cinema)

Motivo para assistir: Como ser original contando uma história conhecida

Estreia – 28/02/2003 – A primeira cena de As Horas (o suicídio de Virginia Woolf) mostra que é possível realizar grandes dramas sem deixar de entregar uma produção caprichada, com cenas grandiosas. O espectador-médio sentirá falta de ter lido Sra. Dalloway, um dos primeiros romance da escritora – que teve As Horas como primeiro título. Mesmo assim, ficará pregado na cadeira aguardando o cruzamento das três histórias. O roteirista David Hare, vencedor pelo Sindicato dos Roteiristas, e indicado ao Oscar duas vezes por dois trabalhos notáveis (As Horas e O Leitor) faz parecer simples o complexo trabalho de intercalar três narrativas em menos de duas horas. As Horas é um romance vencedor do Prêmio Pulitzer em 1999, escritor por Michael Cunningham, que escreveu para o cinema Ao Entardecer, outro longa com Meryl Streep muito elogiado e ainda não visto pelo blog. Já o diretor Stephen Dalry (quatro filmes e três indicações ao Oscar: Billy Elliot, As Horas e O Leitor. Tão Longe e Tão Perto pode lhe render a quarta em 2012) e o experiente editor Peter Boyle (também indicado por esse trabalho) atingem o equilíbrio necessário para que o longa seja fácil de digerir e que nenhum ego das três grandes protagonistas seja ferido.

Porém, o maior destaque talvez seja o uso constante da trilha sonora, que passa longe da mera repetição incidental e é usada como importante elemento de As Horas. Ela também foi lembrada pela Academia, que nomeou a produção a dez prêmios. Além dos já citados, apareceu nas categorias Filme, Atriz e Ator Coadjuvantes (Julianne Morre e Ed Harris) e Figurino, perdendo em quase todas as categorias para Chicago. Sem contar o prêmio de Atriz para Nicole Kidman e seu nariz perfeitamente falso, que levaram também o Bafta, o Globo de Ouro e dividiram o troféu do Festival de Berlin com Moore e Streep. Nariz falso, aliás, que ao ser retocado por computador, desqualificou As Horas a concorrer como melhor maquiagem no Oscar. O esforço de Kidman para o papel, sem dúvida o melhor da carreira, foi recompensando. Apesar de ser laureada como atriz principal, sua participação é a menor. Dura 28 minutos, enquanto a de Moore dura 33 e a de Streep 42. Ela chegou a aprender a escrever com a mãe direita para representar Woolf fiel e naturalmente, assim como Julia Roberts em Erin Brokovich dois anos antes (ela também venceu o Oscar). Optou por não imitar a voz de Woolf, conhecida por ser esquisita, evitando dar um ar cômico à personagem. Gostou tanto de seu nariz que continuava usando fora das filmagens para fugir dos curiosos que a perseguiam (à época ela atravessava o processo de divórcio com Tom Cruise).

Cada um encontrará uma trama que lhe interessa mais do que outra. A vida de Laura Brown, que projeta Sra. Dalloway – o livro que está lendo naquele momento – em sua vizinha, me parece menos marcante que a de Clarissa, que foge de sua realidade de outra maneira, cuidando mais de Richard do que de si mesma. Moore está muito madura em seu papel, inspirado na mãe do autor do livro. Na pós-produção, Cunningham pediu para lhe enviarem alguns trechos de As Horas pois sua mãe, em fase terminal de câncer, queria assistir o máximo que pudesse antes de falecer. Streep, como sempre, entrega uma interpretação muito convincente, no papel de uma senhora frustrada não só com sua vida, mas com a idéia de não ter mais idade para buscar a felicidade. Ela optou por não reler Sra. Dalloway para o filme, pois, assim como sua personagem, já havia lido na época da escola e não tinha entendido muita coisa. Um filme notável, feito para assistir mais de uma vez. Nota 9

Filmes comentados em 2012: 21
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 158

Anatomia de um Crime

2012-01-19T18:41:00.002-02:00

Sinopse: No Michigan, Paul Biegler é um advogado que é auxiliado por um alcoólatra, Parnell McCarthy. Após ter recusado o caso inicialmente, ele decide aceitar a defesa de Frederick Manion, um tenente do exército acusado de assassinato. O réu alega que a vítima violentou Laura Manion, sua mulher, mas seu oponente é Claude Dancer, um conceituado promotor que afirma que a alegação do réu é falsa e que Laura, que tem uma reputação de promíscua, estava realmente tendo um caso com o bartender assassinado, sendo que durante um acesso de cíúme Frederick teria intencionalmente cometido o crime. (Fonte: Cine Players)

Motivo para assistir: Um clássico drama de tribunal

Estreia – 01/07/1959 (nos EUA) – James Stewart, um dos rostos da Era de Ouro de Hollywood, entrega mais uma atuação sóbria e admirável em mais um clássico em que simplesmente não há argumentos para críticas. Anatomia de um Crime narra a história de Paul Biegler, um advogado desmotivado que só quer saber de pescar após perder o cargo de Promotor do Distrito. Passa horas no bar com seu amigo bêbado, até que um cliente cai em seu colo. Considerado polêmico na época por usar palavras fortes ("bitch", "contraceptive", "panties", "penetration", "rape", "slut" e "sperm"), o longa foi banido de Chicago e reprovado pelo pai do protagonista, que circulava por sua cidade pedindo para que as pessoas não o assistissem. Mesmo assim, é lembrado até hoje como um dos 10 dramas de tribunal mais importantes do cinema americano.

Não é a toa que essa fita deu a Stewart um troféu no Festival de Veneza e sua quinta indicação ao Oscar (ele venceu por Núpcias de Escândalo e perdeu por A Mulher Faz o Homem, A Felicidade não se Compra e Meu Amigo Harvey). Perderia em 1960 para Charlton Heston em Ben-Hur. Aliás, o épico considerado um dos grandes filmes de todos os tempos foi a pedra no sapato de Anatomia de um Crime, que recebeu outras seis indicações (Filme, Ator e Atriz Coadjuvantes, Roteiro Adaptado, Edição e Fotografia em Preto e Branco) e não ganhou nenhum. Um dos destaques da edição é a ausência do uso de flashbacks, técnica odiada por Otto Preminger e que poderia ser usada de qualquer maneira para facilitar a compreensão do filme. Ao optar por não utilizá-la, encontra o roteiro uma proximidade com a realidade de um julgamento que atinge em cheio o espectador. Seu ritmo é tão perfeito que o diretor chegou a processar a Columbia por ter vendido os direitos de Anatomia de um Crime para a televisão, pois o filme de duas horas e quarenta minutos foi interrompido treze vezes por intervalos comerciais! Ele perdeu o processo, claro.

O longa explora seu viés jurídico ao discutir se o caso a ser julgado se encaixa numa “legítima defesa da honra de terceiro”, apesar do fato de o homem violentar a esposa não ter sido tão próximo do segundo evento (admitindo sua cogitação), e da vítima do primeiro ser uma mulher extremamente provocante. Anatomia de um Crime difere de outros dramas de tribunal no fato de o advogado de defesa realizar uma investigação prévia antes de aceitar o caso. Ele precisará construir uma boa imagem de Laura Manion como vítima, enquanto a acusação fará de tudo para ignorar esse fato. O papel estaria muito melhor em Lana Turner, mas essa recusou no auge de sua forma, após lançar A Caldeira do Diabo e Imitação da Vida. Sua negativa se deu porque Turner queria que seu figurino fosse todo desenhado por seu estilista profissional. O estúdio esteve prestes a aceitar a exigência, mas o diretor Otto Preminger vetou a solicitação. Remick, que sempre foi a primeira opção de Preminger, não compromete e três anos depois foi lembrada para vários prêmios por sua boa atuação em Vício Maldito.

A primeira hora do longa se passa fora da Corte. Mesmo assim, nas cenas de julgamento, a produção não deve nada aos melhores do gênero. A grande qualidade do filme é mostrar a busca por e a luta entre argumento, a criação e desconstrução de teses (sem perda de tempo com tramas paralelas). É a verdadeira anatomia de um crime, é Direito puro a exemplo de 12 Homens e uma Sentença e O Vento Será sua Herança. Além de tudo isso, o longa é muito bem filmado e editado. Impressiona saber que sua pós-produção foi feita apenas um mês antes do lançamento. Ou seja, um clássico absoluto. Nota 9

Filmes comentados em 2012: 20
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 157

Amistad

2012-01-19T18:06:00.004-02:00

Sinopse: O navio negreiro espanhol La Amistad é capturado na costa dos EUA, depois que os 53 africanos a bordo se amotinam. Durante o julgamento dos escravos, vários interesses entram em jogo: a luta abolicionista, a reeleição do presidente americano, as boas relações internacionais (entre EUA e Espanha, dona do navio). Diante das proporções que o evento toma, o ex-presidente John Quincy Adams (Anthony Hopkins), um abolicionista não assumido, resolve sair da sua aposentadoria voluntária para defender os africanos na Suprema Corte Americana. (Fonte: Cine Click)

Motivo para assistir: O nascimento do sentimento abolicionista nos Estados Unidos

Estreia – 20/02/1998 – Pablo Villaça em seus comentários sobre Cavalo de Guerra comparou o mesmo a Amistad como tentativas melodramáticas e apelativas de contar uma história. A produção de 1997 lançada entre os premiados A Lista de Schindler e O Resgate do Soldado Ryan bebe na fonte do segundo pelo começo visceral e violento, retratando o motim a um navio negreiro. É contemplativo sem ser bonito, não possui objetividade e é difícil não enxergar ali uma tentativa frustrada de Spielberg em ser experimental.

Ocorre que, por ser o blogueiro um operador do Direito, não há como, mesmo identificando diversos erros em Amistad, não atentar pela maneira fiel como a briga jurídica que ocupa grande parte do filme é mostrada. A discussão para qualificar os negros como propriedade dos donos do navio, dos marinheiros que os encontraram ou da Coroa Espanhola – bem como o nascimento da teoria abolicionista – não permite classificar a produção como ruim.

O longa, por exemplo, revelou Djimon Hounsou, que foi indicado duas vezes ao Oscar de ator coadjuvante, por Terra de Sonhos e Diamante de Sangue. Já Anthony Hopkins foi lembrado pelo Oscar como ator coadjuvante (perdendo para Robin Williams, por Gênio Indomável), que indicou a produção em outras três categorias: Fotografia, Figurino e Trilha Sonora. Porém, o roteiro de David Franzoni (vencedor do prêmio de melhor filme da Academia por ser um dos produtores de Gladiador) sofreu acusação de plágio de Barbara Chase-Riboud, que escreveu livro com a mesma história e chegou a ser levado à produtora Amblin, de Spielberg (e sua compra de direitos, negada).

O viés democrático, o respeito às instituições nas Treze Colônias recém-independentes e a instauração do Tribunal do Júri desde os seus primórdios formam um prato cheio para quem gosta da Ciência do Direito. Os menos familiarizados encontrarão interesse na dificuldade de advogar para pessoas que (literalmente) não falam a mesma língua. Os interessados em Política e História já optarão por observar a gênese da Guerra Civil Americana e a relativização da independência dos três Poderes logo no início da era democrática. Pena que, ao final, voltem as tomadas longas e o ritmo inconstante. Amistad exige boa vontade, mas está longe de ser um fracasso. Nota 6

Filmes comentados em 2012: 19
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 156

O Ano que Vivemos em Perigo

2012-01-18T15:31:00.002-02:00

Sinopse: Indonésia, 1965. Guy Hamilton (Mel Gibson) é um repórter australiano ambicioso e pouco experiente, que em sua primeira missão internacional chega a Jacarta para cobrir a agitação dos últimos momentos do regime de Sukarno. Lá Guy recebe a ajuda essencial de Billy Kwan (Linda Hunt), um fotógrafo anão, que faz para ele importantes contatos com as facções em luta e lhe apresenta a bela Jill Bryant (Sigourney Weaver), assessora do adido militar da embaixada britânica. Alguns acontecimentos precedem a queda do ditador e dentro deste contexto Guy se envolve com Jill. (Fonte: Adoro Cinema)

Motivo: A vida de um novato correspondente internacional

Estreia - 17/12/1982 (na Austrália) - O australiano Peter Weir, na época com quase 40 anos, conseguiu cavar seu lugar em Hollywood dirigindo em seu país O Ano que Vivemos em Perigo. Sua produção seguinte, A Testemunha, foi responsável pela primeira indicação deste ao Oscar de melhor diretor. Ele foi lembrado na mesma categoria por Sociedade dos Poetas Mortos, O Show de Truman e O Mestre dos Mares. Além da lembrança como produtor na categoria filme em Mestre dos Mares e roteirista de Green Card - Passaporte para o Amor. O argumento do roteiro em questão é difícil de ser criticado. É claro que uma trama que narra a vida de um repórter em sua primeira experiência como correspondente estrangeiro merece um filme. Porém, o roteiro que aparentemente tenciona tratar da responsabilidade social da carreira de jornalista e da dificuldade na busca por fatos sem se envolver com a notícia, sai dos eixos na segunda metade, quando parece perder ritmo e o fôlego.

Por tratar de um tema polêmico, o longa esteve banido da Indonésia até 1999. Um dos equívocos da produção, aliás, é atribuir ao povo javanês diálogos feitos em filipino. Talvez deixar a direção a cargo de Phillip Noyce fosse mais acertada, eis que não foram poucas as divergências profissionais entre Weir e C.J. Koch, autor do livro autobiográfico que dá origem ao filme e colaborador do roteiro. A parte dramática revela-se incipiente e o conflito entre comunistas e direita militar é deixada à parte, o que tira a dinâmica do filme. O elenco é liderado na verdade por Linda Hunt, que conseguiu o Oscar de atriz coadjuvante em 1984 por um feito notável: interpretar um homem. Ela perdeu o Globo de Ouro para Cher por Silkwood - O Retrato de uma Coragem e não foi lembrada nenhuma vez para qualquer prêmio depois disso. O diretor a escalou, aliás, após diversos testes com homem, sem obter êxito.

Mel Gibson que após atingir o estrelato em Mad Max realizou dois filmes com Weir com relativo sucesso (antes deste, eles lançaram Gallipoli) e Sigourney Weaver que também viajava na fama de Alien - O Oitava Passageiro lançado dois anos antes, não comprometem mas não trazem nada de especial aos protagonistas. Os mais novos lembrarão de Diamante de Sangue, com a diferença que neste o protagonista é um local. Além disso, O Ano que Vivemos em Perigo possui montagem e trilha sonora pouco inspiradas e um dilema mal retratado e de conclusão frustrante. Falha ao colocar em pauta a covardia em abdicar da carreira e optar por um quase-amor ao invés de reportar a História. Uma tentativa de se criar um clássico inspirado em um evento real, que só caía bem na época da inocência. Nota 5

Filmes comentados em 2012: 18
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 155

Amor à Flor da Pele

2012-01-17T14:58:00.003-02:00

Sinopse: Chow (Tony Leung Chiu Wai) e sua mulher acabaram de se mudar. Logo, ele conhece Li-Zhen (Maggie Cheung), uma jovem que também acabou de se mudar com o marido. Ele trabalha para uma companhia japonesa, o que significa que está freqüentemente viajando. Como sua mulher também fica, muitas vezes, longe de casa, Chow passa muito tempo com Li-zhen. Eles se tornam amigos e, um dia, são forçados a encarar os fatos: seus respectivos parceiros estão tendo um caso. (Fonte: Adoro Cinema)

Motivo para assistir: Como Wong Kar Wai marcou definitivamente território no mapa do cinema.

Estreia - 23/02/2001 - O final do século XX despertou a atenção do mundo para o cinema da China. O cinema de Wong Kar-Wai, entretanto, não se assemelha em nada com o de Zhang Yimou, a outra referência por todos utilizada. As histórias exageradas e cheias de fantasias como Heroi, O Clã das Adagas Voadoras e A Maldição da Flor Dourada mudaram um pouco o perfil de Yimou que se destacou no final dos anos 1980 com produções mais intimistas como O Sorgo Vermelho e o espetacular Lanternas Vermelhas. Já Amor à Flor da Pele se aproxima mais do cinema japonês pela simplicidade da trama (apesar do maior uso de movimentos pela câmera) e pelas passagens de tempo utilizadas pelo roteiro, comuns em obras como as de Yosujiro Ozu.

Um encontro constrangedor de um homem e uma mulher, vizinhos de mudança no mesmo dia, é o ponto de partida de um longa que trata de amor e decepção e de como o nascimento de um sentimento depende, sim, de fatores externos e está sujeito às condições de temperatura e pressão. As filmagens tiveram que ser transferidas de Pequim para Macau porque as autoridades chinesas exigiam a leitura do roteiro e Kar Wai nunca usa um script pré-definido. Esse atraso fez com que o corte final ficasse pronto menos de uma semana antes da estreia do longa no Festival de Cannes. O título em inglês, In The Mood of Love é uma referência a uma canção gravada por Brian Ferry.

A bela trilha sonora e a edição ágil revezando cortes bruscos com o uso (moderado) do slow motion intriga o espectador na primeira metade. Porém, Amor à Flor da Pele foi feito para ser apreciado, para documentar e retratar como é normal o desencanto com a rotina de anos de relacionamento e encantar em cenas como a que utiliza apenas as sombras das personagens ou o close de suas mãos. Foi usado muita improvisação, o que fez com que o próprio diretor/roteirista admitisse que o trabalho dos atores fez com que a história saisse do campo da obviedade.

Destacam-se, ainda, uma câmera exploradora bem inserida no cinema oriental e uma presença de fundo de Nat King Cole, uma voz sempre bem-vinda. Na década de 2000, Kar Wai participaria de projetos cercados de expectativas mas nenhum deles conseguiu o mesmo impacto que Amor à Flor da Pele e dos longas anteriores de maior sucesso (Dias Selvagens, Amores Expressos, Cinzas do Passado e Felizes Juntos), todos contando com pelo menos um dos dois atores que lideram o elenco. Vale reparar que a atriz Maggie Cheung está com uma roupa diferente em cada cena, totalizando 46 de acordo com as notas da produção. Tony Leung venceu o prêmio de melhor ator em Cannes e a produção venceu o César de filme estrangeiro. Já em seu país, Amor à Flor da Pele foi superado por O Tigre e o Dragão, de outro mestre - Ang Lee. Nota 8

Filmes comentados em 2012: 17
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 154

Feliz que Minha Mãe Esteja Viva

2012-01-16T16:40:00.002-02:00

Sinopse: Quando adolescente, Julie (Sophie Cattani) abandonou seus dois filhos, um de quatro anos e o outro ainda bebê. Adotados por um casal, o irmão mais novo cresceu sem crises existenciais, mas Thomas (Vincent Rottiers) sempre quis conhecer suas origens. A raiva que o abandono causou nele começa a se manifestar na pré-adolescência. Aos 20 anos, Thomas toma coragem e fala com sua mãe biológica. Na tentativa de ocupar o hiato da relação entre os dois, força um envolvimento não convencional entre mãe e filho. (Fonte: Adoro Cinema)

Motivo para assistir: Final arrebatador

Estreia - 25/03/2011 - Um filme francês que começa com uma família (pais e duas crianças) saindo de férias e uma introdução que remete ao lugar-comum dos irmãos Dardenne se destaca pela impactante conclusão. Feliz que Minha Mãe esteja viva trata de um tema que não é novo, qual seja, a história de um filho adotivo que procura sua mãe biológica. A tentativa do experiente roteirista Alain Le Henry em trazer algo novo é válida e eficiente, em mais uma produção que ao lado das de Xavier Dolan e outras trouxe uma energia jovem ao cinema francês. Feliz que Minha Mãe Esteja Viva venceu o prêmio de melhor roteito do Festival de Cinema de Montreal.

Produção de curta duração, de cenas simples, não há nela o suficiente para qualifica-la de surpreendente ou de alto nível. Seu ponto positivo é intercalar fases em que as crianças estão vivendo com a mãe verdadeira e passagens com a família adotiva. O novato Vincent Rottiers se sai muito bem como protagonista, em interpretação que rendeu uma indicação ao César de Ator Revelação. A opção do roteiro em não se concentrar em apenas um momento da vida da protagonista dá dinamismo ao filme e provoca situações de conflitos (ex.: Decepção x Ingratidão) bem mais interessantes que os longas dos superstimados Jean-Pierre e Luc Dardennes. Nota 7

Filmes comentados em 2012: 16
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 153

Querelle

2012-01-16T11:02:00.002-02:00

Sinopse: Na cidade portuária de Brest, nada é o que parece ser. Neste cenário de sonho, Querelle, um marinho amoral que desperta sentimentos de amor e morte em homens e mulheres, planeja crimes e procura satisfazer os seus desejos. (Fonte: Cine Dica)

Motivo para assistir: Dizer não à intolerância

Estreia - 16/09/1982 (na Alemanha Ocidental) - Um bar à beira de um porto administrado por um homem liberal que não liga se sua mulher faz sexo com a maioria dos frequentadores assíduos. Quando um deles é informado pela face cartomante da senhora citada acima que o irmão Querelle corre o perigo de encontrar a si mesmo, o espectador que ignora a obra do diretor alemão Rainer W. Fassbinder jamais imagina o que está por vir. A trama é baseada no livro de Jean Genet, polêmico escritor que obteve sucesso graças às referências feitas por Jean Paul Sartre. Voltando ao filme, as únicas indicações para a produção na época foram para o Troféu Framboesa de Pior Canção. Porém, o filme foi exibido no Festival de Veneza e perdeu o Leão de Ouro para O Estado das Coisas de Win Wenders. Na época Marcel Carné, o presidente do Júri naquele ano deu uma entrevista mostrando sua frustração por ele não ter convencido os outros jurados a dar a Querelle o Leão de Ouro.

Fassbinder cria um ambiente de cores e trilha forte, faz referência ao experimentalismo dos seguidores de Godard no uso do som, narração e notas escritas ao longo de um filme que, ao contrário do diretor francês, assume o uso de um cenário a todo instante. Tudo para contar como nasce em um homem que convive com e em ambientes heterossexuais o desejo de experimentar o amor de uma pessoa do mesmo sexo. Foi o último longa de Fassbinder, que em 1982 teve uma overdose de drogas aparentemente proposital.

A demora para o filme se definir é proposital para chocar e ofender alguns, desde a referência à crucificaxão de Cristo até as cenas de sexo aparentemente gratuitas de tão grotescas. Porém, quando foca nos sentimentos de dúvida, amor, obsessão e deslumbramento (todos em conflito) a história cresce pela coragem em marcar uma posição. Talvez a inversão na maneira de destrinchar o roteiro fosse uma opção mais acertada. Porém, não tira a qualidade de Querelle, pronto para entrar em cartaz essa semana com o mesmo frescor de três décadas atrás. Nota 7

Filmes comentados em 2012: 15
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 152

O Espião que Sabia Demais

2012-01-13T17:46:00.004-02:00

Estreia - 13/01/2012 - Não é simples transpor para o cinema um livro de John Le Carré. Suas adaptações sempre geraram expectativas e invariavelmente envolveram atores consagrados. Entre as mais conhecidas, “O Espião que Veio do Frio” (1965) e “O Alfaiate do Panamá” (2001) tiveram os astros Richard Burton e Pierce Brosnan. “A Casa da Rússia” (1990) trouxe o encontro de Sean Connery e Michelle Pfeiffer. O esquecido “A Garota do Tambor” (1984) foi protagonizado por Diane Keaton. E a mais bem sucedida e recente de todas, “O Jardineiro Fiel” (2005) não só lançou o diretor Fernando Meirelles nas produções internacionais, como ainda rendeu o Oscar e o Globo de Ouro para a atriz Rachel Weisz.

Em “O Espião que Sabia Demais”, novamente um excelente trabalho foi realizado na escolha do elenco. A trama da nova adaptação, que já rendeu uma célebre adaptação televisiva em 1979, no formato de minissérie estrelada por Alec Guinness (“Guerra nas Estrelas”), gira em torno de uma célula da Inteligência Britânica onde paira a suspeita de haver um traidor. Uma missão enviada à Hungria é mal sucedida, alguns agentes são convidados a se aposentarem e um deles, George Smiley (Gary Oldman), volta do seu descanso para solucionar a questão.

Grandes atores britânicos da atualidade foram convidados para desempenhar os personagens, de Colin Firth (“O Discurso do Rei”) a Tom Hardy (“A Origem”), não pairando nenhuma reparação a respeito de seus desempenhos. Um bom trabalho foi igualmente realizado na parte técnica. Mesmo assim, o filme parecer pecar na escolha das tomadas, cores e figurino – o que o deixa um pouco monocromático. Esta opção estética acaba por se mostrar equivocada em uma trama com um infindável número de personagens, todos com maneira de falar e se portar idênticas, sem que haja aprofundamento de suas personalidade ou algo que os distingua além do fato de serem interpretados por atores famosos.

O maior deslize, porém, encontra-se no roteiro, que os seis meses da fase de edição não conseguiram consertar. Há em “O Espião que Sabia Demais” subtramas desnecessárias, que tornam o filme arrastado e cansativo. Em determinada cena, o público se torna olhos e ouvidos de uma personagem que mal foi introduzida na história. Uma adaptação confusa do diretor sueco Tomas Alfredson (“Deixe Ela Entrar”), que é anunciada pela Playarte (distribuidora do longa no Brasil) como forte candidato ao Oscar de 2012. A produção ganhou um troféu técnico do BIFA, prêmio para o cinema independente britânico. E só. Nota 4

ps.: Esse texto também foi publicado no portal Pipoca Moderna, clique aqui para ler.

Filmes comentados em 2012: 14
Filmes lançados em 2012: 2
Total de filmes do blog: 151

Tomboy

2012-01-13T17:37:00.002-02:00

Estreia – 13/01/2012 – Tomboy (que dá nome ao filme e refere-se ao apelido dado a meninas que gostam de agir como meninos) deve ser reconhecido no mínimo pela coragem em se realizar um filme que trata da descoberta da homossexualidade na pré-adolescência. Coragem maior possui a jovem atriz Zoé Héran e sua família, que permitiram uma exposição dessa magnitude (a atriz foi selecionada no primeiro dia de testes). Na história ela é Laure, uma menina de dez anos que se apresenta na rua como Mikael, não aceitando sua condição e esquecendo a barreira da idade para mostrar seu lado masculino.

Interessa observar que Laure está ciente que sua escolha causará, no mínimo, estranhamento e muda sua atitude ao chegar em casa, deixando para a mãe chegar às suas conclusões. Ao mesmo tempo deve ser levado em conta o fato de uma criança de dez anos não possuir plena consciência das consequências dos seus atos, ainda mais relacionados à sua sexualidade.

Tomboy é um longa cativante, resultado de cenas simples, singelas e com um roteiro que preza pelo bom humor, apesar da complexidade do tema tratado. Foi filmado em vinte dias e possui apenas catorze personagens. Seus únicos prêmios ficam por conta de sua temática LGBT (Festivais de Torino, Filadélfia, São Francisco e, o principal deles, o Teddy Jury Award no Berlinare). Um filme ainda segmentado que aos poucos vai sendo descoberto. No Brasil, foi o ganhador da categoria melhor longa-metragem do 19º Festival Mix Brasil, ganhando lançamento nacional nessa sexta-feira.

A relação entre Laure, apenas uma menina que queria ser vista como menino e Lisa (Jeanne Disson) – aquela que desperta um algo mais na adolescente, vai perdendo espaço para a relação com sua irmã Jeanne (Malonn Lévana, uma atração à parte) – que na inocência infantil acolhe a pessoa da maneira que é (sem pré-conceitos). Por fim, a relação da mãe, que se não provoca espanto, abre uma discussão cada vez mais latente. Tomboy é simples apenas na forma, jamais no conteúdo. Nota 7

Filmes comentados em 2012: 13
Filmes lançados em 2012: 1
Total de filmes do blog: 150

Amargo Regresso

2012-01-13T16:57:00.002-02:00

Sinopse: A Versátil e a Metro-Goldwyn-Mayer apresentam Amargo Regresso, um dos filmes mais aclamados da década de 70. Vencedor de 3 Oscar, melhor atriz (Jane Fonda), ator (Jon Voight) e roteiro original; e do Prêmio de Melhor Ator no Festival de Cannes; este clássico pacifista é apresentado em Edição Especial, com quase uma hora de vídeos extras, incluindo making of. Em 1968, Bob Hyde, um oficial da Marinha americana, embarca para o Vietnã. Sally, sua esposa, vai trabalhar em um hospital de veteranos e lá se apaixona por Luke Martin, um sargento que ficou paraplégico na guerra. Quando Bob volta aos Estados Unidos, os três precisarão lidar com o impacto de uma guerra brutal e distante que mudou suas vidas para sempre. Hal Ashby, o diretor de Muito Além do Jardim e Ensina-me Viver, realiza, com grande sensibilidade e humanismo, um drama emblemático sobre os traumas da Guerra do Vietnã. (Fonte: Inter Filmes)

Motivo para assistir: Como a arte pode mudar a visão sobre uma guerra

Estreia – 15/02/1978 (nos EUA) – A geração sexo, drogas e rock and roll de Hollywood encontrava-se em plena queda livre quando Amargo Regresso foi lançado. Talvez por não nutrir mais a mesma simpatia da crítica da época de Sem Destino, Taxi Driver e O Poderoso Chefão, a qualidade e importância desta produção de 1978 não seja devidamente exaltada. Mesmo assim, a mesma foi indicada à Palma de Ouro em Cannes (venceu como melhor ator) e ganhou três dos cinco principais Oscars (ator, atriz e roteiro), sendo indicado a filme, diretor, ator e atriz coadjuvantes e edição. Portanto, sua qualidade é incontestável. O editor vencedor do Oscar em 1967 por No Calor da Noite Hal Ashby dirigiu seu primeiro longa em 1970 aos quarenta anos e teve uma década de 1970 impecável na nova função (Ensina-me a Viver, Shampoo, Esta Terra é Minha, Amargo Regresso e Muito Além do Jardim) e uma década de 1980 de trevas, até falecer em 1988.

A trilha sonora com canções de Bob Dylan, Steppenwolf, Simon e Garfunkel, Beatles e (muito) Rolling Stones remete ao longa de Dennis Hopper e Peter Fonda acima citado, divisor de águas no cinema americano. Todavia, ao abordar o constante trauma do povo dos Estados Unidos, sempre atolado em alguma guerra, Amargo Regresso consegue ser mais atual e sobreviver melhor ao tempo. O drama das mulheres que ficam e dos soldados que retornam inválidos já havia sido objeto de grandes filmes, como Os Melhores Anos de Nossas Vidas. Vale observar, contudo, que a roupagem mais dura utilizada pela Nova Hollywood fez desta produção um exorcismo da opinião pública de um país, retratada na alienação de qualquer pessoa que não esteja dentro do hospital onde a primeira metade se desenvolve.

Jon Voight constroi seu Luke Martin de maneira ainda mais impressionante que seu Joe Buck de Perdidos na Noite, que o consagrara nove anos antes e lhe rendeu a primeira indicação ao Oscar. Ele foi indicado mais duas vezes, por Expresso para o Inferno e Ali. Detalhe que o papel foi oferecido a Sylvester Stallone, Jack Nicholson e Al Pacino (dá para imaginar?). A personagem foi inspirada em Ron Kovic, autor de Nascido em Quatro de Julho, que anos depois viraria outro filme, estrelado por Tom Cruise. Jane Fonda projeta um pouco de sua vida e carreira em Sally Hyde, trocando o sucesso fácil dos filmes comerciais por produções difíceis e relevantes. A história dos dois amargurados em busca de uma razão para continuarem vivendo é apaixonante e a viagem da protagonista quando da licença-médica de seu marido é tão traumatizante para o telespectador quanto para a protagonista. Amargo Regresso encontra um excelente equilíbrio, não descambando para o melodrama, nem se rendendo a piadas inoportunas. O contraste entre Luke e Bob Hyde – dois homens que odeiam a Guerra do Vietnã mas diferem na maneira que encaram sua volta (falso orgulho x revolta) – convence de maneira simples, direta e sem dar um tiro prova que o desejo de contestar nasce em todos inconscientemente. Nota 9

Filmes comentados em 2012: 12
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 149

Alô, Dolly!

2012-01-13T11:14:00.003-02:00

Sinopse: Dolly Levi é uma viúva casamenteira que acaba se apaixonando por um de seus clientes, Horace Vandergelder. Já este quer se casar com uma chapeleira. Então ela arma um plano que faz com que a chapeleira se apaixone por Cornelius Hackl, um empregado do Sr. Vandergelder. (Fonte: Cine Players)

Motivo para assistir: Walter Matthau cantando e dançando

Estreia – 16/12/1969 (nos EUA) – Por melhor que seja Alô, Dolly! é compreensível que na década que o seguiu (1970) os filmes musicais tenham perdido boa parte de seu público – foi apenas a 15ª maior bilheteria daquele ano. O longa lançado em 1969 não traz nenhuma inovação, sequer números de dança inesquecíveis, gastando muito dinheiro para um retorno que começava a ser duvidoso. Mesmo assim venceu os Oscars de Direção de Arte, Trilha Sonora e Som e conseguiu outras quatro nomeações, incluindo melhor filme. Perdeu para Perdidos na Noite, o maior exemplar da Hollywood moderna, que reconstruiu o cinema de entretenimento. A direção de Gene Kelly não significa cenas grandiosas e impecáveis – exceto "Put on Your Sunday Clothes", talvez a única que tenha sobrevivido no tempo. A aposta da Fox se deu pelo sucesso de A Noviça Rebelde em 1965. Grande parte do dinheiro investido em Alô, Dolly!, O Fabuloso Doutor Dolittle e A Estrela foi por água abaixo. Todos agradaram os críticos mas não o público.

Barbra Streisand e seu estilo de falar cantando contrasta com um Walter Matthau que, se não possui talento para musicais, supre sua deficiência com suas inúmeras qualidades como comediante e um desejo de se divertir sem se preocupar com eventuais críticas. Ele e Streisand brigaram ao longo de toda a produção, porque ele achava que ela não possuía talento. É justamente as cenas de comédia que mais funcionam em Alô, Dolly!, intercalado com seus números à moda antiga repleta de informação e com cenários e figurinos de um capricho que Hollywood jamais ousou repetir. A cena de abertura, por exemplo, demorou um mês para ser filmada.

Quanto à história da mulher que tem orgulho de conseguir casamento para todo mundo menos para ela, as comédias românticas clichês de hoje fizeram o favor de copiar com roupagem moderna e sem a parte musical. Na maior referência, a protagonista é Katherine Heigl e seu talento não se compara com o de Barbra. Não precisamos rever Vestida para Casar para entender porque uma produção aparentemente ultrapassada com Alô, Dolly! ainda merece ser vista. Nota 6

Filmes comentados em 2012: 11
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 148

Além da Linha Vermelha

2012-01-13T10:56:00.003-02:00

Sinopse: Durante a Segunda Guerra Mundial, fica claro que o resultado da batalha de Guadalcanal influenciará fortemente o avanço japonês no Pacífico. Assim, um grupo de jovens soldados enviado para lá, trazendo alívio para as esgotadas unidades da marinha. Lá os recém-chegados conhecem um terror que nem imaginavam, mas no meio deste desespero surgem fortes laços de amor e amizade. (Fonte: Adoro Cinema)

Motivo para assistir: Retorno de Terrence Malick

Estreia – 26/02/1999 – Terrence Malick conseguiu fazer poesia em meio à II Guerra Mundial e, melhor, sem deixar de entregar grandes cenas de ação. Além da Linha Vermelha é quase um filme-mosaico (o corte original tinha seis horas) e no melhor lugar onde um roteiro nesse estilo merece ser escrito. Possui diálogos bem elaborados, fortes e contundentes; intercalados com excelentes tomadas de batalhas e outras belíssimas de caráter documental, onde é possível enxergar beleza em meio às atrocidades da guerra. O longa foi indicado a sete Oscars, incluindo filme, diretor e roteiro (este também de Malick) e injustamente não ganhou nenhum. Já no Festival de Berlin levou o Leão de Ouro e menção honrosa pelo trabalho de câmera.

Os grandes diretores sentem necessidade em algum momento de suas carreiras de realizar um longa de guerra. À exemplo de Nascido para Matar de Stanley Kubrick, Além da Linha Vermelha consegue igualmente ser relevante. Ao reunir uma grande quantidade de astros, pode ser elevado ao O Mais Longo dos Dias de uma Hollywood muito mais visceral e violenta. A história do grupo de soldados que possui como objetivo atingir o topo de uma colina antes dos japoneses tem como guias as personagens de Jim Caviezel e Ben Chaplin. É pela percepção de ambos que observamos a maldade consumindo os soldados e o abalo sofrido por Staros (Elias Koteas), líder que vê seus combatentes como pessoas, não objetos. Ele talvez seja um dos melhores perfis de personagem de um longa sobre a II Guerra Mundial.

Lançado no mesmo ano de O Resgate do Soldado Ryan (que une espetáculo visual com a emoção de uma produção de Steven Spielberg), Além da Linha Vermelha atinge os mesmo objetivos e ainda faz pensar. O revezamento de astros tem por condão mostrar que a guerra pode ser um ciclo de morte e sofrimento sem fim (vale observar a participação de George Clooney em relação a isso). Nos dizeres de uma das personagens: “A guerra não enobrece o homem. A transforma em cachorros”. Nota 9

Filmes comentados em 2012: 10
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 147

Aguirre, a Cólera dos Deuses

2012-01-12T17:51:00.003-02:00

Sinopse: Algumas décadas após a desconstrução do império Inca, uma expedição espanhola deixa as montanhas do Peru e rumam para o rio Amazônia em busca de ouro e outras riquezas. (Fonte: Cine Menu)

Motivo para assistir: Cinema de guerrilha

Estreia – 29/12/1972 (na Alemanha Ocidental) – Partindo da expedição de Pizarro pela América Espanhola em 1560, Werner Herzog, ícone do cinema alemão moderno ao lado de Wim Wenders e Rainer W. Fassbinder, na produção que lhe deu projeção internacional (mas foi reconhecido apenas com uma indicação ao César de filme estrangeiro) entrega uma obra única. Cumpre dizer que não há muito de história real, a despeito da informação passada no começo de A Cólera dos Deuses. O roteiro foi escrito em dois dias e meio por Herzog, enquanto ele viajava com seu time de futebol. Numa noite de bebedeira um jogador vomitou na maioria das páginas e ele teve que reescrever grande parte do texto.

Dez anos antes de sua mania de grandeza aflorar e o diretor alemão entregar Fitzcarraldo, Aguirre já viajava pelas margens do Rio Amazonas contando a história de um homem que sonha construir uma colônia independente (El Dorado), se transformando em um novo Cortez (conquistador do México). As belas imagens e o registro perto do documental elevam Herzog a uma espécie de diretor-antropólogo, preocupado em reconstruir as raízes da América. Visão que Hollywood teria apenas em 1986 com o lançamento de A Missão. Seu amor pelo cinema não esmoreceu, tanto que aos setenta anos ele continua dirigindo em média um filme por ano (são 56 longas em 50 anos de carreira).

A coragem dos realizadores se aventurarem em local desconhecido é admirável e as imperfeições técnicas merecem ser relevadas – a mão do cinegrafista (o próprio Werner) aparece em uma das sequências iniciais. A equipe possuía apenas oito pessoas e nenhum storyboard foi desenvolvido – tudo filmado espontaneamente. Os negativos chegaram a serem perdidos por semanas perto da finalização das filmagens, de tão precárias as condições. Klaus Kinski, por exemplo, se transformaria na “musa” de Herzog – apesar da relação conturbada de ambos. Disse o diretor que mais de uma vez sua estrela ameaçou ir embora das gravações e que, caso isso ocorresse, ele mataria Kinski e se suicidaria depois. Já Klaus (falecido em 1991) gostava de contar que Herzog andava pelo set com um revólver (informação nunca confirmada por este). Aguirre é tão bom quanto Fitzcarraldo por outros aspectos (há uma maior preocupação na formação dos personagens, por exemplo). O pouco uso de efeitos é o responsável para que o longa mantenha até hoje o mesmo impacto visual. Nota 8

Filmes comentados em 2012: 9
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 146

Alma no Lodo

2012-01-12T14:30:00.003-02:00

Sinopse: Caesar Enrico Bandello (Edward G. Robinson), um assassino profissional, e seu motorista cúmplice Joe Massara (Douglas Fairbanks Jr.) chegam em uma cidade grande e são contratados por um mafioso. Porém, após um roubo e um assassinato, as coisas tomam rumos imprevisíveis. (Fonte: Cine Players)

Motivo para assistir: Os primeiros mafiosos do cinema

Estreia – 25/01/1931 (nos EUA) – A união de dois atores (Edward G. Robinson e Douglas Fairbanks Jr., esse em papel que quase foi de Clark Gable) e um diretor (Mervyn LeRoy, então com trinta anos em seu primeiro grande filme) que conquistaram seu espaço nos primeiros anos de Hollywood é o principal atrativo de Alma no Lodo. Elevada algumas décadas depois à obra fundamental do cinema americano por abordar no início da Grande Depressão a necessidade de ascensão social, a produção de 1930 envelheceu muito no aspecto visual, revelando-se um filme pouco atrativo, até mesmo por conta das dezenas de produções que abordam o mesmo assunto. Mesmo assim, a AFI elegeu uma de suas falas umas das 100 Maiores Frases do Cinema Americano e Alma no Lodo o nono filme de Gângster mais importante de todos os tempos.

A dupla de roteiristas Francis Edward Faragoh e Robert N. Lee foi indicada ao Oscar pela adaptação, perdendo para Cimarron. Ambos tiveram carreiras curtas e apenas mais um sucesso na carreira. O primeiro no mesmo ano com Frankenstein e o segundo quase quinze anos depois com Capitão Kidd. O autor do livro, W.R. Burnett não gostou do fato de não haver no elenco nenhum italiano. Mesmo assim, o filme foi a estreia mais bem sucedida da história da Warner até então.

A trama construída em cima da vida de Rico/Little Caesar – homem vaidoso, que alimentou o sonho de se tornar um grande mafioso a despeito do descrédito de seus chefes – aborda de maneira eficiente a máquina corrupta por trás de toda grande cidade. Apesar da cara de mau de Edward G. Robinson jamais encontrada em outro ator, o protagonista ganha simpatia pelo seu desafio à liderança – e por não ser totalmente desprovido de escrúpulos. Nota 7

Filmes comentados em 2012: 8
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 145

Entre os Muros da Escola

2012-01-12T14:02:00.003-02:00

Sinopse: François Marin (François Bégaudeau) trabalha como professor de língua francesa em uma escola de ensino médio, localizada na periferia de Paris. Ele e seus colegas de ensino buscam apoio mútuo na difícil tarefa de fazer com que os alunos aprendam algo ao longo do ano letivo. François busca estimular seus alunos, mas o descaso e a falta de educação são grandes complicadores. (Fonte: Adoro Cinema)

Motivo para assistir: Palma de Ouro no Festival de Cannes

Estreia – 13/03/2009 – Não é necessário nenhum conhecimento externo para apreciar Entre os Muros da Escola. Parece simples, mas é raro encontrar um longa assim – de conteúdo profundo – com essas características. A produção vencedora da Palma de Ouro em 2008 prende a atenção do espectador desde o primeiro minuto. Além disso, o roteiro abre espaço para diversas discussões: da utilidade da norma culta da língua ao próprio sistema escolar francês, cujas escolas públicas nivelam por baixo seu conteúdo (não muito diferente do Brasil). Tudo isso escrito e estrelado pelo autor do livro que o baseou (François Bégaudeau), que apesar de ter vencido o César na categoria roteiro, não voltou mais aos cinemas nem como ator nem como roteirista.

Ao reunir adolescentes de baixa renda, filhos de imigrantes (legais ou não) mais preocupados com bens materiais, Entre os Muros da Escola revela-se universal. Na visão do professor, o desafio de ensinar para um grupo desinteressado e heterogêneo – e desistir de alguns. Na dos alunos, o desejo de contestar quando são atingidos, mesmo em total ausência de autocrítica. Além da vitória da Palma de Ouro do Festival de Cannes de forma unânime, a produção foi indicada ao Oscar de filme estrangeiro, perdendo para A Partida e ao César de melhor filme, perdendo para Séraphine. Destaque para a ideia do Conselho de Classe com participação de alunos – um traço de hipocrisia francesa. Nota 8

Filmes comentados em 2012: 7
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 144

Help!

2012-01-12T11:01:00.002-02:00

Sinopse: Uma aventura surreal, filmado em Londres, Bahamas e Alpes Suiços. No filme os Beatles são perseguidos por membros de um culto indiano que querem o anel que Ringo está usando.Inicialmente seria intitulado, Eight Arms to hold you. O filme custou o dobro do preço do anterior/ Hardy Days Night , por ser filmado em cores e por ter feito em algumas locações exóticas. Porem , na Inglaterra nem todas as músicas do LP, forma apresentadas na produção.Durante os depoimentos feito no documentário Anhtology, Ringo disse que muitas cenas do filme, os Beatles gravaram sob efeito de maconha. CANÇÕES DO FILME: You're Going To Lose That Gir,You've Got To Hide Your Love Away; Ticket To Ride; The Night Before;I Need You; Another Girl; Help!. (Fonte: Blockbuster)

Motivo para assistir: Os Beatles – verdadeiros

Estreia – 29/07/1965 (nos EUA) – Segundo filme utilizado para divulgar o sucesso do quarteto de Liverpool, Help! revelou-se o melhor dos três já vistos pelo blog (quem sabe um dia os outros dois ganham comentários publicados). Os Reis do Iê-Iê-Iê é de uma inocência irritante, servindo para o registro da Beatlemania em seu estado bruto. Yellow Submarine possui grandes momentos, mas tem ritmo irregular. Já em Help!, os realizadores tiveram a preocupação em criar uma trama, por mais pueril que seja.

A corrida pelo anel no dedo de Ringo é permeada por sete canções tocadas na íntegra, sem nenhuma ligação com o filme (igual a um videoclipe). No início é interessante ver como os Beatles brincam com a fama de excêntricos e tencionam serem vistos como pessoas normais. No final, a preocupação com a lógica dá espaço à diversão. O diretor Richard Lester (o mesmo de Os Reis do Iê-Iê-Iê) está mais inspirado que no longa anterior. Ele teria algum sucesso em uma refilmagem de Os Três Mosqueteiros e nas continuações de Superman.

Seguiram o exemplo dos ingleses, Michael Jackson e Roberto Carlos, sendo que Moonwalker e Em Ritmo de Aventura (as produções de maior sucesso de cada um, respectivamente) parecem primos de Help!, dada a semelhança na (falta de) relação entre a narrativa e os números musicais, praticamente anexados à história. Porém, da "trilogia Beatles", Help! ainda é aquele que mais se aproxima de cinema. Nota 6

Filmes comentados em 2012: 6
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 143

Akira

2012-01-12T10:06:00.004-02:00

Sinopse: Kaneda é um líder da gangue de motoqueiros, que tem um amigo próximo envolvido em um projeto governamental secreto chamado Akira. Para salvar seu amigo, Kaneda pede ajuda para vários grupos como: ativistas anti-governo, políticos gananciosos, cientistas irresponsáveis e poderosas forças militares. Durante o confronto, Tetsuo recebe uma força sobrenatural que resulta em consequências para o resto de sua vida. (Fonte: Interfilmes)

Motivo: Gênese da animação japonesa moderna

Estreia – 16/07/1988 (no Japão) – A animação futurista Akira é apontada como responsável pelo filão de desenhos japoneses que invadiram o mundo na década de 1990 – inspirados em mangás. Katsuhiro Ohtomo desenhou, roteirizou e dirigiu na sua incontestável obra mais importante. Realizado em uma época onde o Comunismo sofreu sua maior derrota com o final da União Soviética, o roteiro transporta o espectador para a Tóquio de 2019 – pós III Guerra Mundial, destruída por uma bomba atômica e em vias de sediar as Olimpíadas.

Não devemos nos enganar, Akira é uma animação feita para adultos, de narrativa difícil e metáforas inalcançáveis para crianças. Será apreciada pela "Geração Cavaleiros do Zodíaco" pelos traços de HQ moderna e pela violência desmedida. Curioso descobrir que foi uma das primeiras vezes que uma animação japonesa teve vozes gravadas depois da produção do material, algo que os Estados Unidos sempre fez, mas que no Japão tinha esse procedimento invertido. Os cinéfilos encontrarão algo de Laranja Mecânica quando Tetsuo é testado com experimentos em seu cérebro e verão traços de Matrix em algumas cenas de ação. Mesmo assim, o longa possui brilho próprio e é de admirável originalidade ao abordar a maneira de pensar de um grupo de adolescentes em um país paranóico e com medo do novo como o Japão.

O ponto principal do longa é questionar a legalidade do Governo ser o detentor de um poder ou força superior e ilimitada, caso ela exista - abordando inclusive a legitimidade da prática do terrorismo. Esse aspecto faz com que Akira não envelheça no conteúdo, mesmo que tenha o feito na forma. A conclusão complicada, entretanto, prejudica não só o entendimento, mas a diversão do espectador. Leonardo di Caprio está produzindo uma refilmagem de Akira em Hollywood a ser lançada em breve. A Sony tentou algo do tipo na década de 1990, mas o custo estimado era de 300 milhões, um risco que não quis correr. A Warner já havia cortado o orçamento atual de 230 para 90 milhões. Essa semana ela reduzi novamente, para 65 e parou a produção. Oremos. Nota 7

Filmes comentados em 2012: 5
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 142

Adeus às Armas (1957)

2012-01-11T19:12:00.004-02:00

Sinopse: No inverno de 1917, um americano motorista de ambulâncias (Rock Hudson) se alista no exército italiano e é ferido em ação. Ele recebe os cuidados de uma bela e jovem enfermeira (Jennifer Jones). Quando percebem que estão apaixonados, tentam fugir dos horrores da guerra indo para a Suíça em busca de paz e felicidade. Lá o destino aguarda para perturbar seus planos. Esta tocante e trágica história de amor, baseada no famoso romance de Ernest Hemmingway foi levada às telas em uma produção espetacular de David O. Selznick (o produtor de ... E o Vento Levou), e conta ainda com fantásticas cenas de ação.No inverno de 1917, um americano motorista de ambulâncias (Rock Hudson) se alista no exército italiano e é ferido em ação. Ele recebe os cuidados de uma bela e jovem enfermeira (Jennifer Jones). Quando percebem que estão apaixonados, tentam fugir dos horrores da guerra indo para a Suíça em busca de paz e felicidade. Lá o destino aguarda para perturbar seus planos. Esta tocante e trágica história de amor, baseada no famoso romance de Ernest Hemmingway foi levada às telas em uma produção espetacular de David O. Selznick (o produtor de ... E o Vento Levou), e conta ainda com fantásticas cenas de ação. (Fonte: 2001 Video)

Motivo para assistir: Clássico da Literatura

Estreia – 14/12/1957 (nos EUA) – Não se fazem mais livros (romances) nem adaptações destes para o cinema como antigamente. Melhor do que lamentar mais um filme da saga Crepúsculo no cinema é tentar se socorrer em produções como essa, de 1957, rodado no Cinecittá da Itália com Rock Hudson e o indicado ao Oscar pelo papel coadjuvante Vittorio de Sica (que queria ser o diretor). Produzido por David O. Selznick de E O Vento Levou e Rebecca, A Mulher Inesquecível - refilmagem de outra, de 1932 estrelada por Gary Cooper. Não é necessário perder tempo elogiando a qualidade da produção do filme.

Mesmo assim, um dos grandes críticos acabou sendo o próprio autor Ernest Hemingway, que mesmo sem ter direito a nenhum valor recebeu uma quantia de Selznick, que pretendia que o grande escritor ajudasse na divulgação do longa. Ganhou apenas uma referência ruim, por ter selecionado para o papel da enfermeira a atriz Jennifer Jones, então com 38 anos, para interpretar uma jovem de 21. Apesar de todo esse pedigree, o ritmo de Adeus às Armas é lento e chega a comprometer. O foco do roteiro nunca é a guerra, sempre o romance, deixando uma ligeira impressão de que o sucesso do livro fez os realizadores acreditarem que o jogo estava ganho, sem se preocupar em adaptar à linguagem cinematográfica algumas das passagens. O roteirista Ben Hecht fez trabalho bem melhor duas décadas antes, em O Morro dos Ventos Uivantes.

O fracasso de público e crítica encerrou a carreira de Selznick como produtor (ele faleceria oito anos depois e chegou a demitir o diretor John Huston ao longo das filmagens). Rock Hudson afirmou que optar por Adeus às Armas e recusar ser a estrela de Sayonara e Ben-Hur foi a maior erro de sua vida profissional. À exemplo de Sem Novidades no Front a crítica à violência da I Guerra Mundial é a camada mais interessante do longa, que diverge de outros do mesmo estilo por apresentar um casal de protagonistas que assumidamente querem fugir da batalha. Nota 6

ps.: O vídeo abaixo faz um resumo completo do longa e é recheado de spoilers. Em outras palavras, ele mostra tudo, até o final. Se você deseja assistir o filme, não veja o vídeo.

ps2.: No You Tube há a versão integral da primeira versão, de 1932. Coloco o vídeo aqui e assim que puder o Blog assiste e comenta.

Filmes comentados em 2012: 4
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 141

2012

2012-01-11T18:50:00.004-02:00

Sinopse: Séculos atrás, os maias nos deixaram o seu calendário, com uma data final em um dia determinado e tudo o que isso sugere. Desde então, astrólogos o discutem, numerólogos encontraram padrões que o preveem, geólogos dizem que Terra se encaminha para isso e nem os cientistas do governo podem negar que um cataclismo planetário de proporções épicas se anuncia para 2012. A profecia que surgiu a partir dos maias já se encontra hoje bem documentada, debatida, destrinchada e analisada. E em 2012, nós saberemos – nós fomos alertados. (Fonte: Cine Pop)

Motivo para assistir: Fim do Mundo

Estreia – 13/11/2009 – Muita gente acredita até hoje que a profecia maia se concretizará em 21 de dezembro próximo e no ano de 2009 Hollywood aproveitou o tema da moda para produzir alguns milhões (para ser mais exato, gastou 200 e ganhou quase 800). Todos os clichês dos filmes catástrofes modernos foram utilizados: o pai de família ausente (John Cusack), o Presidente dos Estados Unidos pego de surpresa (Danny Glover) e uma tese científica aparentemente lógica que desemboca nos efeitos especiais mais caros do momento. Armageddon, Impacto Profundo, Independence Day, O Dia Depois de Amanhã... a escolha é sua. Esses dois últimos têm em comum com 2012 o diretor Roland Emmerich, que jurou ser esse seu último filme-catástrofe. Ele ainda escreveu e produziu esses três e mais Godzilla. Mais a maior catástrofe da sua carreira, sem dúvida, é 10.000 AC. Procure algo pior.

Não há como negar que a produção de 2012 é caprichada e ainda é possível se divertir assistindo-o. A fuga de carro da Califórnia talvez seja a cena mais absurda da história do cinema. Porém, sempre há uma piada mal encaixada – dessa vez com menção honrosa ao Rio de Janeiro. Talvez a grande diferença é que o roteiro de 2012 está mais preparado para o mundo globalizado do que seus antecessores. Vale observar que os Estados Unidos são os primeiros a cair em ruínas e a fortaleza do mundo parece ser a China. Com a crise financeira que sacudiu o mundo após o lançamento do filme, o fim do mundo perdeu um pouco sua importância. Quem viver, verá. Nota 5

Filmes comentados em 2012: 3
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 140

Across the Universe

2012-01-11T18:28:00.004-02:00

Sinopse: Década de 60. Jude (Jim Sturgees) e Lucy (Evan Rachel Wood) estão perdidamente apaixonados. Juntamente com um grupo de amigos e músicos eles se envolvem nos movimentos da contracultura de sua época, tendo como guias o dr. Robert (Bono) e o sr. Kite (Eddie Izzard) (Fonte: Adoro Cinema)

Motivo para assistir: Os Beatles

Estreia – 07/12/2007 – O grande desafio de Across the Universe, indicado ao Globo de Ouro de melhor filme de comédia/musical, é conseguir funcionar como filme a despeito da magia das canções dos Beatles. Ocorre que a produção, orçada em mais de 70 milhões de dólares e que não faturou nem 30, não é inteiramente bem sucedida em tal aspecto. Algumas versões das músicas deixam a desejar e a necessidade de incluir os maiores sucessos da banda geram narrativa um pouco confusa e tramas paralelas que conseguem cansar até um grande fã de filmes musicais.

Por outro lado, as melhores surpresas residem nos momentos em que escolhas menos óbvias são utilizadas em benefício do roteiro. Um exemplo é “I Want You (She’s so Heavy)” com a participação do próprio Tio Sam em analogia à Guerra do Vietnã. Esse expediente já foi utilizado anos antes no roteiro de Moulin Rouge, que busca a melhor canção para determinada cena e não o contrário.

A direção de arte não utiliza o potencial do material que tem em mãos e deixa a desejar. Um exemplo é a passagem estrelada por Bono “I am the Walrus”, uma apresentação psicodélica-lisérgica-fake que não precisava estar ali. Já o figurino indicado ao Oscar não apresenta nada demais. Se Across the Universe suprimisse algumas passagens causaria o impacto que merece quando é brilhante em algumas referências aos Beatles e aos anos 1960, como na sequência final. Nota 6

Filmes comentados em 2012: 2
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 139

Um Dia para Relembrar

2012-01-11T18:06:00.006-02:00

Sinopse: Al Pacino estrela este filme cheio de ternura e aclamado pela crítica. Gennaro é um jovem que fará de tudo para ganhar uma moeda de 25 centavos, justamente o preço do ingresso na novíssima sala de cinema do bairro. Aquele é um lugar mágico para ele, onde os sonhos podem se tornar realidade. Contudo, depois de um dia de aventuras inesquecíveis, o garoto percebe que seus bolsos continuam vazios... Até que seu avô lhe faz uma oferta intrigante! O filme também conta com a participação de Mary Elizabeth Mastrantonio. Um Dia Para Relembrar é uma vivaz história sobre o passar dos anos e que agradará a todos! (Fonte: Interfilmes)

Motivo para assistir: Al Pacino

Estreia – 22/11/1995 (nos EUA) - Dramas familiares vividos por crianças não são novidades no cinema, de qualquer país. Por isso produções como A Vida é Bela atingir certa relevância em plena década de 1990 comprova o quão especial é o filme citado. Com Um Dia para Recordar, de qualidade claramente inferior, o roteirista Joseph Stefano, que teve curta obra no cinema mas escreveu nada mais nada menos que Psicose, bebe nas águas de Cinema Paradiso (criança - Itália - amor pelo cinema - velhice - morte) sem o mesmo brilhantismo e constroi uma personagem infantil que aprende que para se alcançar sonhado êxito talvez seja necessário sacrificar um pouco sua vida. No caso, obter uma moeda de 25 centavos para ir ao cinema pode significar a morte do avô querido.

Genaro briga com seu destino com todas as forças, sendo apenas nesse ponto a beleza de Um Dia para Relembrar. A Depressão americana nunca foi pintada em cores tão fortes em Hollywood, o que tira um pouco a credibilidade da história, que rendeu pouco mais de 25 mil dólares nas bilheterias. Já Al Pacino parece pouco inspirado em seus momentos, longe de apresentar uma atuação inesquecível. Ele aceitou estrelar o filme como um favor ao diretor James Foley, que – segundo Al – desempenhou brilhante trabalho em O Sucesso a Qualquer Preço, que rendeu uma indicação ao Oscar de coadjuvante para o ator. Impressionante mesmo apenas a nota de produção, que informa que Maurice Jarre, já vencedor de três Oscars pelas trilhas de Lawrence da Arábia, Doutor Jivago e Passagem para a Índia, teve sua composição rejeitada pelos produtores. Nota 5

ps.: O vídeo anexado possui a trilha sonora escolhida e as cenas possuem grandes spoilers. Se você pretende ver o filme, ignore-o.

Filmes comentados em 2012: 1
Filmes lançados em 2012: 0
Total de filmes do blog: 138

Tirando poeira

2012-01-10T17:16:00.004-02:00

Mais uma tentativa de manter o blog vivo. Dessa vez, algumas modificações. Saem os textos imensos e pesquisas sobre as produções que me tomavam um tempo que desde que entrei no mundo real nunca mais tive e entram os comentários curtos, acompanhados de uma sinopse de alguma página sobre cinema e um trailer.

O objetivo é continuar dividindo as impressões sobre os filmes assistidos por mim (já tenho texto dos quinze filmes assistidos em 2012 prontos para irem ao ar) e publicar meu maior vício: as listas, inúteis quase sempre mas que eu adoro.

Sejam bem-vindos novamente, contem para os amigos e façam um crítico frustrado feliz.

Sigam a página no Twitter e curtam no Facebook .

ps.: a maratona do Oscar e do Woody Allen voltam a qualquer momento - aí, sim, com textos gigantes que vocês adorarão pular.

Rebecca, a Mulher Inesquecível

2011-09-05T20:45:00.002-03:00

Estreia – 12/04/1940 (nos EUA) – O espanto e indignação com que alguns cinéfilos que valorizam o reconhecimento por prêmios recebem a notícia de que o londrino Alfred Hitchcock nunca venceu um Oscar é comparável apenas ao fato de que seu conterrâneo Charles Chaplin estar na mesma situação. Porém, antes de entrarmos na história de Rebecca em si, cumpre demonstrar não ser a Academia a única a ignorar aquele que hoje é considerado um gênio do cinema.

Ao relacionarmos o reconhecimento em vida de Hitchcock, observamos que apenas ao final da carreira do diretor os “entendidos” se deram conta da importância da obra deste. O Oscar, muito criticado por sobrepor razões comerciais à própria arte, não só foi o primeiro a dar aquele troféu de consolação pela filmografia do britânico em 1968, como indicou o mesmo em cinco oportunidades na categoria melhor diretor (1941 por Rebecca; 1944 por Um Barco e Nove Destinos; 1945 por Quando Fala o Coração; 1954 por Janela Indiscreta; e 1960 por Psicose). Seguiram os prêmios honorários ainda em 1968 pelo Sindicato dos Diretores; 1971 no BAFTA; 1972 no Globo de Ouro; e 1979 pelo American Film Institute. Enquanto que no campo das indicações, para citar as mais importantes, foram três no Festival de Cannes (1946 por Interlúdio; 1953 por A Tortura do Silêncio; e 1956 por O Homem que Sabia Demais), oito pelo Sindicato dos Diretores (sendo dois anos consecutivos por dois filmes); um ao Globo de Ouro (1973 por Frenesi) e uma ao Festival de Veneza em 1955 por Ladrão de Casaca. Venceu, sim, um Globo de Ouro em 1958 pelo seu programa Alfred Hitchcock Presents, pelo qual foi indicado duas vezes ao Emmy.

Dito tudo isso, resta claro que a injustiça com o diretor alcançou todos os festivais e premiações, sendo o reconhecimento do público muito maior do que dos seus iguais. Rebecca, A Mulher Inesquecível é a produção que fez as honras de colocar no currículo de Hitchcock um vencedor do Oscar de Melhor Filme, batendo Correspondente Estrangeiro (do mesmo diretor), Vinhas da Ira (uma das grandes obras de John Ford – que sairia vencedor como diretor), O Grande Ditador e Núpcias de Escândalo (que deu o Oscar de ator a James Stewart). Venceu também na categoria de Fotografia em Preto e Branco, com um estilo belíssimo de câmera acompanhando a ação, mesmo que quase sempre na perspectiva da personagem de Joan Fontaine. Foram outras nove indicações (Diretor, Ator, Atriz, Atriz Coadjuvante, Roteiro, Direção de Arte, Efeitos Especiais, Edição e Música) – interessante perceber que um ano após E O Vento Levou ser o primeiro filme colorido a vencer o prêmio principal, o campeão de lembranças ser um suspense em preto e branco – uma opção do diretor para manter a atmosfera do livro. O sucesso alcançado na Espanha, por exemplo, fez com que o casaco utilizado pela atriz Joan Fontaine no filme fosse apelidado de “rebeccas” expressão usada lá até hoje.

Trata-se do primeiro longa de Hitchcock produzido nos Estados Unidos (as fases da carreira do diretor serão trazidas de novo ao blog quando a retrospectiva da carreira dele ser nossa pauta. Tentamos isso com Woddy Allen ano passado sem sucesso, como pode ser observado. Os filmes foram vistos, mas os comentários não foram feitos). A transição entre os elementos da filmografia européia e o cinema-espetáculo que o consagrou em Hollywood fazem de suas produções da década de 1940 as mais atraentes até hoje. Apesar da indicação pelos Efeitos Especiais, Hitchcock ainda seguia com muito afinco seu mantra “câmera na mão, idéia na cabeça”. Isso pode ser observado desde o primeiro momento, quando há não apenas a introdução de um flashback, mas a conclusão a qual todo espectador chegará ao final – expediente usado no ano seguinte em Cidadão Kane, que em muitos elementos foi pioneiro, mas nesse foi apenas inovador, assim como na utilização de fotografia, chamada de deep focus.

Rebecca conta a história de um viúvo, “Maxim” de Winter (Laurence Olivier), que ao viajar para Monte Carlo se apaixona por uma jovem (Joan Fontaine) e encontra nessa paixão a oportunidade de superar a perda da esposa. Maxim é dono da mansão Manderley (apenas uma maquete nas tomadas externas) e antes de Hitchcock levar o espectador para lá com trinta minutos de filme, o terreno para o suspense é preparado com maestria pelo roteiro. A trama é envolvente de tal maneira que apenas quando assistido mais de uma vez percebe-se que ao longo da passagem por Monte Carlo, Rebecca possui apenas três personagens (o casal e a patroa da futura Sra. De Winter, que a contrata como dama-de-companhia para percorrer o mundo atrás de pessoas como ela, esnobes e mesquinhas da alta sociedade).

As bases do suspense são os diálogos envolventes e humor britânico, perdidos pelas produções de Hitchcock ao longo dos anos. O perfeccionismo de Hitchcock atinge o auge quando nas notas da produção podemos observar que o diretor escolheu o tipo de caligrafia certa para a personalidade de cada personagem. Enquanto a Sra. Van Hopper é autoritária, obsessiva e rude, Maxim é reflexivo e reservado. A atuação de Laurence Olivier é um bom começo para se conhecer a obra do, para muitos, maior ator britânico de todos os tempos – sua carreira será melhor tratada quando o blog falar sobre Hamlet, vencedor do Oscar que fechou a década de 1940 com chave de ouro. Maxim em Monte Carlo é agradável, galante, uma ótima companhia; já em Manderley, perto da sombra da falecida esposa, muda completamente de figura. Quando se observa que é sempre o mesmo homem que toma todas as iniciativas em justaposição ao mistério por trás de Rebecca, fica provado que o roteiro não engana o espectador em nenhum momento. Seus responsáveis foram Robert E. Sherwood, que venceria um Oscar por Os Melhores Anos de Nossas Vidas e Joan Harrison, indicado no mesmo ano também por Correspondente Estrangeiro. Eles perderam o prêmio para a comédia romântica Núpcias de Escândalo, o que hoje jamais seria admitido.

O romance avassalador dos dois se transforma em casamento, ambos ainda tomados por deslumbramentos. Ele pela inocência da amada, que um dia deveria ser perdida. Ela pelo luxo e a riqueza da nova vida. Quando a nova Sra. De Winter acreditava ter se livrado da maior vilã de sua vida, a Sra. Van Hopper (a expressão desta quando a empregada diz que vai se casar com um milionário já vale o filme), entra em cena a verdadeira viúva de Rebecca, a Sra. Danvers, interpretada por Judith Anderson em trabalho magnífico, indicado ao Oscar de atriz coadjuvante (perdeu para Jane Darwell, por Vinhas da Ira) e eleita uma das cinquenta maiores vilãs da história do cinema americano. A título de curiosidade, ela é dona de um passado misterioso revelado apenas no livro. O diretor deu instruções precisas para que a atriz quando estivesse em cena parecesse flutuar, contrapondo o nervosismo da personagem de Joan Fontaine (e jamais piscasse os olhos). Ela faz mais, entregando uma psicótica, sempre com os olhos vidrados ao se lembrar da falecida patroa. De fato, o antagonismo da Sra. Danvers, se comportando como dona da casa enquanto a verdadeira convive com a dura missão de substituir aquela que todos juram ser insubstituível, é o melhor elemento do filme. Tanto é verdade que ao ser chamada de Sra. De Winter, a mesma se confunde e diz não ser ela. A necessidade inicial de se adaptar ao lugar ao invés de deixar do seu jeito é o verdadeiro drama da mulher vivida por Joan Fontaine.

Fontaine, que após ser indicada ao Oscar em 1941 por Rebecca, venceu no ano seguinte por outro filme de Hitchcock (Suspeita), teve ao lado do diretor seus melhores trabalhos. Foi indicada mais uma vez em 1944 por De Amor Também se Morre e hoje está prestes a completar 94 anos. O papel de Sra. De Winter quase foge de suas mãos, pois Olivier pressionava os produtores para aceitar o teste feito por Vivien Leigh, com quem se casaria naquele ano. Por ter seu pedido negado, o ator tratou mal Fontaine ao longo das filmagens. Hitchcock viu ali uma oportunidade de tirar uma interpretação diferenciada da atriz e disse a ela que todas as pessoas no set a odiavam, deixando a mesma bastante constrangida. Já Judith Anderson ficaria conhecida dos fãs de ficção científica por sua participação na série Jornada nas Estrelas e dos fãs de faroeste por integrar o elenco de Um Homem Chamado Cavalo. Porém, nenhum papel de destaque como a Sra. Danvers. Destaca-se ainda no elenco as rápidas passagens de George Sanders como o Sr. Favell – papel que não merece ser descrito para não estragar as surpresas do longa – cujo melhor trabalho se daria dez anos depois por A Malvada, papel que lhe daria um Oscar de Ator Coadjuvante.

Rebecca é uma história digna de ser adaptada para o cinema. Alfred Hitchcock só conseguiu os direito do romance de Daphne du Maurier quando Hollywood o convidou para integrar o time de diretores da indústria. A autora ainda teria mais dois romances adaptados com sucesso para as telonas: Os Pássaros, pelo próprio Hitchcock e Inverno de Sangue em Veneza. Antes de Rebecca, o diretor inglês já havia adaptado Jamaica Inn da mesma escritora. O trunfo de sua narrativa é a que a revelação do suspense não põe termo à história. No longa esse momento acontece com uma hora e meia, quando o “barco” da segunda esposa do Sr. De Winter está quase afundando – momento semelhante aconteceria com o próprio mais para o fim. Rebecca se sustenta numa terceira parte em que o roteiro vira de maneira espetacular, marcada por uma cena de dez minutos que Laurence Olivier conduz com maestria. Não é a toa que o longa é considerado um dos cem mais emocionantes do cinema americano. Esse divisor de águas inesperado é apenas a cereja do bolo de um filme, assim como Rebecca, inesquecível. Nota 9

Filmes comentados em 2011: 2
Filmes lançados em 2011: 0
Total de filmes do blog: 137

Do Mundo Nada se Leva

2011-09-01T19:54:00.004-03:00

Estreia – 23/8/1938 (nos EUA) – A maneira otimista com a qual Frank Capra tratava as vítimas da profunda crise financeira nos Estados Unidos da década de 1930 foi a responsável por dar o diretor um espaço nobre na lista dos grandes da Era de Ouro de Hollywood. Do Mundo Nada se Leva não envelheceu com o mesmo status de grande clássico como outras obras já comentadas no blog (Aconteceu Naquela Noite e A Felicidade Não se Compra), sendo lembrada mais pelo prêmio principal na noite do Oscar de 1939 do que por sua qualidade.

Foram sete as indicações para o longa, que perdeu em Roteiro, Atriz Coadjuvante, Fotografia, Edição e Som; porém, além do melhor Filme, deu a Frank Capra seu terceiro Oscar em quatro indicações como diretor (ele perdeu em 1934 por Dama por um Dia, venceu em 1935 por Aconteceu Naquela Noite e 1937 por O Galante Mr. Deeds. Seria indicado ainda em 1940 por A Mulher Faz o Homem e 1947 por A Felicidade Não se Compra). Porém, não foi tão fácil sair vencedor naquele ano, eis que o Sindicato dos Diretores e o dos Produtores estavam em guerra à época da cerimônia e ameaçavam um grande boicote. Capra era justamente o Presidente da Academia e não só contornou o problema como foi o grande ganhador – cujos prêmios, por sinal, devem ser questionados, já que é de se perguntar se membros da Academia não se sentiriam intimidados a votar no seu Presidente. Do Mundo Nada se Leva bateu Com os Braços Abertos e Jezebel, que deu Oscar de atuação para Spencer Tracy e Bette Davis, respectivamente; além de As Aventuras de Robin Hood, clássico em Tecnicolor que imortalizaria Errol Flynn.

O carinho dado a essa obra pelo diretor merece ser ressaltado. Ao assistir à peça que deu origem a Do Mundo Nada se Leva um ano antes em Nova York – quando lá esteve para o lançamento de O Horizonte Perdido – imediatamente desejou filmá-lo. Azar do chefão da Columbia Harry Cohn, que perdeu a queda-de-braço com Capra por duas vezes: na conturbada edição final de Horizonte Perdido e no pagamento da alta quantia (até para os dias de hoje) de duzentos mil dólares pelos direito de Do Mundo Nada se Leva.

Talvez levado por uma onda de perfeccionismo, Capra utilizou mais de cem mil metros de filme, quando um filme nessa época gastava menos de três mil. Já a quantidade de personagens, que na peça é de 19, no filme é de 153. Numa delas, a dançarina de balé perturbada vivida por uma talentosa Ann Miller de apenas quinze anos, é possível observar o grau de exigência do diretor. A atriz faz passos de balé completos e, dizem, sofreu tanto nas gravações que vivia chorando de dor quando não estava em cena. James Stewart ficou responsável em fazer a vida da menina um pouco melhor e enviava caixas e mais caixas de doces para ela. Quando o longa foi lançado, a peça já havia vencido o prêmio Pulitzer de 1937 e estava sendo encenada na Broadway. Seus autores foram George S. Kaufman, roteirista de alguns dos clássicos dos Irmãos Marx, como Uma Noite na Ópera; e Moss Hart – roteirista de um dos meus filmes preferidos da década de 1940, A Luz é para Todos e da versão de 1936 de Melodia na Broadway, obras que renderam indicações ao Oscar ao segundo.

Talvez a culpa seja do trato dado à trama, hoje um imenso clichê por culpa de uma infinidade de obras posteriores. Trata-se de um o roteiro sobre chefe de família que se nega a vender sua casa para milionário que deseja construir ali uma grande indústria. O milionário Sr. Kirby, vivido por Edward Arnold, precisa conviver não só com a negativa da venda da família Sycamore, mas também com o noivado de seu filho Tony (um jovem James Stewart em vias de ir para a Segunda Guerra Mundial – ele foi o primeiro a se alistar na Força Aérea em1941 – e em sua primeira parceria com Capra) e a filha do homem que não aceita se mudar Alice (Jean Arthur, que voltaria a trabalhar com Capra e Stewart em A Mulher Faz o Homem).

Capra não aprofundou pontos que costumeiramente destrinchava em seus filmes, como os pontos negativos na criação de monopólios, principalmente na indústria bélica. Até mesmo a relação familiar e o choque de comportamentos entre os Kirby, alta sociedade carregada de pré-conceitos e os Sycamore, felizes no meio de suas diferenças e maluquices, poderia ser mais explorada. Uma das cenas mais interessantes, (mostrada no vídeo ao final do texto) a do contador mostrado como homem-máquina, que larga tudo para viver seu sonho de ser inventor na casa da família de Alice, é aquela que mais aproxima a mensagem de Do Mundo Nada se Leva a de A Mulher Faz o Homem e A Felicidade Não se Compra. O roteirista Robert Riskin estava bem melhor em Aconteceu Naquela Noite (que lhe rendeu um Oscar) sendo dele também A Dama por um Dia, O Galante Mr. Deeds e Órfãos da Tempestade – filmes que lhe renderam indicações, todos do mesmo nível de Do Mundo Nada se Leva.

Até mesmo as piadas soam datadas e o humor físico remete a outra obra do diretor, Este Mundo é um Hospício, lançada seis anos depois e hoje também menos citada. Como sempre Capra levava às telas o que o cidadão norte americano desejava ver. Em momentos de crise, a valorização de bens extrapatrimoniais, como a lembrança da esposa que já se foi. Além disso, a diminuição a confiança em governos e nos mais endinheirados (o Sr. Kirby orgulha-se em não pagar impostos nos últimos vinte e dois anos) ao mesmo tempo em que ideais são trocados por uma vida mais estável.

Do Mundo Nada se Leva só é entendido quando se imaginava a frustração de um povo acostumado a viver com qualidade, consumindo sem moderação ao passar por uma grave crise. Infelizmente no atual transtorno econômico que América do Norte e Europa hoje vivem não há pessoas com a qualidade de Frank Capra para produzir conteúdos desta natureza (ou talvez seja muito cedo para afirmar tal coisa).

Protagonistas como o Sr. Kirby, que só venceu na vida para abdicar de coisas simples dela (como tocar gaita) sempre alcançam uma digna redenção em exemplares da Era de Ouro. Mesmo assim, a opção por privilegiar a comédia e aproximar o longa de uma peça de teatro (até porque foi adaptada de uma), com ação quase toda acontecendo em um só lugar, faz de Do Mundo Nada se Leva uma obra menos atraente aos olhos dos cinéfilos atuais, apesar dos nomes de peso citados nesse texto que participaram de alguma forma do filme. Mesmo assim, ainda não o suficiente para ser ignorada. Nota 6

Filmes comentados em 2011: 1
Filmes lançados em 2011: 0
Total de filmes do blog: 136

Neblina e Sombras

2010-07-12T22:38:00.005-03:00

Estreia - 05/12/1991 - Neblina e Sombras traz um Woody Allen com uma pretensão de tamanho incompatível com o restante de sua filmografia. Não seria exagero afirmar que o diretor, roteirista e ator caiu do cavalo, mas a tentativa de homenagear o movimento expressionista alemão e o escritor Franz Kafka não chega a ser um desastre completo. Seu último filme com a clássica produtora Orion conta a história de um contador atrapalhado (típico personagem que Allen gostava de interpretar no início de sua carreira) que é convocado por um comitê de vigilância formado pelos moradores de uma cidade para ser isca de um assassino em série que estrangula suas vítimas na calada da noite. A história muda de foco quando um circo chega a cidade e permite que o roteiro se divida em uma trama paralela muito mais interessante que a história do assassino.

Dada a complexidade de uma produção que tencionava transpor elementos expressionistas, não pode Woody Allen manter sua tradição de utilizar as ruas de Nova York como cenário de Neblina e Sombras. Todavia, o longa foi filmado lá, em um estúdio de 26 mil m², o maior da cidade. É justamente o carro-chefe da produção, ou seja, a homenagem do diretor ao movimento alemão surgido nos primórdios do cinema (e fundamental para entendê-lo), que torna o filme uma experiência ainda agradável. Allen gasta toda a sua técnica de uma maneira única e entrega um longa com uma fotografia magnífica, usando na maioria das vezes a luz como parte integrante da cena.

A história de suspense como toque de humor negro remete a alguns dos melhores filmes do roteirista que vê nesse gênero um dos seus preferidos. Apesar de bem desenvolvida e com uma trama paralela sobre infidelidade que prende a atenção (mais Woody Allen impossível) a escolha de elenco, sempre tão elogiada pela homogeneidade, deixa um pouco a desejar.

Tendo o próprio Allen numa ponta, coube a John Cusack a responsabilidade de liderar a história do jovem que realiza a fantasia de uma engolidora de espadas que, após uma briga com seu marido palhaço, pede abrigo em um bordel da cidade e cede à tentação de vender seu corpo por setecentos dólares. Cusack não se mostra tão à vontade em seu primeiro filme do diretor quanto em Tiros na Broadway (lançado três anos depois). Ao seu lado a queridinha de Allen na época, Mia Farrow (mais de vinte anos depois de aparecer para o mundo com O Bebê de Rosemary, de 1968), já em seu décimo segundo filme sendo dirigida por Woody Allen, parece muito mais confortável.

A terceira ponta do triângulo, como sempre acontece, acaba se destacando com folga. John Malkovich fazendo as vezes de marido traído é a melhor coisa de Neblina e Sombras. Quem assiste não esquece o embate entre seu personagem e o de Cusack, em que o palhaço vai descobrindo que a “prostituta por um dia” da história de um estranho no bar é na verdade sua esposa.

Aliás, os diálogos mais existencialistas, que não podem faltar em um exemplar do “gênero” Woody Allen, se passam todos dentro do bordel e são regados a muita bebida. Lá estão presentes algumas das melhores cenas e é lá que reencontramos uma Jodie Foster recém-saída de O Silêncio dos Inocentes, muito mais seletiva em sua carreira. Foster, que se destacou aos catorze anos interpretando uma prostituta em Taxi Driver de 1976, estrelaria apenas doze filmes nos vinte anos seguintes. Outras participações a se destacar é a de Madonna, em apenas uma cena (ela é a trapezista amante do palhaço). À época ainda tinham esperança em sua carreira como atriz, já que seis anos antes ela obteve relativo sucesso com Procura-se Susan Desesperadamente e no ano anterior teve papel importante em Dick Tracy, filme que insisto em gostar. O encontro dela com Woody Allen não deixa de ser inusitado.

Continuando a lista de ilustres pontas, achará o espectador figuras como Donald Pleseance em um de seus últimos filmes (ele faleceria quatro anos depois) tendo estrelado mais de duzentos produções antes; Lily Tomlin, que em sua primeira cena é responsável por um dos takes mais bonitos de Neblina e Sombras e é uma presença marcante (quem havia assistido Nashville em 1975 não ignorava as comédias por vezes bobas demais que ela estrelou na década seguinte, mas sabia do potencial da mesma como atriz); e Kathy Bates, sempre brindando o espectador com uma interpretação fora do comum, um ano depois de vencer seu Oscar de melhor atriz por Louca Obsessão (ela seria indicada mais duas vezes). Porém, alguns atores não combinam com o jeito de Woody Allen fazer cinema.

De fato, a trama paralela, no melhor estilo A Bela da Tarde, acaba por roubar as atenções, tornando Neblina e Sombras mais um filme noir do que uma homenagem ao expressionismo. A virada que Allen dá no roteiro na já citada cena do encontro entre Cusack e Malkovich é o melhor exemplo de como um filme focado mais nesse argumento renderia um filme bem melhor. No que diz respeito ao suspense, a conclusão fraca, besta, até infantil, contribui para que Neblina e Sombras não consiga ficar marcado na memória de quem assiste.

Os dezenove milhões de dólares gastos por Allen (seu filme mais caro até hoje) na tentativa de registrar o espírito de um cinema ainda embrionário, é a desculpa para o fã de cinema reservar uma hora e meia de sua atenção para esse longa do diretor, roteirista e ator. Não espere a obra-prima que Allen parece ter almejado, pois ele foi com muita sede ao pote nessa sua empreitada, apesar de muito bem realizado e tecnicamente irretocável. Nota 7

Filmes comentados em 2010: 2
Filmes lançados em 2010: 0
Total de filmes do blog: 135

Simplesmente Alice

2010-07-09T21:35:00.003-03:00

Estreia - 25/12/1990 (nos EUA) Simplesmente Alice não é um dos filmes mais inspirados de Woody Allen. É até uma surpresa que tal longa ganhe destaque em sua filmografia como um daqueles que a Academia indicou ao Oscar de melhor roteiro original. É a prova de que dentre as dezenas de obras do ator, diretor e roteirista, não há que se falar em unanimidade. Talvez a graça de acompanhar a trajetória de Woody Allen é justamente questionar seu longo repertório de personagens, diálogos e cenas. Pois Simplesmente Alice, que acredito que alguns considerem algo brilhante, decepcionou um pouco o humilde blogueiro.

O filme conta a história de uma mulher que descontente com seu casamento, decide contrariar seus princípios e se deixar levar por uma relação extra-conjugal. Ela conta com a ajuda de Dr. Yang, uma espécie de guru oriental, que receita algumas ervas pouco ortodoxas a seus pacientes. O bom argumento, que parece ser um prato cheio nas mãos de uma pessoa como Allen, não se transforma em um longa excepcional. O toque de fantasia provocado pelas ervas se desenvolve de forma bem mais brilhante em A Rosa Púrpura do Cairo, por exemplo. Filmes menores e menos lembrados do diretor como O Escorpião de Jade e até o recente Scoop - O Grande Furo não devem nada a Simplesmente Alice. Podem considerar uma blasfêmia tal comparação, mas não vi no texto de Allen nada tão marcante.

Mia Farrow (Alice) foi indicada ao Globo de Ouro e venceu o National Board of Review. Ela utiliza a experiência de oito filmes com o namorado-diretor para compor com facilidade a personagem central, que passa por uma crise existencial desnecessária. Difícil convencer o espectador comum que pessoas com tanto dinheiro compliquem suas vidas com a premissa de sentirem uma falsa liberdade que nunca tiveram. O público brasileiro vai se lembrar das telenovelas escritas por Manoel Carlos, já que a Nova York de Simplesmente Alice pode ser comparada com o Leblon de qualquer obra do autor global. Até a overdose de infidelidade, sempre tratada de maneira banal pelos mais ricos, se encontra presente.

Grandes oportunidades se perdem e não são exploradas talvez por preguiça ou falta de capricho do roteiro. Para citar algumas temos o sentimento de culpa de Alice que, no "País das Maravilhas" provocado pelas ervas do Dr. Yang, se transforma numa clássica Madame Bovary, ou Bela da Tarde, ao mesmo tempo em que vive experiências sobrenaturais, como ficar invisível ou reencontrar seu primeiro (e talvez único) grande amor, morto precocemente em um acidente. Aliás, esse personagem, vivido por um Alec Baldwin que começava a se destacar no cinema (pós-Os Fantasmas se Divertem, Uma Secretária de Futuro e A Rosa Púrpura do Cairo), se perde na trama apesar de Allen o colocar em alguns momentos como a origem dos problemas vividos por Alice.

A busca no passado por supostos traumas enfrentados é um tema corrente no cinema, não podendo um longa como esse receber a qualidade de "mais um" ou de "comum". Porém, é isso que acontece. Destaca-se também o desleixo com que é tratada a carreira mal sucedida de escritora da protagonista, que tenta (em vão) descontar nos seus escritos todas as suas frustrações. Allen deixa questionamentos e oportunidades em aberto, tratando de maneira tão rasa temas que ele costuma aprofundar tão bem.

Todavia, não se pode negar que a história possui toques de bom humor e elenco que, se não tem grandes destaques, é a cara do texto ligeiro de Woody Allen (ao contrário de Neblinas e Sombras, filme realizado no ano seguinte). As presenças agradáveis de Judy Davis (indicada ao Oscar como atriz pelo inesquecível Passagem para a Índia do inesquecível David Lean e indicada como coadjuvante dois anos depois pelas mãos do próprio Woody Allen em Maridos e Esposas), a já veterana Blythne Danner e Cybill Shepherd (recém saída de A Gata e o Rato, que voltaria a se destacar no mundo das séries em 1995 com a estreia de Cybill).

Como dito antes, Alec Baldwin deixa a desejar. Pelo lado masculino o destaque é William Hurt, que viveu uma década de 1980 irretocável, com no mínimo cinco grandes atuações, incluindo três indicadas ao Oscar (vencendo por O Beijo da Mulher Aranha, de Hector Babenco). Joe Mantegna não convencerá os mais jovens como galã sedutor, dado ao número de comédias que ele tentou estrelar na sequência de sua carreira. Porém, nessa época estávamos diante de um ator que tinha acabado de sair de O Poderoso Chefão III e passaria ainda por Corpo em Evidência. Um exemplo de artista que viveu fase quase brilhante, mas terminou estereotipado da pior maneira possível por Hollywood.

Simplesmente Alice ainda foi indicado pelo Sindicato dos Roteiristas e ao César de filme estrangeiro. É fundamental para o amante do cinema tomar conhecimento das mais diversas opiniões. Gosto de saber que muita gente discorda totalmente da minha decepção com essa obra de Allen. Como dito no início do texto, não é todo filme desse diretor (que não atua neste longa) que agradará o espectador comum. Cada um terá apreço por longas diferentes. e a culpa é de quem assiste. Gostar de ou se identificar com uma obra de Woody Allen depende dos mais variados fatores. Da hora, do dia, do momento da vida e até da idade em que você toma conhecimento dos devaneios do gênio. Dessa maneira, permito me considerar, desde já, equivocado com meu sentimento de decepção (pouca, mas decepção) ao me lembrar de Simplesmente Alice. Nota 5

Filmes comentados em 2010: 1
Filmes lançados em 2010: 0
Total de filmes do blog: 134

Indicados ao Globo de Ouro 2009

2009-12-15T12:13:00.005-02:00

Lista fresquinha saindo. Como esse blog não consegue ser regular, aqui vão os indicados. Não promete mais maratona de nada, mas a vontade de ver esses filmes e comenta-los é tanta que deve pintar algo por aqui nas minhas "férias" (a partir da semana que vem) e em 2010. Amor Sem Escalas começa a Corrida Para o Oscar com tudo, liderando o Globo de Ouro com seis indicações, seguido por Nine, Bastardos Inglórios e Avatar - que lideram o Critic's Coice Awards:

Melhor filme (Drama)

Amor sem escalas
Avatar
Bastardos inglórios
Guerra ao terror
Preciosa

Comentário: Já vi Bastardos Inglórios e ele está na lista dos meus cinco melhores do ano por enquanto (daqui a alguns dias divulgo tudo aqui com calma). Avatar começa sua campanha de maneira muito parecida com o último filme de James Cameron, Titanic. Muita especulação, gastança de dinheiro, ótimas impressões da críticas nas sessões especiais, enxurrada de indicações aos primeiros prêmios... E todos sabem que fim levou Titanic. Preciosa é um drama independente sobre uma moradora no Harlem sem oportunidades. Está na categoria "Half Nelson" de filmes que serão poucos vistos. Dizem ter excelentes participações de Lenny Kravitz e Mariah Carey. Guerra ao Terror já conta com elenco mais interessante (Ralph Fiennes, Guy Pearce) e se passa na Guerra do Iraque. Isto é, uma boa promessa. Amor Sem Escalas tem surpreendido, levado alguns prêmios (principalmente com George Clooney) e não é mais um azarão.

Melhor Filme (Musical ou Comédia)

500 dias com Ela
Se beber, não case
Simplesmente complicado
Julie e Julia
Nine

Comentário: Nine desponta como favorito, por ser um musical muito bem produzido, com elenco primoroso. Mas 500 Dias Com Ela recebe cada vez mais elogios e se tornou "aquele filme que eu deveria ter visto" em 2009. Se Beber, Não Case foi uma surpresa para quem duvidava do potencial de Todd Philips (eu me incluo, se bem que não vi o filme). Simplesmente Complicado reúne Meryl Streep, Alec Baldwin e Steve Martin em uma trama mais adulta que os filmes que esse último geralmente realiza (algo promissor). Julia e Julia tem aquela temática gastronômica que volta e meia rende filmes interessantes, mas creio que faça apenas número.

Melhor Atriz (Drama)

Emily Blunt, The Young Victoria
Sandra Biullock, The Blind Side
Helen Mirren, The Last Station
Carey Mulligan, An Education
Gabire Sadibe, Preciosa

Comentário: Para que o texto chegue no calor do momento, não procurei muitas informações (até porque nos próximos meses só se falarão nesses filmes). Mas a menina de Preciosa deve ter conseguido uma formidável interpretação. Helen Mirren na lista é animador e Sandra Bullock conseguir duas indicações (e dois sucessos de bilheteria) em 2009 é surpreendente. Ela volta a aparecer aqui por A Proposta. Emily Blunt e Carey Mulligan muito me agradam mas não necessariamente por suas atuações.

Melhor Ator (Drama)

Jeff Bridges, Crazy heart
George Clooney, Amor sem escalas
Colin Firth, Um homem sério
Morgan Freeman, Invictus
Toeby Maguire, Entre irmãos

Comentário: Quem já viu Morgan Freeman nos trailers de Invictus, como Nelson Mandela, não deixa de inclui-lo na lista de favoritos. Mas a briga é interessantes, com cinco atores de gerações e escolas diferentes. Como sempre acontece, essa categoria parece ser a mais equilibrada e esperada. Veremos os filmes.

Melhor Atriz (Musical ou Comédia)

Sandra Bullock, A proposta
Marion Cotillard, Nine
Meryl Streep, Simplesmente Complicado
Meryl Streep, Julie & Julia
Julia Roberts, Duplicidade

Comentário: Meryl Streep está muito bem acompanhada esse ano (por ela mesma). Essa mulher é um fenômeno! Se ela não trabalhar um ano criam uma categoria "melhor aposentada" e ela vence. Acho que cai nos colos de Sandra Bullock, uma espécie de homenagem a essa atriz que, se não é uma das maiores, teve seus momentos e nos proporcionou bons filmes. Mas Marion Cotillard cantando e dançando? Hum... Quando estreia Nine mesmo? Como presente por sua volta, Julia Roberts apenas fecha a lista.

Melhor Ator (Musical ou Comédia)

Matt Damon, O desinformante!
Daniel Day Lewis, Nine
Robert Downey Jr., Sherlock Holmes
Joseph Gordon Levitt, 500 dias com ela
Michael Stuhlbarg, Um homem sério

Comentário: Só pelo fato de Downey Jr. ser indicado de novo, mostra que suas chances são ótimas. Mas Daniel Day Lewis é a Meryl Streep de shorts e a briga ainda conta com o muito querido Matt Damon e o ator de 500 Dias Com Ela - que deve sair da festa com um prêmio, pelo menos - e poderá ser justamente esse.

Melhor Atriz Coadjuvante

Mo-Nique, Preciosa
Julianne Moore, Um homem sério
Anna Kendrick, Amor sem escalas
Vera Farmiga, Amor sem escalas
Penelope Cruz, Nine

Comentário: O que falei de 500 Dias Com Ela lá em cima se aplica a Nine aqui. Preciosa é um filme de atuações e a de Mo-Nique deve ser destaque. Amor Sem Escalas vai empilhando indicações (será que chega bem ao Oscar "escalando" produções maiores?) e Penelope Cruz ganhou uma vaga por ter vencido ano passado. Não sei se faz só número não.

Melhor Ator Coadjuvante

Matt Damon, Invictus
Stanley Tucci, Um olhar do paraíso
Christopher Plummer, The last station
Christopher Waltz, Bastardos inglórios
Woody Harrelson, The messenger

Comentário: Achei essa lista aqui sensacional! Mas o fato de Matt Damon ser indicado duas vezes é um bom indício de que ele saia com algum prêmio da festa. Christopher Plummer, assim como já aconteceu com Peter O'Toole em Vênus, venceu a corrida na "carreira desenterrada do ano". Mas só tem ator sensacional aqui. Mais uma vez, diversos estilos e gerações.

Melhor Animação

Coraline e o Mundo Secreto
O fantástico Sr. Fox
Tá chovendo hambúrguer
A princesa e o sapo
Up - altas aventuras

Comentário: Up é favorito, mas os cinco filmes passaram (ou passam) com sucesso pelos cinemas. O grande adversário de Up é Coraline e o Mundo Secreto, que lidera as indicações do Annie. Era do Gelo 3, apesar de estourar nas bilheterias, foi preterido. Já A Princesa e o Sapo coloca a animação tradicional no mapa das premiações de novo.

Melhor Filme Estrangeiro

Baaria (Itália)
Abraços partidos (Espanha)
Um profeta (França)
A fita branca (Alemanha)
The maid (China)

Comentário: Almodóvar contra o vencedor do Festival de Cannes. Briga interessante esse ano com cinco países de tradição forte no cinema. Categoria para se olhar com carinho em 2010.

Melhor Diretor

Kathryn Bigelow, Guerra ao Terror
James Cameron, Avatar
Clint Eastwood, Invictus
Jason Reitman, Amor sem escalas
Quentin Tarantino, Bastardos inglórios

Comentário: Mais um trofeu que só tem fera entre os indicados. Se Clint Eastwood já se acostumou a bater em Martin Scorsese, esse ano ele enfrentará James Cameron (favorito, já que quem já viu Avatar fala que não existe nada comparável na história do cinema) e Quentin Tarantino, que anda merecendo levantar uns prêmios já.

Melhor Roteiro

Amor sem escalas
Simplesmente Complicado
Distrito 9
Guerra ao Terror
Bastardos inglórios

Comentário: Distrito 9 foi uma das surpresas do ano mas não creio que chegue com força. A luta aqui é promissora e me anima muito ver Simplesmente Complicado indicado nessa categoria.

Melhor Trilha Sonora

I will see you, Avatar
The weary kind, The Crazy Heart
Winter, Brothers
Cinema Italiano, Nine
I want to come home, Everybody's fine

Comentário: Conhecimento zero de tudo por aqui. Mas Nine, por ser filme musical, terá a trilha sonora mais conhecida (não necessariamente a melhor).

É isso aí. Se der tempo até o final da semana falo do Critic's Choice Awards.

Émile Zola

2009-11-23T23:05:00.005-02:00

Estreia – 2/10/1937 (nos EUA) – A Warner estava se tornando o estúdio mais popular de Hollywood e colhia frutos da aposta de trazer biografias de personalidades mundiais do século XIX. A Academia já havia reconhecido a qualidade desses filmes dois anos antes, com A História de Louis Pasteur. O longa, dirigido por William Dieterle e com Paul Muni no papel principal, foi indicado ao prêmio de Melhor Filme e venceu nas categorias de Ator, Roteiro e Roteiro Original (Muni também venceu o prêmio por sua atuação no Festival de Veneza).

Émile Zola (também chamado de A Vida de Émile Zola) repete a dobradinha Dieterle-Muni mais uma vez para contar a história do escritor francês. O diretor alemão, que desembarcou em Hollywood em 1931 e já chegou chutando a porta com Kismet (refilmado treze anos depois), se juntaria a Charles Laughton para a versão definitiva de O Corcunda de Notre Dame e produziria bons clássicos como Salomé e No Caminho dos Elefantes. Porém, com Émile Zola ele conseguiria sua única indicação ao Oscar. O ator seria lembrado pela quarta vez em cinco anos, mas sua filmografia não seria tão extensa quanto o seu talento. Porém, ele ainda seria apontado mais uma vez em 1960 por Rebeldia de um Bravo. Engraçado que Émile Zola foi filmado de trás para frente já que Muni tinha a barba branca que depois seria escurecida nas últimas cenas (que na verdade são as primeiras, entendeu?).

É claro que Émile Zola fica prejudicado ao ser comparado com Ziegfeld, O Criador de Estrelas, último filme que assisti antes dele. São duas biografias primorosas, mas a qualidade da produção que conta a vida do produtor de teatro americano (indiscutivelmente menos relevante culturalmente que Zola) deixa a Warner no chinelo. O encanto começa a se quebrar quando os créditos, ao anunciar que fomos transportados para a Paris de 1862, informa que há fragmentos ficcionais na história a ser contada. Isso envelhece o filme, já que é uma difícil tarefa hoje em dia identificar quem realmente existiu em meio àqueles personagens (exclui-se Paul Cézzane e Émile Zola).

As imagens do DVD revelam que a produção do longa vencedor do Oscar de 1938 é menor (ou o trabalho de preservação dos negativos foi menos eficiente que os três ou quatro vencedores anteriores). Só deve ser impressão porque o longa saiu vencedor dos prêmios de Filme, Roteiro e Ator Coadjuvante (Joseph Schildkraut) e foi indicado para Diretor, Ator, Direção de Arte, Assistente de Direção, Som, Trilha Sonora e Roteiro Original. É verdade que os jovens Cézzane e Zola vivendo de sonhos na Paris de meados do século XIX desperta imediato interesse. Porém, a carreira do escritor começa a entrar nos eixos quando sua mãe e noiva conseguem um emprego em uma editora, onde ele poderia ganhar com o exercício de sua arte. Mesmo vivendo com dificuldades, Zola continua escrevendo sem abandonar seu estilo, na estética do desagradável e retratando os sofridos drama da população mais humilde.

Com esse ideal de descrever as mazelas do povo, demonstrando um fortíssimo sentimento de humanidade, Zola atinge o sucesso com o lançamento de Nana, mulher com drama pessoal muito forte. Até esse ponto somos presenteados com uma atuação contida, primando pela serenidade, de Paul Muni. Nessa primeira metade ainda há espaço para discutir o que o roteiro chama de “espólio da guerra” e que no fundo é aquela mensagem de sempre de um país entrar em um conflito baseado em factoides e mentiras (já tratados aqui no blog quando comentamos Cavalgada, Sem Novidades no Front, entre outros).

Na sequencia da carreira, Zola lança A Derrocada, Germinal e vai publicando outros livros, sempre com um discurso politizado e colecionando sucessos. Porém, essa biografia ligeira prepara o terreno para tratar de um fato específico da vida do escritor. É nesse momento que o roteiro se perde um pouco. A montagem e edição esquece que estamos diante da vida de Émile Zola e joga na tela o episódio de um vazamento de informações no Exército Francês. Os oficiais condenam um bode expiatório para manter a credibilidade das Forças Armadas perante o povo e o coitado vai para o exílio. Essa ponta solta deixa a impressão de que a história do longa poderia ser um pouco melhor. Paul Cézzane é pouco explorado mas é da boca dele saem pérolas como a teoria de que o artista deve permanecer pobre, para que seu estômago e talento não fique inchado e empanturrado. (mesmo que você não concorde).

Depois disso o roteiro se limita a mostrar a luta da esposa do oficial e de Zola para, três anos depois, provar a inocência do homem. Utilizar o escritor como último recurso fez com que este perdesse sua credibilidade perante a nação francesa, que opta por acreditar até o fim no discurso oficial. É justamente motivado pelas palavras de Cézzane que Zola (com um Paul Muni envelhecido porém com mais vigor) troca a glória da Academia Francesa de Letras pela última e mais difícil defesa de sua vida. Zola mostra que além de grande escritor possuía oratória privilegiada.

Com aproximadamente uma hora e vinte minutos já com a população se revoltando contra o biografado e queimando seus livros em praça pública, o longa se atém na Corte Marcial e vira, por alguns momentos, um filme de tribunal (e longe dos melhores). Todavia, os julgadores parecem dispostos a mudar a história oficial e absolver tardiamente o homem. Já Zola, que com o passar do tempo fica menos falante, acha forças para lutar contra o Tribunal, o Exército e o Estado, que utilizam todas as armas para que a decisão seja mantida.

Os vinte minutos finais mostram a disposição de um Zola derrotado em transformar o que parecia o fim de uma guerra em o início de uma nova batalha. Utilizando novamente da escrita e exilado em Londres, seus textos provocam uma pressão por parte da opinião pública que passa a exigir uma nova investigação. A cena da libertação do injustiçado é marcante (o ator Joseph Schildkraut, não acreditando no que lhe acontece, entra e sai da sua cela diversas vezes em cena que o ajudou muito a levar a estatueta para a casa). Porém (e como sempre) a graça dos clássicos fica por conta do epílogo. Em um lindo discurso ficamos sabendo porque Émile Zola conseguiu se tornar inesquecível em um país tão rico em ídolos como a França.

Para ficar “só” com a última frase, Zola foi “um monumento da consciência humana”. Repito, é um lindo discurso. Pena que o jeito de produção pequena e um claro envelhecimento no ritmo e na linguagem faça com que Émile Zola se perca em meio a clássicos esplendorosos. Nota 7

Filmes comentados em 2009: 133
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 133

Ziegfeld, O Criador de Estrelas

2009-11-21T17:19:00.004-02:00

Estreia – 8/4/1936 (nos EUA) – Quando Frank Capra começava a ganhar maior destaque em Hollywood com o lançamento de O Galante Mr. Deeds, a Academia decidiu no ano de 1937 premiar essa grandiosa produção do, à época, recém-falecido produtor da Broadway, Florenz Ziegfeld Jr., interpretado por William Powell de maneira correta (ele foi indicado no ano anterior por A Ceia dos Acusados e no seguinte por Irene, A Teimosa. Outra indicação viria em 1948 por Nossa Vida com Papai) e dirigido pelo já badalado Robert Z. Leonard (indicado os Oscar sete anos antes por A Divorciada, indicado novamente aqui e lembrando também na edição de 1936 do Festival de Veneza que na época possuía o famigerado nome de troféu Mussolini).

Ziegfled, o Criador de Estrelas venceria os prêmios da Academia de Melhor Filme, Atriz (Luise Rainer) e Direção de Dança, com indicações para Diretor, Roteiro Original (William Anthony McGuire), Edição e Direção de Arte. Os cinco minutos de abertura antes dos créditos entregam que se trata de uma fita longa, porém retratando uma biografia completa. O prólogo menos prestigioso quando, no início de carreira, Ziegfeld deixou para trás a família (o pai era professor de música erudita) e optou pelo mundo do entretenimento diverte fácil. Já em 1893, na cena da Feira de Chicago, fica claro que Ziegfeld, é aventureiro, gosta de apostar, é sonhador (tudo no bom sentido) e possui uma facilidade de comunicação absurda. O primeiro grande sucesso dele, Sandow, “o homem mais forte do mundo” é apontado hoje como o criador do Bodybuilding e é um marcante exemplo.

Observa-se logo no início que estamos diante de um exemplar muito comum no cinema de Hollywood, pois se trata de uma biografia leve, informativa, que mistura bom humor com emoção, bem no estilo Walt Disney de “uma lágrima para cada sorriso”. Já de cara somos apresentados a Jack Billings, amigo e concorrente de Florenz. Frank Morgan, indicado ao Oscar duas vezes por As Aventuras de Cellini (1934) e como coadjuvante por Boêmios Errantes (1942), interpreta o outro produtor muito bem e rouba a cena em alguns momentos com sua marcante presença. Claro que o roteiro é chapa-branca (dizem que fidelidade não era uma característica de Ziegfeld), mas o longa do homem que fica rico em um dia e está falido no outro é nada menos que adorável.

Os direitos da história foram comprados pela Universal frente à viúva de Florenz, Billie Burke (que interpretaria ela mesma). Porém, como o estúdio não conseguia mais pagar a produção e queria filmar aquela que seria a primeira versão de O Barco das Ilusões, houve uma venda de roteiro para a MGM, já na época de pré-produção. Billy Burke, Judy Garland e Eddie Cantor foram afastados do elenco e a MGM sairia ganhando duas vezes, já que quinze anos depois compraria os direitos e produziria uma refilmagem de O Barco das Ilusões, em versão definitiva e ainda seria a responsável pelo grande sucesso de O Criador de Estrelas.

Ziegfeld também dá a oportunidade de apresentar a parte do público grandes estrelas e números da Broadway. O grande destaque é a presença de Fanny Brice interpretando ela mesma. Brice era conhecida por ter uma bela voz, mas ser muito feia. Fanny supria a ausência de beleza sendo incrivelmente engraçada e fez época nos palcos de Nova Iorque sendo objeto de outra biografia, décadas depois, estrelada por Barbra Streissand.

O produtor possuía persona muito interessante. Detentor de uma abordagem típica, ele acabava por ganhar todos os talentos e mulheres de Billings. Tinha a capacidade de se adaptar e movimentar dinheiro para conseguir seus objetivos, sempre em prol da arte. O primeiro grande amor da vida de Ziegfeld, Anna Held (Luise Rainer que nunca havia ouvido falar sobre a figura que interpretaria) entra na vida do protagonista em Londres, quando o biografado, sem dinheiro, pede ajuda ao concorrente em viagem para conhecer a francesa que começava a fazer sucessos nos teatros londrinos. Rainer realmente se destaca e seu prêmio foi merecido. No ano seguinte ela repetiria a façanha pelo longa Terra dos Deuses, sendo a primeira atriz a vencer dois Oscars em sequência (feito igualado apenas por Katherine Hepburn).

Trata-se de um filme musical, mas todas as inserções típicas do gênero ficam por conta da reconstituição de shows da Broadway. É de Rainer o primeiro número, Won’t You Come And Play With Me?, seguido de uma das melhores cenas do longa: quando Ziegfeld faz Anna se convencer a ser contratada (e toda hora ela mandava ele sair do camarim, olhava para as flores que ele enviou com o dinheiro de Billings, e mandava voltar).

A atriz continua brilhando no número de It’s Delightful do Be Married, que mostra os problemas de Held com a dicção e como isso atrapalhou o início de sua carreira junto ao exigente público americano. Nesse momento já fica claro que Ziegfeld, O Criador de Estrelas é uma fita necessária aos fãs e admiradores da Broadway (eu nem posso me considerar um porque infelizmente nunca fui lá).

Com pouco mais de uma hora de filme somos apresentados à idéia que mudaria a história do teatro dos Estados Unidos: as Follies de Ziegfeld. Para quem não conhece, as Follies eram uma espécie de teatro de revista (que foram bem populares aqui no Brasil também). A idéia do produtor de apresentar um show mais dinâmico, com esquetes de humor permeando as músicas, abriu espaço para o surgimento de grandes artistas americanos, como Eddie Cantor (que se apresentava com o rosto pintado, que nem Al Johnson e é homenageado no filme com o ator Buddy Doyle interpretando If You Knew Suzie, um de seus maiores sucessos) e Will Rogers (que fazia o estilo caipira e descobriu com Ziegfeld seu timing de humor).

Porém, o grande número da primeira metade é justamente aquele que marca o Entreato, A Pretty Girl is Like a Melody. A cena começa simples, com apenas um cantor, o palco vai girando, girando, mostrando uma infinidade de dançarinos, cada um com figurino diferente, canções que passam da valsa para a ópera e termina grandioso, quase como uma epopéia musical. Algo que deve ter sido um assombro no teatro no início do século e nos cinemas na década de 1930. Uma cena muito difícil e bem realizada em apenas dois takes após semanas de ensaios contando com 180 atores e a um custo de 220 mil dólares, algo absurdo para a época e muito mais do que o próprio Ziegfeld gastou para produzir aquele show todo. No final, o custo total do longa em 2 milhões de dólares, atualizados pela inflação, chegariam ao valor de 40 milhões.

Todavia, depois da Intermissão Ziegfeld, O Criador de Estrelas pode se tornar cansativo para alguns. Logo de cara temos quatro apresentações musicais em sequência. O objetivo é mostrar a versatilidade do teatro norte-americano, por isso temos um número em que o palco se mexe (alta produção), outra onde Ray Bolger (vivido por ele mesmo e uma pena que tenha sido pouco explorado) dá um show de sapateado, um terceiro com um instrumental clássico e extremamente romântico e o quarto com uma coreografia que é um assombro de tão bem feita. São quinze minutos de arte pura, mas que pode (e deverá) desagradar muita gente.

Ao final do número a estrela do espetáculo, visivelmente embriagada, tenta desmoralizar Ziegfeld que não se faz de rogado e dá um corretivo sutil na moça na frente da platéia. Mais à frente entra em cena Fanny Brice, em cena muito semelhante à do filme que retratou sua própria vida. Aqui ela interpreta três canções e é com ela que o biografado realiza sua última Follies. Com essa fase da carreira, termina também seu casamento com Anna Held. O homem, que tinha uma incrível capacidade de reinventar sua carreira, teria que criar uma nova vida dentro de casa. Está aberto o caminho para a entrada de Myrna Loy na quarta das catorze parcerias que faria na carreira com William Powell e no ano em que seria eleita Rainha do Cinema (e Clark Gable o Rei). A Academia, porém, não se lembraria de Loy até 1991 quando esta receberia um Oscar honorário dois anos antes de sua morte, aos 89 anos.

A estrela só surge com duas horas e quinze minutos de projeção, mas é responsável por retratar Billie Burke, segundo e último grande amor de Ziegfeld. O produtor, já com o coração mais mole por conta da idade, viveria com maior intensidade esse romance. Já o filme traz com o número musical do circo seu canto do cisne, retratando um show bolado por Ziegfeld e sua filha de aproximadamente cinco anos. Mais uma cena bem realizada, porém longa para alguns. É importante que se diga que o canto do cisne é do filme e não da carreira do biografado, que mesmo exagerando na extravagância da produção de suas peças e perdendo muito patrocínio, viveria ainda o auge de sua carreira, com quatro shows de sucesso na Broadway ao mesmo tempo.

Porém, quis o destino que o homem que nunca juntou dinheiro, fizesse isso no outono da vida investindo tudo em ações. Hollywood, como se exorcizasse o demônio da Crise de 1929, nos trouxe mais uma história que não termina tão bem quanto merecia por conta de fatores econômicos. Incrível como os filmes antigos possuíam finais grandiosos (e não essa coisa aberta que a maioria nos traz hoje) e a cena do Ziegfeld moribundo, ainda na tentativa de criar shows novos ao lado de Billings, impressiona. Com a linda cena de um cortejo imaginado pelo produtor, surgem os créditos desse filme que é pouco visto, pouco badalado, mas não muito distante de uma biografia perfeita (a primeira, de muitas, a vencer o Oscar de Melhor Filme). Nota 9

Filmes comentados em 2009: 132
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 132

O Grande Motim (1935)

2009-11-20T16:53:00.003-02:00

Estreia – 22/11/1935 (nos EUA) – O Grande Motim já foi re-filmado em 1962 (sendo protagonizado simplesmente por Marlon Brando). Como o assunto do momento aqui no blog é a maratona dos filmes vencedores do Oscar de Melhor Filme, deixo para fazer comparações em outra época (o mesmo serve para Cimarron e outros que estão por vir, como A Grande Ilusão). Limito-me a dizer que enquanto a (nem tão) enxuta versão de 1935 venceu o prêmio principal da Academia (indicações: Melhor Ator – três vezes, Diretor, Roteiro, Edição e Trilha Sonora), a refilmagem de mais de três horas de duração saiu da festa de 1963 de mãos abanando, apesar de lembranças nas categorias Filme, Direção de Arte, Fotografia, Efeitos Especiais, Edição, Canção e Trilha Sonora.

O filme conta a história do navio Bounty, da Marinha Britânica, em sua viagem ao Taiti em busca de suprimentos baratos para alimentar os escravos nas colônias inglesas. O evento, de veracidade contestada, foi um marco na luta pelos direitos dos marinheiros, que não se apresentavam voluntariamente, mas eram recrutados em nome do Rei.

Depois de um panorama histórico sucinto (incrível como os filmes antigos possuíam prólogos mais simples e eficientes que os de hoje), o espectador é apresentado a Christian (Clark Gable, sem seu clássico bigodinho já que a Marinha Britânica à época em que se passava a trama não o permitiria). Ele era o responsável por invadir bares e “recolher” homens que passariam os dois anos seguintes na missão do Bounty acima relatada. Viveriam em meio a uma rígida disciplina e hierarquia, somados a péssimas condições de trabalho e desrespeito da maioria dos oficiais.

Porém, o sentimento de que O Grande Motim realmente começou ocorre na entrada de Capitão Bligh (soberbamente interpretado por Charles Laughton) em cena. O confronto entre um Christian mais humanista, quase que ensinando aqueles homens a serem verdadeiros bucaneiros e um Bligh que de posse de um chicote se auto-intitulava “Capitão, Juiz e Júri” é o destaque da primeira metade. A origem do motim é justamente a forma selvagem com que Bligh tratava seus subordinados, contrariando até os outros oficiais, verdadeiros formadores de opinião em meio àquela micro-sociedade que era o Bounty.

Quase que a dupla de astros vira um trio, já que Cary Grant estava certo para fazer o papel de Byam. Porém, a Paramount não liberou o ator. Quem ganhou com isso foi Franchot Tone, que além do papel foi indicado ao Oscar de Melhor Ator ao lado dos dois líderes do elenco. Aliás, com essas três lembranças na mesma categoria (feito nunca mais igualado) a Academia decidiu, no ano seguinte, criar troféu para os coadjuvantes, dividindo em quatro os prêmios relacionados a atuações (os três perderam o Oscar para Victor McLaglen de O Delator, que nunca assisti, mas não creio que tenha feito trabalho melhor que o de Laughton). Lembrando que Gable à época era o atual vencedor do prêmio da Academia por Aconteceu Naquela Noite e astro absoluto tendo filmado quarenta filmes nos dez anos anteriores. Já Charles Laughton havia vencido dois anos antes por Os Amores de Henrique VIII, mas ainda faria talvez seu filme mais marcante: O Corcunda de Notre Dame.

Notas de produção indicam que Tone e Gable, antes de se conhecerem, não iram muito com a cara um do outro já que anos antes brigaram pelo amor de Joan Crawford. Como os dois eram mulherengos e beberrões, as filmagens de O Grande Motim foram o início de uma grande amizade. História mais escabrosa fica por conta da escalação da dupla Gable-Laughton. Depois que Wallace Berry se negou a interpretar Bligh justamente por não gostar do astro com bigodinho ridículo, o excelente produtor Irving Thalberg (sempre citado aqui no blog) teve o insight de escalar Clark Gable, notório homofóbico ao lado de Charles Laghton, notório homossexual, para viverem antagonistas. O intérprete de Capitão Bligh tinha medo de mar e passou o filme todo enjoado (talvez isso explique um pouco sua cara de poucos amigos e vontade de vomitar durante toda a projeção). Brincadeiras à parte, Laughton se sentiu tão à vontade no papel de Bligh que o diretor Frank Lloyd quis por muitos anos fazer uma continuação (o livro é o primeiro de uma trilogia) de nome “Capitão Bligh” mas nunca conseguiu. Hoje com Hollywood seca por continuações, a história seria diferente.

Com a chegada ao Taiti (com aproximadamente cinqüenta minutos), O Grande Motim ganha movimento, com belas imagens daquele lugar de sonhos, com peixes e frutas em abundância – sem a influência do dinheiro e cercado de belas mulheres. A produção do longa, de pouco mais de dois milhões de dólares, foi a mais cara da história da MGM até então. O espetáculo visual transformou o filme no primeiro campeão de indicações do Oscar, mas rendeu um acidente fatal e outros tantos de menor gravidade nos sets de filmagens gigantes. A fita é toda bem filmada (qualidade técnica maior até que Sem Novidades no Front, porém este impressiona mais hoje) e mesmo parecendo datada envelheceu de maneira satisfatória.

Na volta ao navio, os marinheiros têm que conviver com a volta das chicotadas. Bligh não suporta ver a alegria daqueles homens (muitos viveram romances na ilha) e, para manter vivas as centenas de mudas de fruta-pão trazidas do Taiti, corta o suprimento de água da tripulação (além de exigir que todos entreguem para a Coroa Britânica as lembranças trazidas). A construção de personagem feita por Laughton é incrível e este se destaca ainda mais nos quarenta minutos finais, onde é mostrado o motim de fato e quando o Capitão é colocado em um bote a 3.500 milhas de terra firme. Sua revolta com a insubordinação e seu desejo de vingança preenchem a tela e me faz perguntar o porquê de filmes de aventura atualmente não produzirem grandes interpretações como essa.

O roteiro a seis mãos (adaptação de um livro) é excelente, mas a direção de Frank Lloyd é que merece ser destacada. O mestre já havia vencido dois Oscars (inclusive um por Cavalgada, que já foi objeto da maratona do blog) e receberia sua última indicação na carreira. A demonstração da qualidade de seu trabalho pode ser observada na ação frenética dos últimos vinte minutos. Já o que de melhor faz o roteiro é deixar como mensagem direta o desejo incontrolável de todo e qualquer homem de ser escravo. Nota 9

Filmes comentados em 2009: 131
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 131

Cavalgada

2009-11-16T22:46:00.006-02:00

Estreia – 15/04/1933 (nos EUA) – Os créditos iniciais entregam que o roteiro de Cavalgada conta a história de infelicidade e infortúnio de uma família sob os olhos de mães e filhas na Inglaterra do início do século XX (passagem de tempo que lembra Cimarron, transferindo a ação do Velho Oeste Americano para a terra da Rainha).

Na virada de 1899 para o ano 1900 os ingleses se preparavam para enviar um novo lote de soldados para a longínqua África do Sul em uma fase muito particular dessa nação. Aquele povo estava prestes a assistir os ex-colonizados do Novo Continente superar a ex-metrópole e se tornar a maior potência mundial. Todavia, naquele final de 1899, a maioria estava preocupada com os filhos, pais e maridos que caminhavam para mais uma guerra inútil.

Cavalgada é mais um dos vencedores do Oscar de Melhor Filme a pregar uma mensagem antibélica, criticando a falsa promessa do conflito breve para obter adesão popular, lição que foi muito bem passada em Sem Novidades no Front (que se utiliza o povo alemão). O sofrimento daqueles soldados que viajavam mais de quinze dias pelo mar só para chegarem ao local do conflito não é muito explorada, já que o roteiro cobre mais de trinta anos de História. Isso criou um corte interessante em Cavalgada: da bela e imponente cena de despedida dos soldados para o desespero das mulheres procurando nome de familiares na lista dos mortos, constantemente atualizadas.

O longa é mais uma adaptação de uma peça (que custou US$ 100 mil para o estúdio), com o diferencial de que boa parte da trilha utilizada foi trazida do teatro. E justamente um dos destaques de Cavalgada são as canções e melodias – muitas que qualquer espectador reconhece nos primeiros acordes. Pena que o filme foi pouco visto (a “Meca” dos portais de cinema, IMDB, não conseguiu juntar mil votos de internautas e You Tube não tem nenhum vídeo do filme), já que se trata de um dos primeiros exemplares do “cinemão” de Hollywood: takes grandiosos com trilha marcante, momentos de música e dança muito bem realizados e por aí vai.

Talvez o principal responsável por esse excelente resultado seja o diretor Frank Lloyd, que já estava ambientado com aquilo que o público americano queria ver no cinema, sendo Cavalgada seu 115º trabalho como diretor. Ele venceria seu segundo Oscar na carreira por este filme (o primeiro foi conquistado em 1930 por A Divina Dama) e seria lembrado mais uma vez dois anos depois por O Grande Motim (que venceria na categoria principal). Cavalgada ainda venceria Oscar de Direção de Arte e renderia uma indicação para a atriz Dyana Wynyard (Jane Marryot) – que é o centro dos acontecimentos e outro destaque da história. Quem também merece ser citado é o ator Clive Brook, já veterano à época, com 80 trabalhos no cinema.

A guerra com a África do Sul, como sempre, se arrasta. O retorno dos soldados puxa o drama para a roda e algumas cenas menores fazem o ritmo de Cavalgada cair um pouco. O corte para 1908 mostra o veterano de guerra alcoólatra naquele que seria o primeiro de muitas vítimas indiretas dos tempos de violência pela qual passava a Europa. Já em 1912 o casal em lua-de-mel inicia uma interessante discussão questionando a eternidade do amor e do casamento (moderno para a época, não?). Porém, uma revelação quando os dois saem de cena deve ter arrancado suspiros dos espectadores no cimema.

Claro que o miolo do filme serve apenas para ligar a batalha inicial entre a Inglaterra e África do Sul com a Primeira Guerra Mundial (1914-1918). Aos poucos Cavalgada vai crescendo de novo, mostrando o desenvolvimento bélico revolucionário (da espada para o revólver) e passando a limpo anos de importantes transformações que levariam, no final da década de 1930, a outra leva de mudanças permeada por sangrentas batalhas.

Há, porém, uma cena que se destaca das demais. A mãe recebendo a notícia da morte do filho e do fim da guerra, caminhando no meio da rua em um misto de emoções é inesquecível. A chegada da crise econômica abre espaço para uma linda canção, interpretada pela atriz Ursula Jeans no papel de Fanny Bridges. A música, em tom pessimista e forte, questiona o porquê do século XX se mostrar tão sombrio e triste nas duas primeiras décadas.

Outro ponto positivo é a utilização da maquiagem de envelhecimento dos atores, técnica que Hollywood sempre gostou de utilizar. Porém, a cereja do bolo (e sempre tem a cereja do bolo nos clássicos) acontece na virada de 1932 para 1933, quando a protagonista Jane Marryot faz um brinde ao futuro e ao passado de glórias e tristezas da Inglaterra. A fala final, voltada para o público, olhando fixamente a câmera, é linda e levanta a auto-estima de qualquer um que duvide de seu país. É quase uma demonstração de gratidão dos Estados Unidos ao povo que ajudou a molda-lo.

O roteiro de Cavalgada poderia ter um tom mais otimista. Todavia, as imagens do progresso (carros, aviões) podem ser interpretadas como uma boa forma de utilizar a constante evolução do mundo de forma positiva. A frase final, quase uma atualização da Igualdade, Liberdade e Fraternidade da Revolução Francesa, nunca foi seguida: dignidade, grandeza e paz. Mais uma vez ninguém aprenderia a lição. Pelo menos ganhamos outro grande filme. Nota 8

Filmes comentados em 2009: 130
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 130

Grand Hotel

2009-11-14T10:32:00.004-02:00

Estreia - 11/09/1932 (nos EUA) Os créditos de Grand Hotel já revelam um elenco estelar (há relatos de tensões e quase conflitos entre tantos egos gigantes), naquele que talvez seja a primeira produção nesse sentido, juntando atores consagrados. Porém, o primeiro destaque dado pelo roteiro é ao porteiro que aguarda que sua mulher dê a luz. Depois, em rápida sequência dentro de cabines telefônicas, somos apresentados a alguns dos principais personagens da trama. Em seguida, a célebre frase "Grand Hotel... As pessoas vêm e vão e nunca acontece nada", proferida pelo Doutor interpretado por Lewis Stone.

O roteiro é uma adaptação de peça da Broadway de William A.Drake, que gerou quase 500 performances. A adaptação para os teatros da Alemanha, realizada por Vicki Baum também fez muito sucesso. Quase um esboço dos tão comentados e controversos filmes-mosaico, a gama de personagens apresentadas não se compara a longas como Magnólia e Short Cuts – Cenas da Vida. Porém, com roteiro centrado nos diálogos e interpretações cuidadosas, o filme se sustenta muito bem.

A fórmula seria muito utilizada (principalmente em comédias, sempre em um hotel) e aperfeiçoada, mas isso não diminui Grand Hotel, que foi produzido (apesar de ausente o devido crédito) pelo gênio Irving Thalberg, da primeira versão de Ben-Hur, A Divorciada, Tarzan - O Homem Macaco e que levaria os Irmãos Marx à sua melhor época com Uma Noite na Ópera e Um Dia nas Corridas. Além de Grand Hotel ele já havia produzido Melodia na Broadway e produziria outro vencedor do Oscar de melhor filme, O Grande Motim. Morreria com apenas 37 anos.

O destaque fica por conta de Otto Kringelein, magistralmente interpretado por Lionel Barrymore (Buster Keaton foi cogitado para o papel). O homem que descobre ter poucos dias de vida e decide torrar seu dinheiro no luxuoso hotel é sincero desde o início e responsável pelas melhores cenas. Claro que quando se tem Greta Garbo no elenco é difícil não destacá-la. Porém, sua Grusinskaya brilha sozinha, quase sempre em monólogos, interagindo pouco com os outros personagens. Com vinte minutos acontece sua primeira aparição, onde Garbo, em close, revela que "nunca esteve tão cansada na vida". A atriz, então com 26 anos, havia se destacado nos anos anteriores, sendo inclusive indicado ao Oscar em 1930 por dois filmes diferentes na mesma categoria. Ela só se cansaria mesmo uma década depois, quando abandonaria a carreira no auge. Outra frase dela iria para a lista das 100 maiores do cinema americano: "eu quero ficar sozinha", que achei menos “impactante”.

Com toques de ironia e boas tiradas (exemplo? "Não entendo nada de mulheres, estou casado a trinta anos”), a parte dramática de Grand Hotel fica em grande parte nas mãos de Greta Garbo. Um exemplo é quando a dançarina (uma maluca beleza, daquelas que todos conhecem), se nega a fazer seu número porque na noite anterior ela não havia sido aplaudida o suficiente. Nesses momentos o ar teatral pode cansar alguns espectadores. A coisa ganha corpo quando o Barão, vivido por John Barrymore (o único dos cinco a nunca ter sido indicado ao Oscar), tenta furtar as joias da dançarina. A prova do magnetismo que Greta Garbo (a única entre os indicados que nunca venceu o prêmio da Academia) exerce até hoje acontece nessa cena, em que a doida descobre o homem que queria roubar seus bens e vira amante e confidente.

O reflexo da crise de 1929 é mostrado nas negociações de uma fusão entre empresas do ramo têxtil. Wallace Berry é o diretor Preysing e Joan Crawford a bela estenografa. A atriz não dividiu qualquer cena com Greta Garbo, algo proposital para que uma grande estrela não ofuscasse outra. Talvez a parte menos interessante seja essa passagem da história. Apenas quando todo mundo se encontra em um baile no final do dia, é que a inserção da história de Preysing faz sentido. Ele é o chefe de Otto, que parecia estar saudável enquanto dançava com a estenografa - após árdua competição entre pretendentes. Só que ao ver o patrão e entender que sua exploração que o deixou doente abre-se a porta para umas das melhores cenas do filme.

Mesmo que a pessoa não goste de cinema antigo (um preconceito bobo, mas que infelizmente existe) ninguém pode alegar que Grand Hotel não seja simples de assistir, possuindo fluidez. Há excelentes cenas dramáticas, uma discussão sobre a moral de um ladrão (já que o Barão demonstra presença de escrúpulos quando desiste de mais um roubo) e a formação de uma interessante teia. Pode ser que o longa não se destaque em meio a tantos grandes filmes do mesmo gênero, bem como em meio a outros vencedores do Oscar de Melhor Filme (e a produção só foi indicada e venceu nessa categoria), mas tem seu valor. Tanto que no epílogo do filme, quando o porteiro reaparece falando do nascimento de seu filho, é que nos damos conta de que só se passaram dois dias de história.

Cinéfilos do mundo todo lamentam o fato do trailer original do longa ter se perdido. Porém, o grande destaque de uma sessão de Grand Hotel é a conclusão do personagem em "estado terminal", vivido por Lionel Barrymore (que não conto para não estragar). Coisas que ficam mais na memória. Coisas que fazem filmes como Grand Hotel, com o passar do tempo, virarem verdadeiros clássicos. Nota 7

Filmes comentados em 2009: 129
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 129

Cimarron (1931)

2009-11-09T22:32:00.005-02:00

Estreia - 9/2/1931 (nos EUA) - Realmente o cinema americano estava engatinhando em 1931, mas já dava para perceber que eles nasceram com o dom de criar grandes espetáculos. A primeira versão de Cimarron é um reflexo da sociedade da época (pós-crack da Bolsa de Valores) e você percebe que os estereótipos de negros escravos e índios burros ou ladrões ainda estão lá, ainda sem uma preocupação com o politicamente correto. Dizem que a refilmagem de 1960 estrelada por Glenn Ford é superior. Ambos são adaptações de livro de Edna Ferber, autora de outras obras que se tornariam clássicos do cinema americano como O Barco do Amor, Assim Caminha da Humanidade e Jantar às Oito.

Em 1930 o estúdio desembolsou US$ 125 mil para comprar os diretos de Cimarron, um recorde absoluto na época. O longa foi o primeiro faroeste a vencer o Oscar na categoria Melhor Filme e divide essa honra com Os Imperdoáveis, já que a Academia passou ao largo do auge do gênero nos anos 1940 e 1950. Além dessa, o filme venceu nas categorias Roteiro Adaptado e Direção de Arte, sendo indicado em mais quatro categorias (Diretor – Wesley Ruggles, Ator – Richard Dix, Atriz – Irene Dunne e Fotografia). O problema é que eu não consigo gostar muito de filmes de faroeste, sendo raras as produções que me agradem por completo (exemplos óbvios: Butch Cassidy e Sundance Kid, Três Homens em Conflito, Rastros de Ódio e o não-tão-óbvio Onde Começa o Inferno). A primeira versão de Cimarron, porém, não me enche os olhos.

Não sei se é porque retrata uma sociedade altamente improdutiva, que só queria beber, andar de cavalo e sair dando tiro por aí. Eles não tinham teatro, biblioteca, nada. Não sei se a inserção de dramas no meio da ação deixa alguns filmes arrastados demais. Tudo bem que Cimarron mostra o poder de organização que aquelas pessoas tiveram. Sem ajuda do Governo nem nada, eles conseguiram montar suas cidades, definir suas leis e evoluírem (mas também eram bárbaros ao extremo, em alguns momentos). Só que eu acho essa coisa de Velho Oeste faroeste muito chata.

Algumas imperfeições são claras no filme, já que eles ainda estavam se acostumando com a chegada do som no cinema. Nas cenas em que tem trilha sonora esta é interrompida (não tem seqüência) entre um take e outro. Os atores fazem caras e bocas terríveis (não sei como o protagonista Richard Dix conseguiu ser indicado ao Oscar de Melhor Ator, em alguns momentos dramáticos parece que estou diante de uma comédia). O diretor Wesley Ruggles (que não sei porque não foi creditado) possuía larga experiência no cinema mudo com mais de oitenta trabalhos. Dez anos depois ele realizaria outro famoso faroeste, Arizona, com William Holden e Jean Arthur, já mais ambientado ao cinema falado.

O elenco é liderado por uma Irene Dunne no início de sua prestigiosa carreira – Cimarron é seu segundo longa e a primeira das cinco indicações que recebeu (todas como atriz principal, incluindo uma pelo clássico Cupido é Moleque Teimoso). Já Richard Dix naquele momento começava sua fase de estrela maior do estúdio RKO. Porém, com exatos cem trabalhos como ator em breves trinta anos de carreira, pouco se lembra hoje do astro.

Quando um período da narração sofre um salto sempre vem acompanhado de um “texto explicativo”, como se procedia com os filmes mudos. Os roteiristas deviam ser os mesmos, portanto, desacostumados com um texto só de falas. Todavia, as cenas de ação do início do filme são realmente impressionantes para a época. Demorou uma semana para ser filmada e contou com 5.000 figurantes e 28 câmeras, mostrando a mania de grandeza que Hollywood começava a desenvolver. Tem um “quê” de valor histórico, até meio documental, muito interessante, pois a história vai dos últimos vinte anos do século XIX até 1930 (um ano antes do lançamento do filme). Porém, algumas cenas são longas demais (externas eram luxo naquela época), o que faz o filme parecer uma peça de teatro em alguns momentos.

As mulheres têm papéis importantes. A prostituição é tratada diretamente, mas não é citada, por incrível que pareça. Tem que ter uma boa percepção, principalmente a geração de hoje que está acostumada com tudo mastigado. Porém, a presença feminina na política já é motivada por essa fita, de quase oitenta anos atrás – algo interessante, pois só em 2008 os EUA tiveram uma chance real de ver uma mulher como Presidente da República.

Mesmo com tanta pompa e vencendo o prêmio máximo do cinema, Cimarron gerou um prejuízo ao estúdio R.K.O. de US$ 5,5 milhões (o que pela atualização inflacionária equivaleria hoje a US$ 58 milhões). Até hoje é a única produção vencedora do Oscar de Melhor Filme a ter trazido prejuízo a seus realizadores, mesmo com excelentes críticas na época. Um reflexo da Grande Depressão, que detonou com o bolso do público norte-americano. Também foi o primeiro a ter alcançado o feito de obter indicações nas cinco categorias principais (Filme, Diretor, Ator, Atriz e Roteiro). Aliás, o único da R.K.O. a ter o prêmio máximo, já que o estúdio apenas distribuiu Os Melhores Anos de Nossas Vidas em 1946 (produção de Samuel Goldwyn).

Se julgasse o longa na sua época creio que este ganharia de 7 para cima. Mas, como eu tenho que tratar todos os filmes igualmente, minha nota é 5. Não consigo achar esse faroeste tão interessante. A nota pode parecer baixa para um vencedor do Oscar, mas é justa. Nota 5

Filmes comentados em 2009: 128
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 128

Sem Novidades No Front

2009-11-09T16:42:00.004-02:00

Estreia - 15/09/1930 - Sem Novidades No Front se passa nas trincheiras alemãs em meio à interminável 1ª Guerra Mundial. O objetivo do roteiro adaptado do livro de Erich Maria Remarque (que foi cogitado para o papel do protagonista ao lado de Douglas Fairbanks Jr.) já se mostra claro na introdução ao filme: mostrar o grau de destruição e estupidez de uma guerra desse tamanho, extremamente cansativa e capaz de multiplicar o número de mortos em pouco tempo.

Por poucos minutos um grupo de moradores de uma cidade alemã parece feliz com a vida que leva, sendo o carteiro do local uma das pessoas mais populares, sempre sorrindo e tratando as pessoas de maneira cordial e amiga. Porém, a promessa (que sempre se repete nas guerras) de um conflito breve, que ajudaria muito o país, fez com que a Primeira Guerra Mundial conquistasse apoio popular em seu momento inicial (outra constante em conflitos deste porte). Sendo assim, milhares de jovens se alistam para a admiração das mulheres e desespero dos pais.

O diretor Lewis Milestone, em poucos minutos, dá essa visão geral, ampla, rápida e muito eficiente da história que pretende contar. A virada acontece quando o grupo de jovens alemães no qual Sem Novidades No Front focará começa seus treinamentos para irem para as trincheiras. O carteiro assume seu cargo de Oficial de alta patente que fica revoltado ao não conseguir angariar o respeito digno desta patente que carrega, deixando para trás os anos em que tratou aqueles jovens como iguais.

Milestone já contava com quinze produções em seu currículo e havia se destacado dois anos antes do lançamento de Sem Novidades no Front com os longas Two Arabian Knights (pelo qual venceria o prêmio de Melhor Diretor no primeiro ano do Oscar) e The Garden of Eden, ambos com a mesma temática. Sua investida em filmes de guerra foi muito bem sucedida já que Sem Novidades no Front foi o grande campeão do Oscar em 1931, levando os prêmios de Melhor Filme e justamente Melhor Diretor (com indicações para Roteiro e Fotografia). No ano seguinte o diretor seria lembrado por Última Hora. Destacar-se-ia mais ao final de sua carreira as produções Caminhada Sob o Sol (1945), a primeira versão de Onze Homens e Um Segredo (1960) e a segunda de O Grande Motim (1962).

O grande mérito de Lewis Milestone foi trazer um espetáculo visual pouco visto no cinema, mesmo oitenta anos depois do lançamento de Sem Novidades no Front, somada a uma mensagem direta e bem mandada, tanto que este é considerado um dos maiores filmes pacifistas de todos os tempos. Pegue como exemplo o treinamento pesado pelo qual passam os novos soldados. Quantas releituras foram feitas daquelas cenas no contexto de qualquer outra guerra posterior? Sendo gastos mais de um milhão de dólares (superprodução na época), as filmagens começaram poucos meses após o crack da bolsa de Nova York, atitude coragem da Universal, recompensada com o título de filme do ano.

Os momentos nas trincheiras e os tiroteios, com direção e produção muito bem realizadas, impressionam o espectador de hoje. O elenco parece familiarizado com o som, que ainda engatinhava no cinema à época (uma versão muda do longa seria exibida em circuito reservado no ano de 2003). O ambiente claustrofóbico que afeta a mente daqueles Oficiais, o pesadelo e inferno que viram suas vidas inserem o drama na batalha, mostrando a linguagem moderna na qual Sem Novidades no Front dialoga com quem o assiste. A direção é ousada, com a câmera no meio da ação (como Hollywood conseguia realizar coisas assim no final da década de 1920?) e as batalhas coreografadas (em cortes longos) utilizando mais de dois mil figurantes engana quem arrisca dizer que o longa é trinta ou até quarenta anos mais novo. A ausência de trilha sonora foi proposital para que o público prestasse ainda mais atenção no que estava querendo ser passado ali.

Mesmo no momento em que o roteiro separa um pouco do tempo para tratar dos reflexos da Guerra, como as mortes lentas e dolorosas e as amputações e mutilações sofridas por milhares de jovens, o ritmo do filme cai. Para quem gosta de cinema, bolei uma tese de que Sem Novidades no Front e Os Melhores Anos de Nossas Vidas (outro vencedor do Oscar de Melhor Filme, que será trazido ao blog daqui a alguns dias) se completam. O mais antigo trata de toda a fase pré e durante a Guerra se passando na IGG e o segundo mostra a volta para a casa das verdadeiras vítimas da IIGG.

Mas a pérola do roteiro é o contraponto entra as duas cenas ocorridas numa sala de aula. A primeira mostra o professor motivando aqueles jovens a irem lutar pelo seu país. A segunda mostra o mesmo professor convidando para algumas palavras o único que retorna para a casa (e que depois retornaria ao front), recebendo em troca um discurso de revolta, criticando duramente a maneira selvagem com a qual o homem deseja solucionar os problemas entre nações.

Destaco também a reflexão de um dos soldados em frente ao amigo morto, mostrando mais uma vez o peso e a grandeza do roteiro de Sem Novidades no Front. Passando por outros ambientes (como os raros momentos de diversão das tropas com bebidas e mulheres; e os hospitais improvisados, que são verdadeiras prévias do inferno) só faltava ao longa um epílogo seco e poético. E ele está lá. Sem dúvida é um dos filmes de guerra que mais me impressionou positivamente, se revelando um dos grandes destaques do gênero.

Pena que a Humanidade não entendeu a mensagem tão pertinente há oitenta anos, mas infelizmente tão atual. O maior exemplo é que quando Sem Novidades no Front estreou na própria Alemanha, os Nazistas interrompiam a projeção para inserir propagandas de sua Doutrina. Já o ator Lew Ayres, que pegou gosto pela mensagem anti-guerra, estrelaria outros filmes sobre o assunto. Tais filmes seriam banidos dos cinemas de Chicago no momento em que os Estados Unidos se preparavam para entrar na Segunda Guerra Mundial. Além disso, Sem Novidades no Front se encontrou banido na Itália até 1956. Nota 10

Filmes comentados em 2009: 127
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 127

Melodia na Broadway (1929)

2009-11-05T22:18:00.004-02:00

Estreia – 1/2/1929 (nos EUA) – Melodia na Broadway é um dos filmes (se não for o filme) mais fraco a ter no currículo o título de vencedor do Oscar de Melhor Filme. Digo isso porque já li crítico de cinema especializado em Oscar admitir que o cinéfilo que nunca assistiu à produção laureada em 1930 não precisa se lamentar.

O principal mérito a ser registrado fica por conta de ser tal filme o primeiro musical totalmente falado – já que O Cantor de Jazz era um longa sem falas e algumas poucas canções. Melodia na Broadway também inaugurou o playback, quase sem querer. A cena de “Wedding of the Painted Doll” foi filmada originalmente em duas cores (em corte que se perdeu, o que faria da produção a primeira colorida a receber o prêmio máximo de Hollywood). Porém, a coreografia foi rejeitada pelo estúdio. Sendo assim, a cena foi filmada novamente, mas utilizando a gravação antiga. Nasceu o playback e foi essa a melhor coisa que aconteceu, já que o som das outras cenas deixa a desejar.

Melodia na Broadway, apesar de ser hoje um filme pouco visto, foi um estouro de bilheteria. Com ingressos à época custando 35 centavos de dólar conseguiu lucro acima de 4 milhões – o que dá mais de 11 milhões de bilhetes vendidos e mostra a enorme diferença do apelo do cinema no Brasil (onde Titanic, o filme que mais levou gente para a frente da tela grande, vendeu 18 milhões de ingressos) e Estados Unidos (que há oitenta anos atrás levava quase o mesmo número de pessoas para ver um filme).

O sucesso fez com que Melodia na Broadway virasse uma série, com produções em 1935, 1938 e 1940 – todas estreladas por Eleanor Powell, ao lado de Robert Taylor nos dois primeiros e Fred Astaire no terceiro. Todavia, o elenco do “longa de origem” está longe de ser inesquecível. O roteiro conta a história de Eddie, cantor e compositor que prepara uma música para um show da Broadway e convida sua noiva Hank e a irmã desta, Queenie (as Irmãs Mahoney) dupla de sucesso do outro lado do país, para interpretar a canção na Meca do teatro americano.

Eddie é interpretado por Charles King, que depois de fazer sete filmes nos primeiros cinco anos da carreira, abandonou o cinema e rodou o país fazendo shows. Morreu de pneumonia no meio da 2ª Guerra Mundial, que contraiu ao fazer uma de suas apresentações para entreter as tropas. A irmã mais nova, Queenie, é vivida por Anita Page, que faleceu ano passado aos 98 anos. Depois de realizar dezenas de filmes até os 25 anos, virou presença rara no cinema. Já Hank é interpretada por Bessie Love, que teve carreira mais ativa e terminou a carreira com 138 trabalhos entre cinema e televisão, sendo indicada ao Oscar de Melhor Atriz por esse filme.

O início do filme, mostrando uma espécie de academia de dança, lembra um pouco Fama. A imagem panorâmica de Nova Iorque, logo após os créditos, foi “copiada” em outras produções, como Amor, Sublime Amor. Porém, não creio que Melodia na Broadway tenha servido de inspiração para nenhum desses longas posteriores. Com canções simples, a maioria dos números de dança longe de serem grandiosas e o foco do roteiro no triângulo amoroso entre as Mahoney e Eddie pouco se aproveita da história.

O compositor sempre gostou de Hank e enxergava em Queenie uma criança. Mas, como todos sabem, as crianças crescem... Queenie se torna uma mulher mais bonita, talentosa e simpática que a irmã mais velha. Quando Hank é cortada do número musical, esta ainda precisa assistir Queenie, cheia de vida, experimentar o sucesso solo. Porém, em vez de amargurada, Hank se mostra uma pessoa totalmente compreensiva, sem o desejo de guardar qualquer rancor – mesmo vendo seu noivo dando em cima da irmã sem nem disfarçar e a ponto de proibir Queenie de sair com um bon-vivant que fica cortejando a moça.

No número musical que utiliza playback (apresentado de maneira totalmente avulsa – sem ligação com o restante do roteiro) ainda podemos perceber um esboço de grande musical. No restante do tempo o fã do gênero deve se interessar apenas pela primeira metade em que é mostrada várias fases da produção de um show: composição, escolha do elenco, roupas, cenários, coreografias, noite de estréia, repercussão, etc. Além disso, claro, Melodia na Broadway praticamente inaugura o gênero e merece um registro.

A MGM fez uma homenagem a uma figura da época e cutucou outra. O sobrenome do produtor do show, Zanfield, é uma clara referência a Ziegfeld, mentor de grandes Follies na Broadway da época e personagem de outro filme vencedor do Oscar de melhor filme (Ziegfeld, o Criador de Estrelas – muito melhor que Melodia na Broadway). Já o “vilão” recebeu o nome de Jock Warriner, referência a Jack L. Warner, “cabeça” da Warner Bros e grande concorrente da MGM naquele tempo (Melodia na Broadway foi o primeiro filme falado deste estúdio).

Ironicamente hoje quem detém os direitos do catálogo da MGM é justamente a Warner, que possibilita às novas gerações assistir até mesmo o filme que tirava sarro da ex-concorrente. O gênero musical evoluiu tanto que é normal que se conclua que é dispensável uma sessão desse Melodia na Broadway. Dispenso até o corte original, dez minutos mais longo. Nota 4

Filmes comentados em 2009: 126
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 126

Morte em Veneza

2009-11-04T23:54:00.003-02:00

Estreia – 17/06/1971 – Para os radicais, os simplistas e os impacientes, Morte em Veneza será descrito como o filme de um homem que, após a perda da mulher e da filha, vaga pela Europa até descobrir sua homossexualidade ao se apaixonar por um adolescente. Ou seja, a temática gay de maneira mais velada do que o cinema atual e o toque de sensualidade juvenil típico de Lolita, outro filme baseado em outro livro essencial do século passado.

O livro de Thomas Mann, publicado em 1912 é (dizem) extremamente complexo e de difícil leitura. A produção de 1971, dirigida por Luchino Visconti, também requer total atenção do espectador, que na maioria das vezes opta por viajar por outros caminhos ao longo das duas horas e dez minutos, deixando Visconti e Mann falando sozinhos na sala.

O primeiro era, à época, diretor com quase 30 anos de carreira (indicado ao Oscar dois anos antes pelo roteiro de Os Deuses Malditos) e já tinha realizado suas obras mais conhecidas, como Rocco e Seus Irmãos, O Leopardo e Noites Brancas. Finalizaria apenas três outros filmes após Morte em Veneza, falecendo cinco anos depois. O segundo, que morreu quinze anos antes do início da produção, venceu o Nobel de Literatura em 1929 e, dizem, teve sua homossexualidade reprimida desde os quinze anos de idade, utilizando a escrita para exorcizar seus demônios.

Depois de encher você de três parágrafos de informações que nada dizem sobre o que achei sobre Morte em Veneza o caro leitor se pergunta: mas ele gostou ou não gostou do filme? Olha... Eu... Não gostei muito não. Há belas imagens, interpretação incrível de Dirk Bogarde (em papel que marcou sua carreira e quase foi de Burt Lancaster) e um ar contemplativo, intrigante e sensual que prende a atenção de quem não busca apenas entretenimento ao assistir um filme. Porém, uma produção desse tipo, com tudo para ser inesquecível, precisa ser arrebatadora.

Aliás, abro espaço para duas curiosas notas de produção. A primeira aconteceu na premiére do filme, quando Tom Couternay disse que Alec Guinness deveria ter interpretado Gustav, informando que com ele o público acreditaria que o protagonista era um grande compositor, imagem que ele não conseguia enxergar em Dirk Bogarde. Creio que Tom estava apenas puxando sardinha para aquele que deve ter virado seu amigo nas filmagens de Doutor Jivago, lá pelos idos de 1964. A outra nota fica por conta de uma declaração do ator Mark Burns que interpreta Alfred e, anos depois, contou que nunca entendeu o significado dos seus diálogos – que ironicamente achei os mais interessantes.

Quando Morte em Veneza merece aplausos apenas por ser correto e diante do fato de não divertir, mas também não despertar qualquer sentimento de forma mais latente, é sinal que a algo ali deixou a desejar. Porém, destaco a maneira como o protagonista Gustav é pintado logo nos primeiros dez minutos por Visconti, sem a necessidade de qualquer diálogo. O viajante profundamente abalado vai passeando por cenários (navio, gôndola, hotel, praia) enquanto poucos flashbacks abrem o leque e explicam o porquê da aflição daquele homem. Destaco também a incrível trilha sonora utilizada de forma brilhante durante todo o tempo.

Minha idéia era tratar do roteiro mais detalhadamente, até desmistificando um pouco Morte em Veneza e incentivando os poucos que se arriscam a ler meus textos a assistir. Creio que não é necessário alongar tanto assim o texto. Qualquer resenha ou sinopse do livro e do filme já conta que Gustav era um homem extremamente introspectivo, que criou um ideal de beleza e perfeição que só encontra na figura do garoto Tadzio, que além de bonito é afeminado e gosta de se insinuar para o coroa.

O tema difícil somado à temática polêmica fez com que Morte em Veneza fosse lembrado apenas na categoria Figurino do Oscar. Ironicamente o filme da “bicha velha” não emocionou tanto assim as “bichas velhas”. Porém, no Velho Continente a produção foi mais bem reconhecida com quatro BAFTAs (em categorias técnicas) e outras três indicações (filme, diretor e ator); indicação à Palma de Ouro em Cannes e um prêmio especial à Visconti dado pelos 25 anos deste Festival.

Eu sei que tenho que quase pedir desculpas por dar uma nota que muitos consideram baixa (eu considero nota de filme bom-muito bom) para filme tão badalado. Mas, minha opinião não é dada só para agradar, mas para retratar minhas impressões. Acho que Morte em Veneza poderia sim render mais, principalmente com uma atuação melhor de Björn Andrésen, que faz Tadzio e foi dublado (mesmo sendo característica do personagem o ar andrógino). Espero ter me expressado de maneira menos complexa que Mann e Visconti – mesmo sem ser nem um pouco brilhante. Nota 5

Filmes comentados em 2009: 125
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 125

Faça a Coisa Certa

2009-11-03T23:54:00.004-02:00

Estreia – 30/06/1989 – Faça a Coisa Certa, inspirado em um evento real e com título inspirado em frase de Malcom X, é um filme que dialoga pouco com o público brasileiro. Aliás, o longa que revelou ao mundo Spike Lee (indicado ao Oscar de Melhor Roteiro) é puro cinema americano para os americanos – apesar de Cannes ter listado a produção entre as indicados à Palma de Ouro. Há pontas de início de carreira de Samuel L. Jackson, Rosie Perez (em sua única cena de nudez, já que a mesma se negou a repetir a experiência na carreira) e Martin Lawrence.

O roteiro situa o espectador na pobre região do Brooklyn, na Nova Iorque do final da década de 1980 no dia mais quente do ano. Negros, hispânicos, asiáticos e italianos vivem em constante tensão enquanto racionam água e luz. Spike Lee, mesclando a história com o som do hip-hop, pinta a rotina de diversos personagens nos primeiros minutos de Faça a Coisa Certa, tornando o filme pouco interessante para aqueles que nada sabem sobre ele, desconhecendo sua importância. Mesmo assim é inegável a excelente direção do ora novato, incluindo cenas com diálogos inteiros improvisados (os maiores exemplos são as cenas do trio de negros de meia-idade que conversam na calçada, trazendo um toque de humor a Faça a Cosia Certa).

Porém, quando a história se foca na Pizzaria do Sal (Dannny Aiello, indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante em papel que não foi aceito por Robert de Niro) por volta dos quinze minutos, é possível traçar de maneira mais objetiva o que pretende o diretor e roteirista. Quando um dos clientes da pizzaria de propriedade de italianos, mas freqüentada exclusivamente pelos negros questiona a “parede da fama” do local, abre-se a porta da discussão racial.

Sal se orgulha dos descendentes de italianos que venceram na América, como Al Pacino, Robert de Niro e John Travolta, mas uma voz da comunidade local começa a questionar o porquê de limitar a homenagem a apenas um dos grupos de imigrantes, já que na região diversas etnias convivem harmoniosamente sendo os negros, inclusive, maioria.

Os dois filhos de Sal se dividem: enquanto o mais velho deseja se mudar do Brooklyn e não se envolver mais com negros, o mais novo se mostra mais compreensivo, fazendo amizade com Mookie, o entregador de pizzas negro, interpretado pelo próprio Spike Lee e responsável por ligar as pontas da história (para ao final rompê-las de maneira abrupta).

O grande mérito de Lee foi levar os problemas de seus pares à tela grande de maneira atraente. É o típico “filme-símbolo”, com personagens e trilha que não sairá fácil da memória de quem assiste (principalmente Fight The Power, do Public Enemy). O reflexo se encontra na cultura pop atual, que investe grande parte de suas energias em artistas negros, principalmente na música. Faça a Coisa Certa possui roteiro dinâmico, é simpático, mas talvez tenha envelhecido para o grande público, que talvez não o considere tão atraente.

Destaco Ossie Davis no papel de Prefeito e os fortes argumentos a favor dos negros embutidos no roteiro, como no momento em que Mookie convence o filho mais velho de Sal, Pino (John Turturro, em papel que Lee queria que fosse de Matt Dillon), de que grandes referências modernas – não só culturais – são de pessoas de cor, como Nelson Mandela, Michael Jordan, Eddie Murphy e Michael Jackson.

Mas não espere uma história que retrate negros apenas como segregados e injustiçados. Spike Lee se preocupa em apontar alguns defeitos, cutucando a própria ferida. O principal deles é a falta de mobilização, como uma espécie de acomodação com o preconceito que neles recai. Percebe-se isso no boicote proposto por Buggin’ Out (Giancarlo Espósito, que ironicamente descende de italianos) que só consegue a adesão de duas pessoas. É deste personagem o famoso bordão “continue preto”. Mesmo sem qualquer perspectiva, a maioria dos abastados ali não procura uma mudança efetiva.

Porém, a ausência daquele diálogo que seria aberto com o tal boicote gera uma conclusão surpreendente do roteiro. A princípio, Spike Lee pode parecer instigar o ódio, mas sua mensagem ao fim entrega a interpretação que o diretor busca: mostrar um extremo para provocar uma reflexão. Vinte anos após o lançamento, observa-se facilmente como a cultura hip-hop e os anseios do povo que a criou restam-se totalmente descaracterizados. Como disse no início, Faça a Coisa Certa não dialoga com o público a qual me insiro, mas é perfeitamente possível admirar tal filme. Nota 7

Filmes comentados em 2009: 124
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 124

Oscar - Melhor Filme

2009-11-02T23:32:00.014-02:00

Começamos mais uma maratona aqui no blog. Até o final desse ano e o início do ano que vem, assistirei 75 dos 81 vencedores do Oscar ainda não comentados aqui - incluindo um texto melhor sobre Onde os Fracos Não Têm Vez. Ao longo dos dias também colocarei, a exemplo do Movie Awards e do Festival de Cannes, a lista com vencedores e meus comentários.

Convido o leitor a clicar do lado esquerdo da tela no Índice Geral de Prêmios, que será atualizado constantemente com os meses em que o blog ficou parado.

Geralmente eu faço meus comentários sobre a lista dos vencedores nos posts - tratando de justiças e injustiças e contando algumas curiosidades. Porém, como já tratarei de dezenas de categorias (atuais e extintas) e acabo de me comprometer a assistir TODOS os filmes pelas próximas semanas, deixo vocês com a lista em que se pode clicar no nome dos longas para ler meus comentários, voltados ao fato da produção ter vencido o prêmio que é considerado o mais importante do cinema.

Passo a comentá-los (exceto os que já falei em posts anteriores) por ordem cronológica, do primeiro vencedor ao último:

Ano	Filme
1929	Asas
1930	Melodia da Broadway
1931	Sem novidade no Front
1932	Cimarron
1933	Grand Hotel
1934	Cavalgada
1935	Aconteceu naquela noite
1936	O grande motim
1937	Ziegfeld, o criador de estrelas
1938	Emile Zola
1939	Do mundo nada se leva
1940	E o vento levou...
1941	Rebecca, a mulher inesquecível
1942	Como era verde o meu vale
1943	A rosa Miniver
1944	Casablanca
1945	O bom pastor
1946	Farrapo humano
1947	Os melhores anos de nossas vidas
1948	A luz é para todos
1949	Hamlet
1950	A grande ilusão
1951	A malvada
1952	Sinfonia de Paris
1953	O maior espetáculo da Terra
1954	A um passo da eternidade
1955	Sindicato de ladrões
1956	Marty
1957	A volta ao mundo em 80 dias
1958	A ponte do Rio Kwai
1959	Gigi
1960	Ben-Hur
1961	Se meu apartamento falasse
1962	Amor, sublime amor
1963	Lawrence da Arábia
1964	As aventuras de Tom Jones
1965	My fair lady
1966	A noviça rebelde
1967	O homem que não vendeu sua alma
1968	No calor da noite
1969	Oliver!
1970	Perdidos na noite
1971	Patton, rebelde ou herói?
1972	Operação França
1973	O poderoso chefão
1974	Golpe de mestre
1975	O poderoso chefão - parte II
1976	Um estranho no ninho
1977	Rocky, um lutador
1978	Noivo neurótico, noiva nervosa
1979	O franco-atirador
1980	Kramer vs. Kramer
1981	Gente como a gente
1982	Carruagens de fogo
1983	Gandhi
1984	Laços de ternura
1985	Amadeus
1986	Entre dois amores
1987	Platoon
1988	O último Imperador
1989	Rain man
1990	Conduzindo Miss Daisy
1991	Dança com lobos
1992	O silêncio dos inocentes
1993	Os imperdoáveis
1994	A lista de Schindler
1995	Forrest Gump, o contador de histórias
1996	Coração valente
1997	O paciente inglês
1998	Titanic
1999	Shakspeare apaixonado
2000	Beleza americana
2001	Gladiador
2002	Uma mente brilhante
2003	Chicago
2004	Senhor dos anéis III - o retorno do Rei
2005	Menina de ouro
2006	Crash, no limite
2007	Os infiltrados
2008	Onde os fracos não tem vez
2009	Quem quer ser um milionário?

2010 Guerra ao Terror
2011 O Discurso do Rei

Filmes comentados: 15
Filmes para comentar: 68

Aviso aos Visitantes

2009-10-29T23:55:00.000-02:00

Caros visitantes,

O Blog do JJ está de volta. Depois de alguns meses sem atualizar, retomei o gosto para falar de cinema. Não estranhe os posts abaixo do meu texto sobre Michael Jackson - This Is It. Separo os meses de Junho a Outubro para posts que farão parte do Índice Geral de Prêmios - que você acompanha no lado esquerdo da tela - por isso a grande distância (que aumentará ainda mais) dos comentários dos próximos dias para os 122 primeiros filmes do blog.

Nesse período sem atualização assisti a excelentes filmes, mas não escrevi sobre eles. Os últimos dois meses de 2009 servirão de teste para ver se consigo atualizar e manter o blog da maneira que eu quero, por isso poucos filmes atuais merecerão comentários, já que meu tempo é escasso.

Minha pretensão é catalogar o maior número de prêmios possíveis (Oscar, Globo de Ouro, Veneza, Berlin, entre outros) e fazer uma maratona com os 81 longas que venceram a categoria de melhor filme na história do Oscar. Assim vou enchendo o blog de grandes produções antigas já que não vou conseguir atingir o objetivo de falar sobre todos longas que se destacaram em 2009.

Minha intenção é fazer isso da melhor maneira possível em 2010. Por isso peço compreensão ao longo dos próximos dois meses, já que muita "velharia" (na visão de alguns, na minha opinião clássicos que precisam ser assistidos) vai desfilar por aqui. Prometo comentar uma coisa mais nova ou outra e falar de algumas notícias.

Sete dos 81 filmes já possuem comentários aqui, mas vou refazer meu texto sobre Onde os Fracos Não têm Vez por ter este não mais do que poucas linhas. Dificilmente conseguirei assistir e escrever sobre 75 filmes em 61 dias. Minha ideia é chegar em Fevereiro, mês da Corrida do Oscar com todos os comentários. Para tristeza de muitos, minha programação vai seguir a ordem cronológica. Como o primeiro vencedor do Oscar de melhor filme em 1929, Asas, se encontra devidamente comentado, passarei para o de 1930, Melodia na Broadway e por aí vai.

Obrigado pela visita e agradeço aos novos seguidores. A partir do final de semana serão atualizações constantes, se tudo correr bem. Vocês também me encontram no meu Twitter. Fiquem à vontade para comentar.

Michael Jackson - This Is It

2009-10-29T23:44:00.004-02:00

Estreia - 28/10 - Só mesmo a lenda chamada Michael Jackson para me fazer sair do trabalho e encarar um cinema em um dia de uma semana cansativa para assistir a um documentário que fala quase tudo que eu já sei.

Eu não tenho dúvida de que Michael Jackson é o artista que eu mais vi, ouvi e quis ser na vida. Mesmo sendo fascinado por cinema, vai ser difícil um ator ou uma atriz ser tão celebrado por mim do que MJ. Talvez porque só ele conseguiu unir batida, letra, música, dança, imagens - de maneira que nem na música nem no cinema se encontre alguém como ele.

Trago esse texto de retorno do blog para o lado pessoal primeiro porque não tem como analisar This Is It como um filme. É incomparável a sensação de ver seu maior ídolo, que morreu há tão pouco tempo, pela primeira vez na tela de um cinema. Segundo porque não tive a oportunidade de escrever nada sobre Michael Jackson quando este faleceu e aproveito a oportunidade.

This Is It não é filme, nem mesmo documentário. É um recorte de mais de cem horas de gravação, encomendadas pelo próprio artista, documentando apenas os ensaios daquela que seria a volta do Rei do Pop aos palcos. Porém, quem vai ao cinema tem a exata noção da importância desse artista.

Na maioria do tempo, como em todas as vezes que vi algo relacionado a Michael Jackson desde sua morte, o sentimento foi de tristeza. Não só pelo fim da vida de pessoa tão interessante e que eu tanto admiro. A tristeza maior é pelo que Michael Jackson, o homem (e não o mito) deixou de viver por culpa do sucesso precoce e de todos os fatores que a maioria conhece e que não preciso elencar. Como fomos injustos com MJ e que pena que o perdemos tão cedo.

Como disse anteriormente não há no mundo artista que eu conheço melhor que MJ. Todos os discos, clipes, músicas, tudo. Porém, nunca me canso de ver as performances do cantor. A imagem de Michael Jackson nunca soa desgastada. Nem em This Is It, que estreia em um momento em que o mundo consome Michael Jackson há meses e, no que diz respeito às músicas e às danças, pouco ou quase nada de novo é trazido pelo filme.

Depois do morno começo com Wanna be Startin' Something e Jam (talvez pelo surpreendente silêncio dos primeiros momentos, algo raro em uma sala de cinema lotada), o primeiro indício de que This Is It se transformaria em um show inesquecível é o efeito da multiplicação dos dançarinos em They Don't Care About Us.

Os acordes de Human Nature me fazem lembrar pela primeira vez do velório do artista - momento em que John Mayer utilizou-se dos mesmos acordes para homenagear MJ. Há partes divertidas e surpreendentes como o "triângulo amoroso" entre Michael, uma Rita Hayworth no papel de Gilda e Humphrey Bogart em Smooth Criminal - quando o telão materializa Nova York.

Partes de reflexão como o momento em qual MJ se preocupa em passar a mensagem de proteção à natureza (uma das bandeiras do artista ao lado de sua preocupação com as crianças, que só aparecem ao final dos créditos), com espaço para as belas imagens de Earth Song no telão que prometia revolucionar as apresentações musicais.

Há também a versão 3D de Thriller "encontra Tim Burton", que seria um dos pontos altos do show. Porém, depois de tudo o que aconteceu nos últimos meses, a emoção maior - pelo menos para mim e para o público da sessão - aconteceu em I'll be There (na parte em que MJ fazia referência aos primeiros anos da carreira ao lado dos irmãos), uma de suas canções que tem sido mais executada e que mais faz sentido após sua morte.

O blogueiro que vos fala não sairia com uma gota de insatisfação dos shows da turnê de This Is It, pois suas músicas preferidas, The Way You Make me Feel e Man In The Mirror, estavam garantidas. A grande revelação ficaria por conta da bela guitarrista (perdão por não saber o nome), que arrebenta em Beat It e Black Or White.

Nos poucos momentos em que a música não rola, um Michael Jackson carinhoso, sempre calmo mesmo na busca pela perfeição, só aumenta a adoração do público por sua pessoa. O artista, diferente da maioria, queria que as músicas soassem como as versões dos discos, deixando os fãs confortáveis para cantar e dançar com ele cada segundo. Percebe-se muito bem isso ao final, quando ele executa os passos de Billie Jean da mesma forma que em 1984, quando chocou o mundo ao mostrar o Moonwalk pela primeira vez no show de 25 anos da Motown.

Não dá para se cansar de ouvir aquelas músicas e se o filme fosse dividido em 50 com todas as 100 horas de gravação disponíveis, ainda assim seria uma excelente programa assistir. Mas This Is It não é um filme, nem um documentário. É mais um recorte que se transformará em referências que se somam às outras que tenho de Michael Jackson - assim como o longa Moonwalker.

É apenas mais uma coletânea de performances perfeitas do artista de obra irretocável. Ao final, as pessoas na sessão efusivamente aplaudem. Não é o roteiro, a direção, a competência de Kenny Ortega, a simpatia dos dançarinos, a beleza da guitarrista. Nada. Todo mundo foi ali na esperança de ver talvez pela última vez algo inédito de seu ídolo, sendo a última chance de celebrar sua carreira.

Ironicamente o blog volta com um extenso (e por isso peço desculpas) e talvez cansativo, inútil, repetitivo e chato comentário sobre um filme que eu não considero filme. Por isso que abro uma exceção e não atribuo valor ao que vi. Michael Jackson, o artista que me apresentou à música, à dança, que me fez fã de canções bem interpretadas, de coreografias sem falhas, de efeitos especiais, de belas imagens (resumindo: fã de cinema) não pode ser avaliado por pessoa tão pequena. Sem nota

Filmes comentados em 2009: 123
Filmes lançados em 2009: 42
Total de filmes do blog: 123

MTV Movie Awards - Melhor Momento Boca-Suja

2009-06-08T18:00:00.000-03:00

Categoria de 2007 que reconhecia a capacidade dos cineastas que dialogam com o público jovem de apelar para o "besteirol falado" de maneira gratuita. O prêmio durou um ano e para mim premiou um dos maiores enganadores que passeia por Hollywood nos últimos anos: Kevin Smith. Fica o registro no final dessa maratona de posts. Que venha a próxima festa:

Ano	Filme

2007	O Balconista 2

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 1

MTV Movie Awards - Performance Mais Sexy

2009-06-08T12:00:00.000-03:00

Se você acha que já leu algo parecido, provavelmente deu uma passada nos posts que falavam da categoria "Homem mais Desejado" e "Mulher mais Desejada" - prêmios entregues de 1992 a 1996. Dez anos depois, uma tentativa de premiar algo parecido, em outro trofeu que durou apenas um ano. Por isso que considero os anos entre 2004 e 2007 muito ruins para o Movie Awards, onde a premiação se descaracterizou totalmente. Veja a única vencedora, no ano em que ela foi o centro das atenções em Hollywood:

Ano	Vencedora (Filme)

2006	Jessica Alba (Sin City)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 1

MTV Movie Awards - Melhor Heroi

2009-06-08T00:00:00.000-03:00

Reflexo dos constantes sucessos de bilheteria relacionados à adaptações de histórias em quadrinhos, a MTV criou esta categoria em 2006 que tem tudo a ver com a premiação. Porém, durou apenas um ano. Um pena, já que em 2009 teríamos um belo confronto: Batman, brigando pelo bicampeonato contra Homem de Ferro, a surpresa do ano. Quem sabe a MTV não volta com esse trofeu qualquer dia?

Ano	Vencedor (Filme)

2006	Christian Bale (Batman Begins)

Filmes comenatados: 0
Filmes para comentar: 1

MTV Movie Awards - Melhor Jogo Baseado em Filme

2009-06-07T12:00:00.000-03:00

Essa categoria até que não era das piores (mais uma que só durou um ano). Porém, não tinha muita relação com cinema. Fica o registro:

Ano	Jogo

2005	As Crônicas de Riddick

MTV Movie Awards - Melhor Performance Assustadora

2009-06-07T00:00:00.000-03:00

Parece categoria do Framboesa de Ouro, mas aqui performance assutadora quer dizer outra coisa. Basta olhar para a única vencedora do trofeu, Dakota Fanning em O Amigo Oculto:

Ano	Artista (Filme)

2005	Dakota Fanning (O Amigo Oculto)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 1

MTV Movie Awards - Prêmio Silver Bucket de Excelência

2009-06-06T12:00:00.000-03:00

Essa categoria, que infelizmente durou só um ano, trazia uma interessante proposta de resgatar antigos ícones da juventude. Escolheram muito bem a turma do Clube dos Cinco, mas parou por aí:

Ano	Vencedor

2005	Elenco do Clube dos Cinco

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 1

MTV Movie Awards - Melhor Sanduíche

2009-06-06T00:00:00.000-03:00

É por essas e outras que muita gente boa que gosta de cinema não leva o prêmio da MTV a sério. Olha essa bobeira, o Melhor Sanduíche:

Ano	Filme

1996	Cortina de Fumaça

Filmes assistidos: 0
Filmes para assistir: 1

MTV Movie Awards - Melhor Filme do Público Europeu

2009-06-05T12:00:00.001-03:00

Essa MTV é muito louca mesmo. Provavelmente na intenção de divulgar a marca no Velho Continente o Movie Awards deu a oportunidade aos europeus de escolherem um filme só deles, mas apenas no segundo ano do evento (1993). Enquanto os americanos optaram pelo excelente Questão de Honra, o outro lado do Pacífico ficou com o sucesso de público tanto nos cinemas quanto nas lojas de discos O Guarda-Costas:

Ano	Filme

1993	O Guarda-Costas

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 1

MTV Movie Awards - Melhor Filme de Verão que Você Ainda Não Viu

2009-06-04T00:00:00.003-03:00

Esse prêmio eu até achava interessante. Os eleitores se baseavam em suas expectativas para decidir qual longa deveria levar o trofeu. O mais engraçado é que eles acertaram em cheio: Transformers e Homem de Ferro foram quebraram tudo nas bilheterias semanas depois. Clique no nome dos filmes e leia meus comentários:

Ano	Filme

2007	Transformers
2008	Homem de Ferro

Filmes comentados: 1
Filmes para comentar: 1

MTV Movie Awards - Melhor Paródia

2009-06-04T00:00:00.001-03:00

Essa sem dúvida foi a pior categoria que já habitou a premiação da MTV. Não se dava trofeus aos filmes e sim às paródias feitas por sujeitos aleatórios. Incrivelmente a categoria durou dois anos e se você procurar no You Tube você vai achar esses curtas bizarros. Não espere comentários do blog sobre eles. Mais um prêmio para ser apenas registrado:

Ano	Vencedor (Video)

2007	Andy Signore (United 300)
2008	Zan Passante (I am Little)

MTV Movie Awards - Revelação Intercontinental

2009-06-03T12:00:00.000-03:00

A MTV gosta de mostrar toda a jovialidade de seu público e seus prêmios, sempre inventando categorias relacionadas à revelação. A grande inovação aconteceu em 2003 com esse trofeu de revelação intercontinental (?!), onde não só artistas de Hollywood, México e Canadá poderiam concorrer como também os ingleses, somalianos, egípcios e por aí vai... Em 2003 a MTV mandou muito bem ao premiar Colin Farrell - que depois de participação em Tigerland em 2000 se destacou em 2002 com A Guerra de Hart; Minority Report e Por umFio. Já em 2004 o trofeu foi para atriz de Sinplesmente Amor (curiosamente esta categoria não estava vinculada a nenhuma produção e o blog manteve mais essa esquisitice sem sentido), que hoja curte o anonimato em alguma praça. Sendo assim, fica registrada a categoria e dessa vez você não precisa clicar em nada:

Ano	Artista

2003	Colin Farrell
2004	Martine McCutcheon

MTV Movie Awards - Melhor Fala

2009-06-03T00:00:00.001-03:00

Mais uma categoria que durou apenas dois anos e nenhum dos dois vencedores entrará para a História do cinema - apesar de se tratarem de bons filmes. Fique com as duas falas que colocaram seu nome entre os ganhadores do balde de pipoca dourado e clique no nome deles para ler meus comentários:

Ano	"Frase" - Ator (Filme)

2001	"Are you a pothead, Focker?" - Robert de Niro (Entrando numa Fria)
2002	"Oh, I like your outfit too, except when I dress up as a frigid bitch, I try not to look so constipated" - Reese Witherspoon (Legalmente Loura)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 2

MTV Movie Awards - Revelação Feminina

2009-06-02T12:00:00.000-03:00

Premiar a relevação do ano já é uma característa de premiações jovens. Mas é um exagero dividir em duas essa categoria. Em 2009 a MTV fez essa tentativa, que não sei se vai durar. Cumprimos nosso dever e listamos abaixo os vencedores, você clica no nome do filme e lê meus comentários:

Ano	Atriz (Filme)

1992	(não houve prêmio nessa categoria)
1993	(não houve prêmio nessa categoria)
1994	(não houve prêmio nessa categoria)
1995	(não houve prêmio nessa categoria)
1996	(não houve prêmio nessa categoria)
1997	(não houve prêmio nessa categoria)
1998	(não houve prêmio nessa categoria)
1999	(não houve prêmio nessa categoria)
2000	(não houve prêmio nessa categoria)
2001	(não houve prêmio nessa categoria)
2002	(não houve prêmio nessa categoria)
2003	(não houve prêmio nessa categoria)
2004	(não houve prêmio nessa categoria)
2005	(não houve prêmio nessa categoria)
2006	(não houve prêmio nessa categoria)
2007	(não houve prêmio nessa categoria)
2008	(não houve prêmio nessa categoria)
2009	Ashley Tisdale (High School Musical 3: Ano de Formatura)

Filmes comentados: 1
Filmes para comentar: 0

MTV Movie Awards - Momento WTF

2009-06-02T00:00:00.002-03:00

Mais um prêmio sem noção da MTV - e que não deve durar muito. Em tradução livre, esse é o famoso prêmio "Melhor Momento Que P%$#@ é Essa?". Não precisa nem comentar, né? Veja a lista (não recomendo ver os filmes dado o provável excesso de imbecilidade) e clique no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Artista (Filme)

1992	(não houve prêmio nessa categoria)
1993	(não houve prêmio nessa categoria)
1994	(não houve prêmio nessa categoria)
1995	(não houve prêmio nessa categoria)
1996	(não houve prêmio nessa categoria)
1997	(não houve prêmio nessa categoria)
1998	(não houve prêmio nessa categoria)
1999	(não houve prêmio nessa categoria)
2000	(não houve prêmio nessa categoria)
2001	(não houve prêmio nessa categoria)
2002	(não houve prêmio nessa categoria)
2003	(não houve prêmio nessa categoria)
2004	(não houve prêmio nessa categoria)
2005	(não houve prêmio nessa categoria)
2006	(não houve prêmio nessa categoria)
2007	(não houve prêmio nessa categoria)
2008	(não houve prêmio nessa categoria)
2009	Amy Poehler (Uma Mãe para o Meu Bebê)

Filmes comentados: 1
Filmes para comentar: 0

MTV Movie Awards - Revelação Masculina

2009-06-01T00:00:00.001-03:00

Categoria que debutou esse ano no Movie Awards, sendo um dessobramento do prêmio de Revelação. Como quase tudo em 2009, deu Crepúsculo. Veja a lista abaixo e clique no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Ator (Filme)

1992	(não houve prêmio nessa categoria)
1993	(não houve prêmio nessa categoria)
1994	(não houve prêmio nessa categoria)
1995	(não houve prêmio nessa categoria)
1996	(não houve prêmio nessa categoria)
1997	(não houve prêmio nessa categoria)
1998	(não houve prêmio nessa categoria)
1999	(não houve prêmio nessa categoria)
2000	(não houve prêmio nessa categoria)
2001	(não houve prêmio nessa categoria)
2002	(não houve prêmio nessa categoria)
2003	(não houve prêmio nessa categoria)
2004	(não houve prêmio nessa categoria)
2005	(não houve prêmio nessa categoria)
2006	(não houve prêmio nessa categoria)
2007	(não houve prêmio nessa categoria)
2008	(não houve prêmio nessa categoria)
2009	Robert Pattinson (Crepúsculo)

Filmes comentados: 1
Filmes para comentar: 0

MTV Movie Awards - Atriz Mais Bem Vestida

2009-05-31T23:52:00.001-03:00

Mais uma categoria boba, que nada tem a ver com cinema - e que durou apenas dois anos. Não tem como negar que as duas vencedoras são conhecidas não só por serem atrizes muito competentes mas também pelo bom gosto ao se vestir (e das pessoas que as vestem). Veja a lista e clique no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Atriz (Filme)

2001	Jennifer Lopez (A Cela)
2002	Reese Witherspoon (Legalmente Loura)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 2

MTV Movie Awards - Melhor Aparição Rápida

2009-05-30T14:08:00.005-03:00

Mais uma besteira criada pela MTV que durou apenas dois anos. O "cameo", aparição rápida na tradução, dispensa apresentações, mas é um trofeu ridículo. Porém, retorspectiva é retrospectiva (e vice-versa). Veja os dois vencedores e clique no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Ator (Filme)

2001	James Van Der Beek (Todo Mundo em Pânico)
2002	Snoop Dogg (Um Dia de Treinamento)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 2

MTV Movie Awards - MTVu Cineasta Estudante

2009-05-30T14:01:00.006-03:00

Prêmio que durou dois anos, esse trofeu escolhia o melhor curta-metragem enviado pelos estudantes de cinema, uma bela iniciativa da MTV. Um dia eu prometo que tento assistir os dois e coloco meus comentários. Quando isso acontecer você clica no nome deles para ver o post:

Ano	Cineasta (Filme)

2006	Joshua Caldwell (A Beautiful Lie)
2007	Josh Greenbaum (Border Patrol)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 2

Morte Convida para Dançar

2009-05-29T16:34:00.015-03:00

Estreia - 11/4/2008 (nos EUA) - Os filmes de terror adolescente, que ganharam força na década de 1990, habitam as salas de cinema dos Estados Unidos constantemente. Ano passado, na época da entressafra da cerimônia do Oscar e das grandes estreias de verão a falta de opção fez A Morte Convida para Dançar arrecadar mais de 40 milhões de dólares.

O público fiel de jovens que não têm idade para ver filmes com excesso de violência nas telas não gosta de botar a cabeça para funcionar, por isso que Prom Night no original (que significa Baile de Formatura - que traduçãozinha, hein...) tem um roteiro de uma obviedade "emocionante". Com elenco liderado por Brittany Snow (22 anos interpretando uma colegial), o filme conta a história de uma jovem chamada Donna, vítima de um professor tarado que criou uma obsessão pela menina e acabou assassinando toda a família dela.

Três anos depois, morando com os tios do outro lado do país, Donna é uma adolescente normal, a exceção de alguns pesadelos e da necessidade de tomar remédios para ansiedade. Com um namorado e um grupo de amigos, ela vive naquelas escolas de contos de fadas, em que todos os alunos têm carro, dinheiro, são felizes, vão para a formatura de limusine e nenhuma espinha cresce no nariz. O roteirista J.S. Cardone deve ser mais um adulto que vivia à margem dessa vida e utiliza o poder da caneta para sacudir a vidinha desses jovens perfeitos.

O que você acha que vai acontecer? O professor (interpretado por Johnathon Schaech e indicado a melhor vilão no MTV Movie Awards de 2009 - veja os indicados clicando aqui) vai fugir da cadeia, ir atrás da menina e começar a matar quase todo o elenco? Será que não vai ter um detetive que chega sempre um pouco atrasado nos lugares? E a ordem das mortes? Será que quanto menos conhecido o ator, mais rápido ele vai morrer? Qual o nome desse filme mesmo? Pois é, o dessa semana é A Morte Convida para Dançar (no verão passado, ou no Halloween, ou numa sexta-feira 13).

Claro que o filme diverte, dá uns sustos e é até bem dirigido por Nelson McCormick, que depois de quinze anos de experiência na TV estreia nas telonas. Mas A Morte Convida para Dançar é um desafio à inteligência do espectador, porque não é possível que o elevador nunca chega, as vítimas sempre tropeçam e a jovem traumatizada pelo ataque de um assassino fique sempre sozinha nos lugares. O pior mesmo é uma amiga, que no meio de um baile de formatura em um hotel lotado, corre para as escadas e para o porão.

Eu sei que se não fosse por isso não haveria mais filme de terror. Mas a previsibilidade do longa faz com que, daqui a alguns meses, a maioria das pessoas se lembre mais dos olhos azuis de Brittany Murphy e dos absurdos do roteiro do que do nome do filme. Ah, eu não vou esquecer dos créditos finais acompanhados de um clipezinho de cenas anteriores, bem ao estilo tosco de alguns seriados dos anos 1980. Nota 4

Filmes comentados em 2009: 122
Filmes lançados em 2009: 41
Total de filmes do blog: 122

MTV Movie Awards - Melhor Performance Virtual

2009-05-29T15:53:00.008-03:00

Uma das muitas besteiras do Movie Awards foi a criação dessa categoria em 2003. Como no ano anterior o primeiro episódio de O Senhor dos Aneis teve como destaque o personagem Gollum, a MTV achou que seria uma tendência esse tipo de papel que mistura animação com a interpretação de um ator por trás. Mas viram que era um exagero e depois de premiar o próprio Gollum no ano seguinte, o trofeu foi extinto. Clique no nome do filme quando tiver meu comentário:

Ano	Vencedor (Filme)

2003	Gollum (O Senhor dos Aneis 2: As Duas Torres)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 1

MTV Movie Awards - MTV Generation

2009-05-29T15:49:00.006-03:00

Com a intenção de retornar o prêmio pelo conjunto da obra, a MTV criou esse trofeu em 2005 e o resultado tem sido dos melhores. A "geração MTV" (que deve ser a minha, já que a de hoje é chamada de "geração Google") é representada pelos atores que você vê na lista abaixo - sem clicar em nada:

Ano	Vencedor

1992	(não houve prêmio nessa categoria)
1993	(não houve prêmio nessa categoria)
1994	(não houve prêmio nessa categoria)
1995	(não houve prêmio nessa categoria)
1996	(não houve prêmio nessa categoria)
1997	(não houve prêmio nessa categoria)
1998	(não houve prêmio nessa categoria)
1999	(não houve prêmio nessa categoria)
2000	(não houve prêmio nessa categoria)
2001	(não houve prêmio nessa categoria)
2002	(não houve prêmio nessa categoria)
2003	(não houve prêmio nessa categoria)
2004	(não houve prêmio nessa categoria)
2005	Tom Cruise
2006	Jim Carrey
2007	Mike Myers
2008 2009	Adam Sandler Ben Stiller

MTV Movie Awards - Revelação

2009-05-29T15:43:00.006-03:00

Entre 1992 e 1998 a MTV deu apenas um Movie Awards para a revelação do ano. De 1999 que começou o exagero e o prêmio foi dividido entre "revelação feminina" e "revelação masculina" continuando assim continua até hoje. Uma curiosidade: em 1993 houve uma rara concordância entre Movie Awards e Oscar, já que Marisa Tomei venceu os dois prêmios (revelação e atriz coadjuvante) por sua atuação no hilário Meu Primo Vinny. Essa lista que você vê abaixo é bem interessante e a maioria dos atores vingaram. Veja e clique no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Ator (Filme)

1992	Edward Furlong (O Exterminador do Futuro 2)
1993	Marisa Tomei (Meu Primo Vinny)
1994	Alicia Silverstone (Paixão sem Limite)
1995	Kirsten Dunst (Entrevista com o Vampiro)
1996	George Clooney (Um Drink no Inferno)
1997	Matthew McConaughey (Tempo de Matar)
1998	Heather Graham (Boogie Nights - Prazer sem Limites)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 7

MTV Movie Awards - Conjunto da Obra

2009-05-28T23:00:00.006-03:00

Esse é um dos prêmios mais sem noção que a MTV já deu. A ideia interessante de escolher um personagem ou ator pop que marcou presença no cinema não deu muito certo. Depois de começar com Jason e Os Três Patetas, a coisa ficou meio estranha quando Shaft e Jackie Chan saíram premiados. Até que o Movie Awards foi dado a dois monstros, literalmente. Quando o eterno escada Clint Howard venceu, acharam melhor parar. O conceito voltaria com o trofeu MTV Generation, de uma forma muito mais legal (e será objeto de um post próprio). Veja os vencedores, mas não clique em nada:

Ano	Vencedor

1992	Jason Voorhees (vilão da série Sexta-Feira 13)
1993	Os Três Patetas
1994	Richard Roundtree (pela trilogia original de Shaft)
1995	Jackie Chan
1996	Godzilla
1997	Chewbacca (pela trilogia original de Star Wars)
1998	Clint Howard

MTV Movie Awards - Atriz Mais Desejada

2009-05-28T22:56:00.004-03:00

Seguindo o post anterior, vamos ao lado feminino do prêmio. Nos cinco anos em que esse trofeu foi dado, Kim Bassinger e Demi Moore se destacaram entre as principais perdedoras. Uma foi indicada quatro vezes e a outra três, perdendo em todas. Clique no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Atriz (Filme)

1992	Linda Hamilton (O Exterminado do Futuro 2)
1993	Sharon Stone (Instinto Selvagem)
1994	Janet Jackson (Sem Medo no Coração)
1995	Sandra Bullock (Velocidade Máxima)
1996	Alicia Silverstone (As Patricinhas de Beverly Hills)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 5

MTV Movie Awards - Ator Mais Desejado

2009-05-28T22:36:00.006-03:00

Entre 1992 e 1996 a MTV reservou um espaço para eleger os atores e atrizes mais sexys do cinema naquele ano. Em 2006 houve uma tentativa de retorno, concedendo um Movie Awards para a "melhor performance sexy", mas esse terá um post separado. Entre os homens, uma curiosidade: nos cinco anos em que esse prêmio foi dado, em todos Tom Cruise foi indicado e perdeu. Veja a lista e clique no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Ator (Filme)

1992	Keanu Reeves (Caçadores de Emoção)
1993	Christian Slater (Coração Indomável)
1994	William Baldwin (Invasão de Privacidade)
1995	Brad Pitt (Entrevista com o Vampiro)
1996	Brad Pitt (Se7en: Os Sete Crimes Capitais)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 5

MTV Movie Awards - Melhor Dupla / Equipe

2009-05-28T22:10:00.009-03:00

Categoria extinta em 2006, esse prêmio era destinado à dupla de atores com a melhor química na tela durante o ano. Interessante que mais duplas de filmes de ação levaram o prêmio do que pares românticos (apenas 1995 - forçando a barra - e 2004). Para não premiar uma "dupla de três", a MTV mudou o nome do trofeu em 2001 para "melhor equipe" e As Panteras venceu. Ficou assim nos anos seguintes até a categoria sumir. Veja abaixo os vencedores, clicando no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Atores (Filme)

1992	Mike Myers e Dana Carvey (Quanto Mais Idiota Melhor)
1993	Mel Gibson e Danny Glover (Màquina Mortífera 3)
1994	Harrison Ford e Tommy Lee Jones (O Fugitivo)
1995	Sandra Bullock e Keanu Reeves (Velocidade Máxima)
1996	David Spade e Chris Farley (Mong e Lóide)
1997	Sean Connery e Nicolas Cage (A Rocha)
1998	John Travolta e Nicolas Cage (A Outra Face)
1999	Jackie Chan e Chris Tucker (A Hora do Rush)
2000	Mike Myers e Verne Troyer (Austin Powers: O Agente 'Bond' Cama)
2001	Drew Barrymore, Cameron Diaz e Lucy Liu (As Panteras)
2002	Vin Diesel e Paul Walker (Velozes e Furiosos)
2003	Elijah Wood, Sean Astin e "Gollum" (O Senhor dos Aneis 2: As Duas Torres)
2004	Adam Sandler e Drew Barrymore (Como se Fosse a Primeira Vez)
2005	Lindsay Lohan, Rachel McAdams, Amanda Seyfried e Lacey Chabert (Meninas Malvadas)
2006	Vince Vaugh e Owen Wilson (Penetras Bons de Bico)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 15

Noite no Museu 2

2009-05-28T21:03:00.007-03:00

Estreia - 22/5 - Dois anos e meio depois de ver o filme de origem no cinema (sem nunca ter repetido a dose), a impressão que tive é que não fazia nem uma semana que tinha assistido a Uma Noite no Museu. Larry (Ben Stiller) conseguiu alguma coisa com suas bizarras invenções e hoje é dono de um império de vendas dessas bugigangas que anunciam na televisão. Enquanto isso, os inesquecíveis (sim, se você ver a continuação vai perceber que não esqueceu de nenhum deles) personagens que ganham vida à noite do Museu de História Natural de Nova York começam a ser encaixotados para serem armazenados no Museu Smithsonian, em Washington.

A ideia (absurda, por sinal) dos administradores é substituir as caras esculturas e quadros por hologramas animados, que além de representarem a História ainda falam dela. Larry, portanto, passa uma noite no museu para se despedir de seus amigos. Porém, como a tábua do faraó foi no contêiner em direção a Washington, o maior museu do mundo irá ganhar vida todas as noites.

Uma Noite no Museu 2 tem uma semelhança com o primeiro: a falta de ação em seu começo. O roteiro (mais uma vez de Thomas Lennon e Robert Ben Garant) vai enrolando até chegar no Smithsonian. Por isso que muitos abandonam o filme (não fisicamente, mas não despejam muita atenção) antes da metade e ficam com a impressão de que a história é fraca. Porém, a trama tem lá sua graça, como os quadros que ganham vida - abrindo espaço para um pedaço em preto e branco que se passa no final da Segunda Guerra - e a evolução do personagem de Stiller.

Larry consegue muito dinheiro às custas de muito trabalho, mas tudo o que ele sempre quis tira muito do prazer de sua vida. No museu ele está feliz e o público mais uma vez é agraciado com excelentes referências históricas, bons efeitos visuais e a inclusão de novos personagens quase tão divertidos quanto os do primeiro (que estão de volta). O vilão Kahmunrah (Hank Azaria, que além de ser o mais engraçado com sua homenagem a Boris Karloff ainda faz as vozes de Abraham Lincoln e O Pensador) é "auxiliado" por Ivan, o Terrível; Napoleão Bonaparte; e Al Capone. Sem contar nas miniaturas de Einstein, que aparecem pouco mas fazem rir e uma rápida visita de Darth Vader.

Amy Adams (sempre encantadora) substitui muito bem Reese Witherspoon, escalada originalmente para o papel de Amelia Earnhardt. Com 150 milhões de dólares (quarenta a mais) para gastar, o diretor Shawn Levy apostou no "mais do mesmo", que apesar de divertir, não deve abrir caminho para uma franquia muito longa - se bem que hoje quem comanda é a bilheteria. Uma Noite no Museu 2 é um filme inofensivo. A receita está batida, mas ainda rende um bom caldo. Nota 5

Filmes comentados em 2009: 121
Filmes lançados em 2009: 41
Total de filmes do blog: 121

Noite no Museu

2009-05-28T20:14:00.020-03:00

Estreia - 12/1/2007 - Uma Noite no Museu faz o espectador rir sem dificuldade. O roteiro de Thomas Lennon e Robert Ben Garant (responsáveis pela versão americana de Taxi e criadores de Reno 911! Miami), inspirado no livro de Milan Trenc é de uma diversão só e se encaixa muito bem nos excelentes efeitos visuais.

Larry é um pai ausente que precisa arranjar um emprego para que sua ex-mulher e filho não se mudem para longe dele. Apesar do currículo bom, o protagonista (vivido por Ben Stiller) se perde em entrevistas de empregos por conta de sua alma de empreendedor e assusta os entrevistadores com histórias sobre suas invenções. Mesmo assim ele consegue um trabalho como vigia noturno no Museu de História Natural de Nova York. À noite, por conta de um tesouro de um faraó, as estátuas de cera, fósseis e esculturas ganham vida.

Stiller está muito à vontade em uma rara produção direcionada ao público infantil. Mas o ponto alto de Uma Noite no Museu é a surpresa de seu cast. Dick Van Dyke, Mickey Rooney e Bill Cobbs como um trio dos ex-seguranças do museu e o breve retorno de Robin Williams aos blockbusters como Theodore Roosevelt são algumas delas. Já Steve Coogan e Owen Wilson (que filmaram sua participação separadamente) formam uma simpática dupla de miniaturas (o romano e o cowboy). O segundo não foi creditado porque sua passagem seria bem rápida, mas testes com a audiência mostraram a popularidade do personagem, que teve sua participação aumentada. O engraçado Ricky Gervais que foi mal aproveitado, enquanto Paul Rudd e Kim Raver são rostos conhecidos para os fãs de seriados de televisão, como Friends e de 24 Horas.

Porém, o maior mérito do longa é falar sobre História. É bonito ver Larry gastando seu tempo livre em uma biblioteca para conhecer melhor aquelas pessoas tão importantes no passado. Uma prova disso é que no final de semana seguinte ao da estreia do filme o público do Museu de História Natural de Nova York aumentou em 20%. Custou 110 milhões de dólares e faturou, no mundo todo, 571 milhões, passando Entrando numa Fria Maior Ainda e se tornando, na época, a maior bilheteria da carreira de Ben Stiller (Madagascar 2 faturaria, um ano depois, 594 milhões). Só não arrecadou mais porque muitos donos de cinemas do Reino Unido não exibiram o filme em protesto contra a Fox, que decidiu lançar o longa menos de três meses depois de sua passagem pelo cinema.

A princípio quem dirigiria o longa seria Stephen Sommers (de A Múmia e Van Helsing), o que levaria este aqui para um caminho bem diferente. Mas o diretor Shawn Levy conseguiu um trabalho mais eficiente do que seu longa anterior (A Pantera Cor-de-Rosa) e justamente por tratar do passado de uma forma tão inteligente e divertida, Uma Noite no Museu agrada fácil e a todos. Nota 7

Filmes comentados em 2009: 120
Filmes lançados em 2009: 40
Total de filmes do blog: 120

MTV Movie Awards - Cineasta Estreante

2009-05-28T16:09:00.006-03:00

Mais um trofeu que não merecia acabar. De 1998 a 2002 nomes realmente promissores foram lembrados, por filmes muito interessantes. Veja a lista abaixo clicando no nome dos longas para ler meus comentários:

Ano 1992	Cineasta John Singleton (Os Donos da Rua)
1993	Carl Franklin (Um Passo em Falso)
1994	Steven Zaillian (Lances Inocentes)
1995	Steve James (Basquete Blues)
1996	Wes Anderson (Pura Adrenalina)
1997	Doug Liman (Swingers - Curtindo a Noite)
1998	Peter Cattaneo (Ou Tudo ou Nada)
1999	Guy Ritchie (Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes)
2000	Spike Jonze (Quero Ser John Malkovich)
2001	Sofia Coppola (As Virgens Suicidas)
2002	Christopher Nolan (Amnésia)

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 11

MTV Movie Awards - Melhor Sequência de Ação

2009-05-28T15:47:00.006-03:00

Não sei porque a MTV acabou com esse prêmio (que continua sendo entregue até hoje pela Revista SET aqui no Brasil, além de outras publicações). Melhor sequência de ação tem tudo a ver com o clima pop que o Movie Awards se propõe. Talvez tenham achado um exagero premiar cena de ação e melhor luta, mas veja a lista abaixo (clicando no nome dos filmes para ler meus comentários) e se lembre das sequências impecáveis realizadas nesses longas:

Ano	Filme

1992	O Exterminador do Futuro 2
1993	Máquina Mortífera 3
1994	O Fugitivo
1995	Velocidade Máxima
1996	Coração Valente
1997	Twister
1998	A Outra Face
1999	Armageddon
2000	Star Wars Episódio I - A Ameaça Fantasma
2001	Missão Impossível 2
2002	Pearl Harbor
2003	O Senhor dos Aneis 2: As Duas Torres
2004	O Senhor dos Aneis 3: O Retorno do Rei
2005	O Dia Depois de Amanhã

Filmes comentados: 0
Filmes para comentar: 14

MTV Movie Awards - Melhor Música

2009-05-28T15:06:00.009-03:00

Continuando com uma categoria que já deixou de ser entregue e foi renomeada ao longo do tempo. O que eu chamo de Melhor Música começou com esse nome em 1992 e durou até 1999. Em 2000 o prêmio passou se chamou "melhor performance musical". Em 2001, tivemos dois prêmios: "melhor momento musical" e "melhor sequência de dança" - vencidos por Show Bar e As Panteras, os dois na lista desse post. Já em 2002 o trofeu se chamou "melhor sequência musical", em 2003 nenhum prêmio relacionado à música, em 2004 novamente "melhor sequência de dança" e 2005 "melhor performance musical".

Parece brincadeira, mas não é. De 2006 a 2008 não tivemos prêmios desse tipo, mas em 2009 a MTV reeditou o "melhor música", simplificando nosso trabalho. Veja os vencedores e clique no nome dos filmes para ler meus comentários:

(não houve prêmio nessa categoria)
"The Climb" - Miley Cyrus (Hannah Montana - O Filme)

Ano	Música - Artista (Filme)

1992	"Everything I Do I Do It For You" - Bryan Adams (Robin Hood: O Príncipe dos Ladrões)
1993	"I Will Always Love You" - Whitney Houston (O Guarda-Costas)
1994	"Will You Be There" - Michael Jackson (Free Willy)
1995	"Big Empty" - Stone Temple Pilots (O Corvo)
1996	"Sittin' Up In My Room" - Brandy Norwood (Falando de Amor)
1997	"Machinehead" - Bush (Medo)
1998	"Men In Black" - Will Smith (MIB: Homens de Preto)
1999	"I Don't Want To Miss A Thing" - Aerosmith (Armageddon)
2000	"Uncle Fucka" - Matt Stone e Trey Parker (South Park: Maior, Melhor e Sem Cortes)
2001	"One Way Or Another" - Piper Perabo (Show Bar)
	(As Panteras )
2002	Ewan McGregor e Nicole Kidman (Moulin Rouge)
2003	(não houve prêmio nessa categoria)
2004	(American Pie 3 - O Casamento)
2005	"Election Dance" - Jon Heder (Napoleon Dynamite)
2006	(não houve prêmio nessa categoria)
2007	(não houve prêmio nessa categoria)
2008 2009

Filmes comentados: 1
Filmes para comentar: 14

MTV Movie Awards - Melhor Luta

2009-05-28T11:53:00.008-03:00

Entregue desde 1996, a melhor cena de luta é um dos prêmios mais legais do Movie Awards. Will Smith já venceu por brigar com um alien em 1998. No ano seguinte foi a vez de Ben Stiller receber o trofeu por seu embate com um cachorro. Já Christopher Lee subiu ao palco por brigar com Yoda. A inesquecível luta de Matrix, a grandiosa cena de O Tigre e o Dragão (quando Ziyi Zhang voa por um restaurante detonando dezenas de inimigos), o bicampeonato de Kill Bill, a briga de marido e mulher de Sr. e Sra. Smith. Volte no tempo com a lista abaixo, clicando no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Elenco (Filme)

1992	(não houve prêmio nessa categoria)
1993	(não houve prêmio nessa categoria)
1994	(não houve prêmio nessa categoria)
1995	(não houve prêmio nessa categoria)
1996	Adam Sandler e Bob Barker (Um Maluco no Golfe)
1997	Fairuza Balk e Robin Tunney (Jovens Bruxas)
1998	Will Smith (MIB: Homens de Preto)
1999	Ben Stiller (Quem Vai Ficar com Mary?)
2000	Keanu Reeves e Laurence Fishburne (Matrix)
2001	Ziyi Zhang (O Tigre e o Dragão)
2002	Chris Tucker e Jackie Chan (A Hora do Rush 2)
2003	Christopher Lee (Star Wars 2: O Ataque dos Clones)
2004	Uma Thurman e Chiaki Kuriyama (Kill Bill Vol. 1)
2005	Uma Thurman e Daryl Hannah (Kill Bill Vol. 2)
2006	Brad Pitt e Angelina Jolie (Sr. e Sra. Smith)
2007	Gerard Butler (300)
2008 2009	Sean Faris e Cam Gigandet (Quebrando Regras) Cam Gigandet e Roberto Pattinson (Crepúsculo)

Filmes comentados: 1
Filmes para comentar: 13

MTV Movie Awards - Melhor Beijo

2009-05-28T11:44:00.006-03:00

Voltando à retrospectiva dos prêmios MTV Movie Awards (que serão entregues no próximo domingo, às 22 horas, com transmissão ao vivo da MTV Brasil), começamos uma maratona de posts que deve durar a tarde toda para falarmos de todas as categorias que restam (confira tudo no índice geral de prêmios, no menu ao lado esquerdo da página).

Uma categoria que existe desde o primeiro ano é a de melhor beijo. Já tivemos duas crianças vencendo (em 1992), beijos patéticos (1995), apaixonados (1999), entre mulheres (2000), entre homens (2002, 2006 e 2007) e triplos (2004). Talvez o mais marcante seja o de 2003, com o Homem Aranha de cabeça pra baixo (vai dizer que não lembra?). Confira a lista completa e clique no nome dos filmes para ler meus comentários:

Ano	Casal (Filme)

1992	Anna Chlumsky e Macaulay Culkin (Meu Primeiro Amor)
1993	Marisa Tomei e Christian Slater (Coração Indomável)
1994	Demi Moore e Woody Harrelson (Proposta Indecente)
1995	Lauren Holly e Jim Carrey (Debi e Loide)
1996	Natasha Henstridge e Anthony Guidera (A Experiência)
1997	Vivica A Fox e Will Smith (Independence Day)
1998	Drew Barrymore e Adam Sandler (Afinado no Amor)
1999	Gwyneth Paltrow e Joseph Fiennes (Shakespeare Apaixonado)
2000	Sarah Michelle Gellar e Selma Blair (Segundas Intenções)
2001	Julia Stiles e Sean Patrick Thomas (No Embalo do Amor)
2002	Jason Biggs e Seann William Scott (American Pie 2)
2003	Kirsten Dunst e Tobey Maguire (Homem-Aranha)
2004	Carmen Electra, Amy Smart e Owen Wilson (Starsky e Hutch)
2005	Rachel McAdams e Ryan Goslin (Diário de uma Paixão)
2006	Jake Gyllenhaal e Heath Ledger (O Segredo de Brokeback Mountain)
2007	Will Ferrell e Sacha Baron Cohen (Ricky Bobby)
2008 2009	Briana Evigan e Robert Hoffman (Ela Dança, Eu Danço 2) Kristen Stewart e Robert Pattinson (Crepúsculo)

Filmes comentados: 1
Filmes para comentar: 17

Nick e Norah - Uma Noite de Amor e Música

2009-05-26T21:18:00.013-03:00

Estreia - 3/10/2008 (nos EUA - no Brasil o filme foi lançado no mercado de DVD no dia 7/4/2009) - Com Nick e Norah – Uma Noite de Amor e Música temos mais um caso de um excelente filme que passa desapercebido pelo cinema. Um romance adolescente filmado de forma independente que custou nove milhões de dólares, arrecadou onze no final de semana de estreia e terminou sua passagem pelas telonas nos Estados Unidos com trinta milhões – e que bom que deu lucro.

No melhor estilo Apenas uma Vez, o longa dirigido pelo quase-estrante Peter Sollett é baseado no romance de Rachel Cohn e David Levithan, adaptado por Lorene Scafaria. Uma turma nova que, tendo sorte de principiante ou não, entrega uma produção inteligente e sensível, sem ser chata. Pelo contrário, Nick e Norah têm totais condições de agradar o público alvo, os jovens, sem deixar de divertir e emocionar quem já passou da idade dos personagens.

Por ser um filme de curta duração (menos de uma hora a meia) pode-se ter a impressão de que a trama é pouco explorada, mas isso não acontece. Nick (Michael Cera) é um jovem que não se conforma com o fim de seu namoro com Tris (Aléxis Dziena). Por isso ele continua telefonando para a menina e gravando músicas em cds, sempre à procura da reconciliação. Típico caso da garota popular que usa o nerd não se sabe o porquê.

Norah (Kat Dennings) é uma amiga endinheirada de Tris, que cata no lixo os discos mixados por Nick – alimentando o desejo de, quem sabe, um dia encontrar o garoto. A dupla de protagonista vive em mundos completamente opostos. Para se ter uma idéia, enquanto Nick é o jovem depressivo que toca em uma banda alternativa (sem baterista e sendo os outros integrantes todos gays) tendo Boys Don’t Cry como toque de seu celular, Norah é uma moça que não perde um segundo das madrugadas de sábado dormindo e conhece os seguranças de todas as boates de Nova York.

Quando a banda indie mais comentada de Nova Jersey anuncia um show surpresa numa noite, as vidas dos dois se cruzam. Nick e sua banda tocam no bar que Norah e sua amiga Caroline (Ari Graynor) estão dando início à noite. Quando a segunda fica completamente bêbada (um hábito que parece ser comum), os amigos de Nick prometem levar a menina para casa para que ele e Norah passem a noite juntos – na tentativa de fazer o garoto superar Tris.

Um bonito romance, cercado de muita música, com uma narrativa que lembra Superbad – É Hoje!, divertindo tanto quanto Uma Noite de Aventuras e outros longas que rapidamente se tornam inesquecíveis. Michael Cera está se especializando no mesmo papel do nerd com cara de bobo (dessa vez com a participação de seu carro amarelo que todos confundem com um táxi) e Kat Dennings é uma agradável surpresa no papel da adolescente insegura, que não consegue ser e fazer o que as amigas são e fazem (sem contar o próprio trauma de um relacionamento com Tal, menino interesseiro interpretado por Jay Baruchel).

A trilha sonora indie é ótima, a química entre os atores – desde a primeira cena – é perfeita e, além de tudo, você ainda encontra diversas cenas engraçadas. Aliás, a mudança do roteiro (que substitui o início já no bar onde Nick e Norah se encontram por um prólogo divertido e importante) torna Uma Noite de Amor e Música irretocável. É a prova de que filmes adolescentes podem valer mais do que o preço do ingresso. Nota 8

Filmes comentados em 2009: 119
Filmes lançados em 2009: 40
Total de filmes do blog: 119

Festival de Cannes 2009 - Vencedores

2009-05-25T11:49:00.007-03:00

Como eu estava prevendo, não tive tempo de terminar a retrospectiva dos anos anteriores falando sobre os prêmios de curta-metragem e os trofeus que passaram pelas seis décadas da mostra mas que não são mais entregues. No mês que vem eu coloco isso em dia (quem sabe), já que a partir dessa semana o blog se concentra no MTV Movie Awards da domingo que vem.

Pois bem, como o Festival de Cannes é uma mostra de filmes que quase ninguém viu (nem nos próprios países os longas estrearem) e eu, infelizmente, não estou na Riviera Francesa para dar uma passadinha por algumas das salas que exibem as produções, só nos resta divulgar a lista dos vencedores, ainda com os títulos originais (quando as distribuidoras brasileiras começarem a nomear os longas eu vou atualizando a lista) e esperar alguns meses ou até anos para saber se a justiça foi feita.

Quem quiser um bom resumo do festival, de maneira bem sucinta, indico nesse link uma restrospectiva da edição de 2009 de Cannes feita pela Globo.Com. Segue a lista dos vencedores:

Palma de Ouro de melhor filme: "Das weisse Band", de Michael Haneke (Áustria).

Grande Prêmio do Júri: "Un Prophète", de Jacques Audiard (França).

Prêmio de melhor direção: Brillante Mendoza (Filipinas) - "Kinatay"

Prêmio de melhor roteiro: Feng Mei (China) - "Spring Fever".

Prêmio de melhor atriz: Charlotte Gainsbourg (França) - "Anticristo" (o já polêmico filme do dinamarquês Lars von Trier).

Prêmio de melhor ator: Cristoph Waltz (Áustria) - "Bastardos Inglórios" (o esperado filme de Quentin Tarantino).

Prêmio do júri: "Fish Tank", de Andrea Arnold (Reino Unido), e "Thirst" de Park Chan-Wook (Coreia do Sul).

Prêmio Especial do Festival de Cannes: Alain Resnais (França).

Palma de Ouro de melhor curta-metragem: "Arena", de João Salaviza (Portugal).

Menção especial (curta-metragem): "The Six Dollar Ffty Man" (Nova Zelândia), de Mark Albiston e Louis Sutherland.

Os posts com as listas completas dos vencedores já foram atualizados, é só clicar no índice geral do lado esquerdo do blog ou nesse link.